Después de haber pasado tres años en un centro psiquiátrico, Jack Andrus, un actor acabado, vuela a Roma invitado por un director amigo suyo que le ofrece un pequeño papel en una película que está rodando en los estudios de Cinecittà. Andrus acepta la oferta con la esperanza de recuperar la fama. Lo malo es que en Roma se encuentra con su exmujer, la responsable de su crisis artística y personal.
La película obedece a un tono de amplias generosidades
espectaculares. Está muy bien hecha y planteada y conseguida. La fotografía, el
color y el sonido trenzan sus virtudes para la más detallada definición de las
oscuras pasiones... La película, que es grande y ambiciosa, pesa a veces un poco
en su larga y desolada caminata. Sólo los exteriores en Roma, de noche, limpian
con su misteriosa hermosura el aire viciado que envuelve a aquellas gentes
angustiadas. Cuando el coche de Kirk Douglas, después de la pavorosa carrera
final, espléndidamente trucada, se detiene bajo la fuente purificadora, parece
que el agua desplomada que empapa al actor y le refresca, lava también,
simbólicamente, el espectacular asunto de tantas humanas impurezas. (Gabriel
García Espina en ABC del 22 de marzo de 1963)
Vincente Minnelli demuestra una vez más sus reconocidos
méritos como director. Por medio de un ritmo rápido y dinámico, logra mantenir el
film en una línea de alta tensión emocional. La cámara es movida con
superlativa destreza, ora en giros deslumbrantes, ora en momentos de premiosa
intensidad para captar la intención de cada escena y extraer las más
insospechadas posibilidades en secuencias de mayor contenido dramático. La
pantalla en Cinemascope y el color en Metrocolor –particularmente eficaz-
contribuyen a sacar el máximo fruto del tema y de la forma como es referido. Un
montaje que tiene el acierto de sintetitzar el máximo posible cada situación,
ayudado por frecuentes elipsis y por numerosos fundidos, contribuye a dar al
film la apetecida agilidad y a mantenir vivo el interés durante su desarrollo.
El dialogo es rápido, incisivo y conciso. (J. Pedret Muntañola en La Vanguardia
del 14 de abril de 1963)
Amarga y desesperada, llena de imágenes dolientes que se ocultan entre los pliegues del melodrama (...) Una obra maestra absoluta. (Miguel Angel Palomo en El País)
Inspirada prolongación de 'Cautivos del mal' (...) un insustituible documento del paso de cineastas norteamericanos por Cinecittà y por la Roma de 'La dolce vita', (...) una meditación sobre el fracaso, el compromiso y la desilusión. (José Luis Guarner)
Adaptación de una novela de Irwin Shaw que constituye uno de los títulos clave de su director, donde el melodrama se convierte en fastuoso espectáculo. Llevando hasta sus últimas consecuencias la visión del mundo del cine que ya propusiera en "Cautivos del mal", recrea un universo inicialmente artificioso para depurar sus elementos de manera que el artificio devenga arte. (Fotogramas)
Minnelli cada vez más sofisticado, y de gustos europeos (no es ajeno a las corrientes que irrumpen en Europa y a los aires nuevos de Hollywood), alardea de su uso del lenguaje cinematográfico y del buen uso de las claves del melodrama (en el que sin duda es uno de los directores estrella) para mostrar un retrato amargo de una serie de personajes que sufren porque aman, odian y viven intensamente. (El blog de Hildy Johnson)
Una de las películas más agudas y perspicaces sobre la industria cinematográfica. (Richard Brody en The New Yorker)
Todo el asunto es un montón de charlas comerciales simplistas, gruñidos románticos ridículos y poco convincentes y un extraño choque profesional entre el actor y el director que parece sacado de una caricatura de Hollywood. El guión del Sr. Schnee es tan arbitrario y sin objetivo en el desarrollo de una trama como el guión de uno de esos abarrotadas películas de romanos de Cinecittà, y el personaje que presenta para el Sr. Douglas no es más inteligible ni convincente que el de Steve Reeves en Hércules. (Bosley Crowther en The New York Times del 18 de agosto de 1962)
Todo tipo de celos, obsesiones, pasiones, arrepentimientos y dudas se entretejen a lo largo de todos los hilos argumentales del film, y Minnelli los mira a través de los ojos de un veterano de 60 años. Esta no es una exposición emocionante del mundo del espectáculo; es una mirada a una industria vieja y seca, donde los jóvenes simplemente están condenados a repetir los errores de sus antecesores. Cualquier momento de esta película puede traer un nuevo tipo de respuesta: euforia, terror, escalofríos, temblores, alegría, etc. A diferencia de cualquier otro director de su época, excepto Nicholas Ray, Minnelli resume todo esto en un uso sorprendentemente detallado del marco de la pantalla panorámica. (Jeffrey M. Anderson en Combustible Celluloid)
A diferencia de Douglas Sirk, que es mucho más sutil a la hora de enmascarar la intención de su color y la información de la puesta en escena, Minnelli no tiene miedo de decirle literalmente al público que su paleta de colores tiene significado. Al relatar lo que ocurrió la noche del accidente automovilístico y al describir su enfermiza relación con Carlotta, Minnelli deja que Douglas diga en voz alta: "Siempre tuvimos algo con [el color] verde", una señal directa para que el público preste atención a un color, como nunca he visto en una película importante. Esa cualidad abierta, esa voluntad de mostrar sus intenciones en la manga, independientemente de si esas intenciones finalmente resultan estéticamente, es una de las cualidades más entrañables de Minnelli como director. (Paul Mavis en DVD Talk)
Al querer ser excepcionalmente irónico y malicioso, Minnelli ya no consigue hacernos sentir empatía por sus personajes, y la película se nos vuelve a menudo desagradable, tanto más cuanto que no encontramos ni su habitual elegancia ni su profunda ternura incluso para sus protagonistas más antipáticos. Otra decepción proviene del hecho de que el director ni siquiera aprovecha al máximo los escenarios naturales que tiene a su disposición. Afortunadamente, quedan momentos fabulosos de pura puesta en escena, como la secuencia paroxística final a bordo del coche, la escena de proyección de Cautivos del mal (1952) durante la cual los participantes experimentan una fuerte melancolía y algunos otros con Edward G. Robinson, que es uno de los pocos actores de este reparto al que le va bien con Kirk Douglas, incluso si la actuación de este último a veces carece de sutileza. En definitiva, nada que ver con la lírica y soberbia Cautivos con la que sin embargo forma una especie de díptico. Después de la magnífica Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1961), retrocedemos un poco. (Erick Maurel en DVDClassik)
Dos semanas en otra ciudad es tan lograda como su predecesora, Cautivos del mal, pero es más difícil de abordar debido a su incursión en la oscuridad, como la secuencia catártica rodada en el coche que remite a la misma escena traumática con Lana Turner diez años antes. La diferencia entre el objetivo de las dos escenas visualmente similares es también la de las películas con temas falsamente idénticos. En 1962 Kirk Douglas conduce a toda velocidad para deshacerse definitivamente de sus demonios, cuando Lana Turner hace lo propio para abandonarse a ellos. En 1952 el cine era más grande que la vida, y diez años después Vincente Minnelli nos recuerda que lo es gracias a los hombres (y no a un solo hombre, la diatriba de Douglas a George Hamilton diciéndole que dejara de depender de nadie y creyera en él) que se dedican a ello con pasión. (Justin Kwedi en DVDClassik)
Por último, lo que resulta muy interesante al yuxtaponer las dos películas (Cautivos y Dos semanas) es el punto de vista de Vincente Minnelli, que ha cambiado profundamente en diez años, pasando de una visión magnificada de la época dorada de Hollywood a la de rodar en el extranjero únicamente por motivos económicos; de una narrativa impecable a una historia mucho más suelta; de gente ambiciosa y llena de codicia hasta personajes desgastados y desencantados. (Virgile Dumez en À voir, à lire)
Película estrenada en Madrid el 21 de marzo de 1963 en el cine Coliseum; en Barcelona, el 14 de abril de 1963 en los cines Montecarlo, Niza y Aristos.
Reparto: Kirk Douglas, Edward G. Robinson, Cyd Charisse, George Hamilton, Dahlia Lavi, Claire Trevor, James Gregory, Rosanna Schiaffino.
Ella Peterson es una telefonista que, intentando ayudar a sus clientes, se inmiscuye en sus asuntos privados y acaba viéndose implicada en una organización de apuestas clandestinas.
Adaptación de una celebrada comedia musical, estrenada por Judy Holiday en 1956 bajo la dirección de Jerome Robbins, que sería la última interpretación de la malograda actriz. Minnelli trabajó con habilidad tanto la estructura narrativa como su vertiente de espectáculo. Así, las canciones y los bailes se integran con naturalidad dentro de la dinámica de la comedia sin romper su ritmo interno. Film inédito en España. (Fotogramas)
Mejores musicales de Broadway que Bells Are Ringing han llegado a Hollywood, pero pocos han sido traducidos a la pantalla con tanta eficacia. Bells se adapta idealmente a la intimidad del medio cinematográfico. Donde puede tener una tendencia en varios pasajes a quedar empequeñecido en un gran escenario, siempre es más grande que la vida en la pantalla, lo que en realidad es un factor deseable en una comedia clara y relajada como ésta. (Variety)
Vincente Minnelli hace uso de la pantalla ancha con movimientos elegantes y fluidos, y ayuda a Dean Martin a sujetar su alegría habitual con la cantidad justa de ansiedad. (Michael Sragow en The New Yorker)
Bells Are Ringing fue la última película de la talentosa Judy Holliday. Interpretó el papel de Ella en el escenario y pudo darle vida en la pantalla para su última actuación en Hollywood. Si bien me gustó la película en general más que a Bosley Crowther, estoy de acuerdo con su evaluación en que ella es la mejor parte de la película. Lamentablemente, fallecería de cáncer casi exactamente cinco años después del lanzamiento de Bells Are Ringing, pero la película es un testimonio de su talento cómico y musical y su capacidad para elevar el material con el que trabajó. (Lindsay D. en The Motion Pictures)
Bosley Crowther del New York Times, que había visto la obra original, fue mucho más elogioso con Judy Holliday que con los otros artistas involucrados: "Puede creer en nuestra palabra: 'Bells areRinging' le debe más a Miss Holliday que a sus autores, su director (Vincente Minnelli), o incluso Alexander Graham Bell ". De los autores Comden y Green, escribió, "el romance telefónico que han preparado para ella [Holliday] se compone de un pequeño asunto y un montón de bromas que lo rodean. Lo que hace la señorita Holliday con esto último es la medida de la calidad del espectáculo." (Bosley Crowther en The New York Times del 24 de junio de 1960)
No solo marcó la última vez que el productor Arthur Freed y Vincente Minnelli hicieron una película del viejo estilo, creo además que es uno de los últimos verdaderos musicales de MGM. En ese momento, las extravagancias musicales de Judy Garland y Jane Powell eran cosa del pasado y “Bellsare Ringing” es una llamada de atención a cómo eran las cosas para MGM. Después de esto, el musical clásico dejó de existir. También fue la última película de Judy Holliday antes de morir en 1965 debido a un cáncer de mama. Si bien esta película marcó varios finales para algunas carreras y una época, sigue siendo una obra entretenida. (Jessica Pickens en Comet over Hollywood)
Con 127 minutos, la película es a veces lenta y, en general, demasiado larga, con tramos teatrales que se habrían reproducido mucho mejor recortados y abiertos. (Stuart Galbraith en DVDTalk)
Sin embargo, incluso si no es tan memorable como algunas de las otras películas en las que participaron el productor Arthur Freed, Vincente Minnelli, Dean Martin y Judy Holliday, tiene sus momentos ingeniosos, se ve genial y se resuelve con un final generalmente satisfactorio. (Jeremy Carr en Cutprintfilm)
Es un placer contemplar a las dos estrellas, en especial a la atareada Judy Holliday, una operadora de servicio telefónico que no puede evitar involucrarse en la vida y las esperanzas de sus clientes. Y Dean Martin hace su papel de dramaturgo ebrio y dudoso con su acostumbrado encanto. Pero su material simplemente no está a la altura: el guión de Betty Comden y Adolph Green consiste en una sátira muy vista de temas ya tocados por otros como los métodos del Actors Studio, la música pop y las fiestas de artistas, mientras que las pocas canciones de Jules Styne realmente no hacen sonar las campanas. Algo también va mal con la puesta en escena de Minnelli, ya que la acción tiende a aparecer dentro del marco del cinemascope teatral e inerte; incluso las localizaciones parecen falsas. (Time Out)
Bells Are Ringing (1960) es el penúltimo musical de Vincente Minnelli y el último musical de la era Freed en MGM. Cuando la heroína canta "The Party's Over" sirve como una despedida simbólica de las glorias del musical de MGM, y del musical de Hollywood en general, que estaba llegando a su fin. (Michael E. Grost)
A veces se alarga, es lento de vez en cuando, pero este cuento de hadas moderno con su puesta en escena siempre tan precisa, es entretenido. Es uno de los Minnelli más débiles, pero sigue siendo un espectáculo bastante honesto a pesar de todos sus fallos. (Erick Maurel en DVDclassik)
Salvo el baile frente a los vecinos que se acomodan para animar a la pareja y la escena de la recepción del mundo del cine, el resto no supera el nivel medio de la comedia estadounidense. Un poco como si el genio de Minnelli trabajara de manera alternativa, sin duda por su implicación en ese momento en temas más dramáticos. Como el cineasta era un gran técnico, esta película superficial se puede ver con agrado, pero no más. (Ronny1 en Sens critique)
Película estrenada en España por TVE el 20 de septiembre de 1973 en el espacio Sesión de noche.
Reparto: Judy Holliday, Dean Martin, Fred Clark, Eddie Foy, Jean Stapleton, Dort Clark, Frank Gorshin.
Jimmy Broadbent (Rex Harrison) quiere introducir a su joven hija (Sandra
Dee) en los salones de la alta sociedad londinense para que pueda
conocer jóvenes solteros y ricos. Pero a la chica ese ambiente le
resulta demasiado aburrido. Sus padres se quedan horrorizados cuando se
enteran de que está saliendo con el batería de una orquesta de baile.
Encantadora comedia fina y elegante, que discurre en los más
suntuosos interiores y que está impregnada de un tono ligero y festivo que se
mantiene a todo lo largo de la cinta.(César Mora en La Vanguardia del 25 de diciembre de 1959
Una comedia fina, agradable y divertida, con un reparto excelente. (Donald en ABC del 19 de enero de 1960)
Comedia romántica poco memorable que ni el buen hacer de sus protagonistas, en especial Rex Harrison y una Angela Lansbury
en un vivaz personaje secundario; ni el tacto sofisticado, elegante,
cálido, colorista… de Vincente Minnelli, pueden elevar de la
insuficiencia general a causa de un guión mediocre, escrito por William
Douglas Home, autor también de la obra teatral adaptada. (AlohaCriticón)
El contraste entre la educación británica y la norteamericana en la base de una comedia que juega con un registro esencialmente brillante. Su agudo sentido de la ironía le confiere un carácter moderadamente corrosivo, aunque no llegue a transgredir todo aquello que se propone. (Fotogramas)
Nos encontramos ante una comedia de periclitada esencia, que incluso aparece como un paradigma de ritos sociales hoy día difíciles de creer, que tuvieron presencia hasta unas pocas décadas en un determinado mundo occidental pero que, por obra y gracia de su realizador, despliega una pátina de elegancia e ironía, que es compartida sobre todo por su impagable pareja protagonista. (Cinema de perra gorda)
Una comedia de salón vintage que es endeble, carece de cualquier arista y se desarrolla como un ejercicio de comedia británica de alto estilo. (Dennis Schwartz)
Hay algunos momentos bastante divertidos en esta comedia estadounidense sobre la gente de la alta sociedad de Londres, pero el ritmo suele ser lento y la atmósfera forzada. (Clyde Gilmour)
Mamá nos complica la vida, que se filmó en varios lugares decorativos de París, no tiene más sustancia que un soufflé; pero sus ingredientes ligeros constituyen una fina película con peso pluma. (A.H. Weiler en The New York Times del 15 de agosto de 1958)
The Reluctant Debutante es refrescante y tiene un vestuario elegante, una versión cinematográfica colorida y descarada de la bagatela teatral de William Douglas Home. (Variety)
El entretenimiento puede parecer menor, pero es delicioso, gracias a la comicidad de la gran Kay Kendall, una actriz inglesa de comedia que nos fue rápidamente arrebatada por la leucemia. Sus eventos sociales con Angela Lansbury son pura felicidad, así como la sofisticación visual del cineasta Minnelli, un esteta que se ríe de sí mismo con júbilo. (N.T. Bihn en Zurban)
Película estrenada en Barcelona el 22 de diciembre de 1959 en los cines Montecarlo, Niza y Aristos; en Madrid, el 18 de enero de 1960 en el cine Capitol.
Reparto: Rex Harrison, Kay Kendall, John Saxon, Sandra Dee, Angela Lansbury, Peter Myers, Diane Clare.
París 1900. Una jovencita, Gigi, aprende las cosas de la vida de su
abuela, madame Álvarez y de su tía-abuela Alice que la prepara en los
buenos modales que la permitan conquistar los corazones masculinos.
Frecuenta la casa de las tres mujeres un apuesto, elegante y joven
millonario, Gastón Lachaille, sobrino del mundano Honoré Lachaille. Lo
hace cuando se aburre, ya que ni el juego ni el amor le divierten, con
desesperación de su tío, que fue en sus buenos tiempos uno de los
conquistadores de mayor cartel. Gastón se distrae mucho con Gigi, a
quien considera una niña encantadora, que le cautiva por su gracia y
franqueza. Pese a la inocencia de sus juegos, no tarda en darse cuenta
de que Gigi se está convirtiendo en una seductora jovencita, de la que,
pese al hastío de su vida, se siente muy atraído. La tía Alice se
percata de lo que está ocurriendo y considera que Gastón es el hombre
que conviene a su sobrina, ya que piensa que nunca podría encontrar un
partido mejor. Así, decide transformar a toda prisa a Gigi para que
Gastón vea en ella a una dama refinada.
Basada en una novela de Colette publicada en 1945. Música de Frederick Loewe y letras de Alan Jay Lerner.
Todo está perfectamente ligado, pues la historia, como las imágenes, es
una celebración de esa cultura que tan alejada debía parecer a los
directores americanos de los 50, sometidos al código Hays de censura.
Gigi cuenta la historia de una chica educada en la frivolidad amorosa de
la belle époque, que se rebela contra su destino de cocotte, pero,
lejos de criticar con ello a los frívolos, Minnelli celebra su hedonismo
y alegría de vivir, sin censurar tampoco a la propia Gigi, sino, con
generosidad, defendiendo la libertad de cada cual para elegir lo que más
se ajuste a sus deseos y sentimientos. Haciendo malabarismos en el fino
alambre de la permisividad del cine americano de los 50, Minnelli
consigue que el espectador avispado entienda todo el juego sexual
subyacente en la historia y lo disfrute, mirando con divertida envidia
esa Francia liberal y hermosa de principios de siglo XX (y todo su arte y
legado cultural), y mirando a la vez con ternura a la joven Gigi y sus
sentimientos más estables y profundos. Y así, consigue una obra llena de
vida… y cultura. (McTeague en Film Affinity)
Leslie Caron, Maurice Chevalier y Louis Jourdan, protagonizan este espléndido musical dirigido por Vincente Minnelli (Un Americano en París)
que cuenta con actuaciones verdaderamente memorables como la secuencia
inicial en la que Maurice Chevalier interpreta "Thank Heaven for Little
Girls". Esplendidos decorados y vestuarios envuelven a este ya clásico
del séptimo arte, que recrea a la perfección un antiguo París
fascinante. El film obtuvo nueve Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor canción. (Decine21)
Sin negarle los méritos a la película que dirige Vincente Minnelli, un
film tranquilo con un score musical de la época y unos dibujos también
del momento, es uno de los musicales que peor ha envejecido, huele al
Hollywood más rancio en su puesta en escena, en la que el lujo se asocia
a los palacios más barrocos, afectados por una especie de horror vacui,
el miedo a que haya medio metro cuadrado sin un objeto decorativo.
Minnelli cuida los encuadres, cuando no usa simples telones pintados, ya
que en esta época se concebía el cine como teatro filmado, hasta el
extremo de emular cuadros de pintores franceses como Renoir. Entre
cuadro y cuadro una canción, eso sí, interpretada por Leslie Caron o
Maurice Chevalier. Si las casas de los 'ricos', dicho esto sin pudor ni
pedir perdón a nadie, eran ostentosas, la de los burgueses, como aquella
en la que vive Gigi es absolutamente desquiciante (paredes con
tapicería roja, manteles rojos, sillones realizados en este color...),
en los que se suelen incrustar las mujeres con indumentarias de azul
eléctrico, un sentido de la armonía cromática que no se entiende bien
hoy. Los comentarios del narrador (Chevalier) son sexistas y casposos y
han quedado fijados en el celuloide para la historia. La clasificación
de las mujeres que realiza al comienzo del film es espantosa y la mirada
de la cámara a cualquier mujer que haya superado la veintena y no sea
una adorable colegiala es de juzgado de guardia. (Cinelodeon)
Memorable musical, basado en una novela de Colette, cuyo planteamiento
corre el permanente riesgo de caer en la cursilería, aunque nunca
lleguen a rebasarse sus límites. La clave de la operación reside en la
inteligente dosificación de sus recursos dramáticos y en el evidente
buen gusto de una puesta en escena que se apoya en el refinado diseño de
producción de Cecil Beaton. (Fotogramas)
Película estrenada en España el 20 de septiembre de 1959.
Reparto: Leslie Caron, Louis Jourdan, Maurice Chevalier, Hermione Gingold, Isabel Jeans, Edwin Jerome, Eva Gabor.
Gran éxito de Arthur Freed, el gran productor de musicales de la
Metro-Goldwyn-Mayer. Un cantante y bailarín de éxito, a pesar de que
atraviesa una etapa muy crítica, está decidido a volver a Broadway, el
escenario que le dio la gloria y la fama.
Excelente musical dirigido por Vincente Minelli, conocedor del género, a
partir de un guión de Betty Comden y Adolph Green. En la obra se funden
las canciones, la coreografía y el baile con la historia que narra la
película, de tal manera que ésta es la que da unidad y explica los
sucesivos números musicales. El lenguaje cinematográfico asimila el
musical, lo incorpora a su estructura narrativa y resulta una película
con personalidad propia, con una unidad bien definida, que utiliza los
números musicales para explicar los sentimientos de los personajes, su
alegría de vivir, sus deseos y ambiciones. (Miquel en Film Affinity)
El film es una delicia y un modo excelente
de comprender cómo funcionaban los montajes musicales del Broadway de la
época. La música es un primor, con grandiosos temas escritos por Arthur Schwartz
y Howard Dietz. La pareja Astaire-Charisse está inconmensurable y
ofrece algunos de los mejores números de la historia, como el bellísimo
baile en el Central Park "Dancing in the Dark" o el espectacular número
final "En busca de la chica", con divertida atmósfera de cine negro.
Algunas melodías pasaron a la historia, como la citada "Dancing in the
Dark" o las pegadizas y divertidas "That's Entertainment" y "A Shine on
Your Shoes". También destaca el diseño de vestuario, obra de Mary Ann
Nyberg, que fue nominada al Oscar, al igual que los guionistas y el
compositor de la banda sonora, Adolph Deutsch. (Decine21)
The Band Wagon es posiblemente el último musical, el último clásico, que
sigue esta formula. Un bailarín en declive se traslada a Nueva York en
busca de un lugar en las producciones teatrales. Así comienza la película
con Astaire y el número de “Gan Central Station” un prólogo fastuoso que
ya nos enuncia lo que veremos: coreografías magistrales, baile de clase y,
por supuesto, color y fantasía por doquier.(Carlos Infante en Filomúsica)
Uno de los mejores musicales de Minnelli, que dejó a un lado el acento culturalista para centrarse en la genuina tradición del género y su
relación con el music-hall británico (representado por Jack Buchanan).
La brillante coreografía de Michael Kidd y canciones tan memorables
como "That's Entertainment" o "Dancing in the Dark" son bazas seguras
que, en manos de su director, se convierten en un producto redondo. (Fotogramas)
Película estrenada en Barcelona el 20 de septiembre de 1955 y en Madrid el 30 de enero de 1956.
Título español: Melodías de Broadway 1955.
Reparto: Fred Astaire, Cyd Charisse, Jack Buchanan, Nanette Fabray, Oscar Levant, James Mitchell, Ava Gardner.
