El sueño eterno (The Big Sleep, 1946). Howard Hawks

Un general millonario y excéntrico tiene dos hijas que están involucradas en asuntos más bien turbios. Decide entonces llamar al detective privado Philip Marlowe para que resuelva sus problemas familiares. Cuando Marlowe empieza a investigar, descubre muy pronto que las diversas ramificaciones del asunto lo convierten en una auténtica maraña.

The Big Sleep (1946), dirigida por Howard Hawks, es una obra maestra ampliamente reconocida del género film noir. La película se centra en el detective privado Philip Marlowe (Humphrey Bogart), quien es contratado para investigar un chantaje, lo que lo introduce en una red compleja de mentiras, drogas, pornografía y asesinato que involucra a las dos hijas de su adinerado cliente. Si bien la película es celebrada por su atmósfera oscura y sus diálogos ágiles, la trama es famosa por ser notoriamente confusa, un laberinto narrativo que algunos consideran "bizantino".

La película se basa en la novela negra de Raymond Chandler publicada en 1939. La adaptación se distingue de la fuente literaria, la cual presentaba los rasgos típicos de la novela hard-boiled como un detective solitario, un descenso a los infiernos y un tono ácido y existencialista. Los cambios narrativos proceden principalmente de la decisión de Hawks de introducir una elaborada trama romántica, una cuestión tan esencial que diluye la clasificación de la película dentro del género puramente negro. La Warner Bros., que poseía los derechos de la novela desde 1944, quería capitalizar la gran química en pantalla de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, la pareja de moda tras su éxito en Tener y no tener (1944).

El corte original del director, finalizado por Hawks en marzo de 1945, fue archivado. Tras las malas críticas recibidas por la actriz en Confidential Agent (1945), el agente de Bacall, Charles K. Feldman, temió un final prematuro para la prometedora carrera de Lauren Bacall. Feldman persuadió al jefe del estudio, Jack Warner, para remodelar The Big Sleep inspirándose en el tono "insolente y provocativo" de Tener y no tener. Esto resultó en 16 minutos de nuevas tomas ordenadas por Warners para realzar la calidad estelar de Bacall. El metraje adicional, que sumó 18 minutos en total, reemplazó 20 minutos del corte original de 1945, dando lugar a la versión final de 1946 que hoy se conoce.

El énfasis en la relación Marlowe-Vivian Sternwood transformó la estructura de la película. El guionista Jules Furthman, contratado después de un borrador inicial de William Faulkner y Leigh Brackett, hizo crecer el romance por encima de la trama centrada en Carmen Sternwood, que era más seria en la novela. La historia cinematográfica relega la investigación detectivesca a una trama de contexto, mientras que la trama romántica se convierte en la sustancia narrativa dominante. El detective Marlowe se reconvierte de un héroe solitario y cínico que mantiene su código de honor frente a la corrupción a un galán "principesco y juguetón" que busca la felicidad personal.

Esta nueva dinámica romántica es evidente en el diálogo, reconocido por ser impecablemente ágil. Un ejemplo clave es la escena añadida de las "carreras de caballos", donde Lauren Bacall le dice a Humphrey Bogart: "Diría que no le gusta que le clasifiquen, le encanta arrancar fuerte, abrirse camino, tomarse un respiro en la segunda vuelta y volver relajado a casa". Esta conversación, llena de insinuaciones sobre la pareja, sirvió para establecer una fuerza opositora entre Marlowe y Vivian. Los diálogos chispeantes y la igualdad entre los sexos en la agudeza verbal asocian la película con la comedia alocada (screwball) que Hawks también cultivaba.

A pesar de su estética visual que cumple con muchas características del cine negro (como el uso del claroscuro, la ambientación nocturna y la presencia de femmes fatales), el romance creado por el estudio alteró el tono temático. El guion de Hawks toma una distancia narrativa de la novela de Chandler, cambiando el fatalismo y la desesperanza inherentes al género negro por una "apertura optimista hacia la felicidad individual". La película se acerca más a la filmografía "vitalista" de Hawks, integrando la historia dentro de su particular estilo que celebra el espíritu humano y la relación de pareja.

Finalmente, la complejidad de la trama de The Big Sleep es una parte inseparable de su mito. La historia es tan intrincada que incluso el propio Raymond Chandler supuestamente no pudo responder a una pregunta clave cuando los cineastas lo llamaron: "¿Quién mató al chófer?". Howard Hawks se hizo famoso por su indiferencia ante la lógica del argumento. Él mismo confesó no haber entendido nunca lo que sucedía, concluyendo que "solo iba a probar a hacer buenas escenas", adhiriéndose a la filosofía, compartida por Chandler, de que "la escena superaba a la trama". La trama enredada se convirtió en una excusa para el brillo atmosférico.

Película no estrenada comercialmente en España. Se vio por primera vez cuando TVE la emitió el 4 de abril de 1972 dentro del ciclo "Su nombre es Bogart".

Reparto: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Martha Vickers, Charles Waldron, Charles D. Brown, John Ridgely, Dorothy Malone, Elisha Cook Jr.

Su juego favorito (Man's Favorite Sport?, 1964). Howard Hawks

Roger Willoughby (Rock Hudson) es un simpático y eficiente vendedor de aparejos de pesca de unos grandes almacenes de San Francisco. Sus clientes le creen un auténtico experto, ya que ha escrito un manual de instrucciones sobre la pesca con caña que es de gran ayuda a los aficionados... ¡sin tener ni idea de pesca! Aunque eso nadie lo sabe. Abigail Page (Paula Prentiss), publicista de un concurso de pesca que se va a celebrar, propone que Roger intervenga en el concurso, pues su presencia será un gancho para el mismo. Pero aunque Roger se niega, ya que no sabe de pesca y además aborrece tocar cualquier tipo de pescado, su jefe le obliga a participar.

Parece como si la película hubiese sido un juego de Hawks para entretener ingenuamente la pausa entre otros trabajos más sólidos y de mayor empuje. (...) El intento era hacer, sin duda, una película cómica alrededor de la pesca como deporte y de sus tradicionales y estupendas mentiras. Hubiera podido tener el encanto del aire libre y del paisaje, ya que le falta en mucho la comicidad. Pero también el paisaje está ausente, disimulado por unos interiores de estudio que fingen con Hermoso color una realidad que no es. (G.Bolín en ABC del 18 de junio de 1964)

El film es una comedieta ligera y frívola, que con frecuencia cae en la payasada. No llega, por supuesto, al nivel artístico de las películas cómico sentimentales que suele interpretar el propio Rock Hudson —alguna de ellas en compañía de Doris Day—, pero resulta divertida y hace reír de verdad. Durante toda la proyección, en la sala no se dejan de oír las carcajadas. (A. Martínez Tomás en La Vanguardia del 29 de agosto de 1964)

Una comedia considerablemente ácida que gira en torno al matriarcado como institución genuinamente norteamericana. Su punto de partida es el de una falsa misoginia, que se irá desvelando como una absoluta lucidez ante la realidad mostrada. Desarrollada con la precisión habitual en todas las comedias de su director, quizá le falte una punta de brillantez para que sus resultados sean magistrales. (Fotogramas)

El maestro Howard Hawks dirige con acierto a la divertida pareja Hudson-Prentiss. Y aunque es una película menor del director, ya les gustaría a muchos haber rodado una comedia de tal altura. Muy divertida. (Decine21)

La película es un notable entretenimiento con base en la diferencia entre la teoría y la práctica.
Posee brillantes momentos de slapstick en escenas ingeniosamente planificadas encadenando con agilidad situaciones de “nada sale bien” y un elenco de simpáticos personajes secundarios. (AlohaCriticón)

Nunca es lo suficientemente divertida con todas sus insinuaciones sexuales y el uso de la pesca como sustituto del sexo para ser considerada otra cosa más que una película menor de Hawks. Pero en el lado positivo siempre transcurre de manera suave y genial. El pasivo Rock y la agresiva Paula nos dan actuaciones agradables que hacen que todo sea casi pasable (es incluso más divertida de lo que debería haber sido, eso es lo mejor que puedo decir al respecto). (Dennis Schwartz)

Aquí Hawks se mueve de manera un poco más lenta, copiando algunos de sus primeros gags, pero sigue siendo muy divertido. (Jeffrey M. Anderson en Combustible Celluloid)

Realmente no hay suficiente material en la idea base para sostener una película. Pero en su ayuda tenemos situaciones de comedia física divertidas y actuaciones geniales, joviales y relajadas. Inusualmente, fue filmada en el orden de las secuencia por el director Hawks. (Derek Winnert)

La historia narra las desventuras de un autor que nunca ha practicado la disciplina en la que destaca: la pesca. Hawks parece burlarse maliciosamente de todos sus exégetas europeos. Él mismo ridiculiza la famosa moral del profesionalismo que le habían etiquetado como garante de su genio. Roger gana la competición mediante una mezcla de mala suerte y torpeza de la que es la víctima triunfante. El gran cineasta americano se burla de todos estos críticos delirantes e impresionistas cuyos comentarios ha leído con perplejidad. En 1964, Hawks les arrojó a la cara la película de sus sueños, una comedia loca resucitada milagrosamente ante sus ojos ciegos de fanáticos. Al mismo tiempo, afirma que sólo él es un profesional, un verdadero cineasta. Máxima elegancia irreverente del más elegante de los cineastas estadounidenses. Hawks se divierte con  las pasiones exacerbadas que provoca en todos estos intelectuales que alaban su verdadero genio. (Frédéric Mercier en DVDClassik)

Comedia poco conocida pero estruendosa, "Su juego favorito" no deja de repetir la guerra de los sexos en detrimento del género masculino, maliciosamente humillado de principio a fin. (Clément Graminiés en Critikat.com)

"Su juego favorito" aparece hoy como lo que es: la expresión de una mirada lúcida y segura, la afirmación de la soberanía de un artista que la decadencia de los estudios de Hollywood no ha atenuado sino más bien intensificado. Hawks logra integrar una trivialidad moderna que otorga a ciertos chistes un toque de leve obscenidad. (Jean-François Rauger en Le Monde)

Película estrenada en Madrid el 15 de junio de 1964 en los cines Lope de Vega y Fuencarral; en Barcelona, el 28 de agosto de 1964 en el cine Fémina)

Reparto: Rock Hudson, Paula Prentiss, Maria Perschy, Charlene Holt, John McGiver, Forrest Lewis, Regis Toomey, Norman Alden.

Sólo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings, 1939). Howard Hawks

Geoff Carter (Cary Grant) es un piloto y el gerente de una pequeña compañía aérea apenas rentable, propiedad del "Holandés" Van Reiter (Sig Ruman), cuyo principal negocio es el transporte aéreo de correo desde la portuaria ciudad de Barranca a orillas del Pacífico hacia los Andes sudamericanos. Bonnie Lee (Jean Arthur), una corista que está haciendo escala en Barranca de camino hacia su nuevo lugar de trabajo, se enamora de Carter, decidiendo quedarse en Barranca a pesar de que Carter se niega a pedir a ninguna mujer que se sacrifique quedándose con él y sufriendo por lo arriesgado de su empleo.

El estilo, esa simplicidad y transparencia narrativa que es el sello de los auténticos clásicos. Un estilo insuperable, una película insuperable y pura. (Jordi Batlle Caminal en El País)

Si Sólo los ángeles tienen alas se hubiera rodado hoy sería uno de los mejores del filmes del año. Pero en el año en que se rodó, 1939, lo tenía más difícil. Pues se considera uno de los años más fructíferos de las historia del Séptimo Arte. (Decine21)

Centrándose en la idea del peligro como forma de vida, el cineasta Howard Hawks nos propone un film donde los personajes buscan, mediante la aventura, una forma de huir de la cotidianidad. El guion tiene un ritmo perfecto, con unos diálogos que nos aproximan bastante a la idea que tenía el realizador sobre la amistad, el amor, el peligro y la muerte. Transcurre la acción de este film modélico en una compañía de aviación en Sudamérica. En ella nos encontramos a dos mitos del cine clásico hollywoodiense como Cary Grant y Rita Hayworth, acompañados en sus escarceos con la música magistral de Dimitri Tiomkin. (Playcine de ABC)

'Solo los ángeles tienen alas' usa su delgada trama como una excusa para realizar un análisis agudo con bisturí de los hombres bajo presión: quejarse, culparse y negarse a retroceder. (Tom Huddlestone en Time Out)

Más allá de una construcción ejemplar y una interpretación de alta calidad, "Sólo los ángeles tienen alas" es sobre todo una película de autor donde encontramos el tema central de Howard Hawks que usará para construir una filmografía casi perfecta y que seducirá a toda una generación de cineastas. La historia tiene un ritmo palpitante, las secuencias aéreas están dirigidas magistralmente por Hawks, lo que aumenta la ansiedad en el espectador y la tragedia da paso a la comedia (o viceversa). Todos los actores son excelentes (mención especial a Cary Grant y Richard Barthelmess) con una Jean Arthur que toma posesión del piano de bar para nuestra mayor felicidad. La película nos ofrece algunas secuencias conmovedoras como las lágrimas ocultas de Geoff o las manos quemadas de Kilgallon. Un clásico del cine de Hollywood con una hermosa principiante: Rita Hayworth. (Chris Chambers en Allocine)

Este mundo que nos muestra Hawks es estático, sin apenas trama, sin suspense, pero pocas películas están tan vivas. Al parecer, este maestro consigue que viendo cine nos olvidemos de que estamos viendo cine, asimismo, él parece desaparecer, no hay director. Se procura hacer pasar un buen rato, rato que no excluye un asfixiante nudo en la garganta y unas cuantas lágrimas, y, de postre, que vuelva una y otra vez a la memoria. Para mí, desde luego, esto es el cine, y pocos han sabido hacerlo mejor. (GVD en Film Affinity)

Una película extraña y hermosa cuando menos, esta obra maestra (basada en un fragmento de una historia escrita por Hawks en 1938 titulada Plane from Barranca) incorpora una fantástica variedad de estados opuestos de la mente y el ser. (Zach Campbell en Slant Magazine)

Este es posiblemente el film más representativo del universo de su autor; un universo de hombres duros y mujeres dispuestas a emularlos. Desarrolla una historia de aviación, ambientada en Sudamérica, que combina aventura, drama y ciertas inflexiones románticas. Todo ello está magistralmente plasmado, pasando de la gravedad a la ligereza con singular facilidad. (Fotogramas)

Película estrenada en Madrid el 23 de septiembre de 1943 en el cine Callao.

Reparto: Cary Grant, Jean Arthur, Thomas Mitchell, Rita Hayworth, Richard Barthelmess, Sig Ruman.

Bringing Up Baby (1938). Howard Hawks

David Huxley (Cary Grant) es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, del que sólo le falta una clavícula intercostal. También está a punto de casarse con su anodina secretaria. En un partido de golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja, Huxley conoce a Susan Vance (Katharine Hepburn), una joven adinerada y caprichosa que lo manipulará para que no lleve a cabo ninguno de sus dos proyectos.

Bringing Up Baby fue un fracaso rotundo de taquilla, lo que provocó que Howard Hawks fuera apartado de la dirección de la que iba a ser su siguiente película (Gunga Din, también con Cary Grant),​ y obligó a Hepburn a pagar su parte del contrato. Sin embargo, a medida que pasaron los años, la película obtuvo cada vez más atención, hasta convertirse en un clásico de la comedia. En la lista de las cien mejores películas confeccionada por el American Film Institute en 1997, Bringing Up Baby ocupó el puesto 97.

"Todo un clásico del cine (...) transforma las situaciones más cotidianas en un complicado y divertido juego de sentimientos. Irresistible y genial." (Fernando Morales: Diario El País)

 

Una de las mejores “screwball comedies” de la historia del cine. Basada en un cuento de Hagar Wilde, la película es una comedia redonda, con caracterizaciones inolvidables (Cary Grant en un estilo Harold Lloyd), una trama muy divertida, en donde tanto cabe la batalla de sexos como la falsa identidad, el equívoco, la farsa, el slapstick, el humor gestual, el contrapunto psicológico, la ironía, la parodia romántica o el absurdo. La exposición es vertiginosa, con múltiples personajes excéntricos bien conexionados (el psiquiatra, el comisario, el jardinero, el cazador…), diálogos brillantes, rápidos (incluso superpuestos), ágil transición de escenas en una ficción de una duración de dos días, gran química entre la pareja protagonista en un contraste delirante entre actitudes de responsabilidad e irresponsabilidad. (AlohaCriticón)

 

Hawks imprime a la cinta un ritmo frenético, siendo esta una de las numerosas claves del éxito de la misma. Según sus propias palabras, sus películas eran un 20% más rápidas que las del resto de directores. Puede que fuera así, pero este hecho no era el responsable del excelente ritmo de sus obras, sino la maestría con la que narraba cada uno de sus argumentos. Gran parte del mérito del guión de la película es atribuible a su maravillosa mente. A pesar de no figurar en los créditos de la mayor parte de sus obras, era el principal responsable de los mismos; su voluntad de colaborar con los mejores guionistas de Hollywood, implicaba la cesión de todo el protagonismo en favor de dichos especialistas para evitar discusiones en la autoría. (Carlos Fernández Castro en Bandeja de plata)

 

Aunque es casi imposible, trate de sentarse en algún momento y disfrutar de esta obra maestra de Howard Hawks de 1938, no solo por sus gags, sino por la gracia de su construcción, la seguridad de su estilo y la riqueza de sus temas. (Dave Kehr)

Las características narrativas y temáticas de Bringing Up Baby tienen mucho en común con las de las comedias de Shakespeare. (Sean Axmaker)

¡La felicidad existe! Es en blanco y negro y dura ciento dos minutos, durante los cuales Katharine Hepburn, imperial, sublime, hace malabarismos con las aceitunas, roba la ropa de Cary Grant para que se quede más tiempo con ella y trata de domesticar a un leopardo (...) Una cima de la comedia estadounidense de finales de la década de 1930 y una brillante puesta en escena de Howard Hawks. Esencial. (Les Echos)

 

Al hacer que el trabajo sea la principal preocupación de sus héroes, Hawks primero se preocupa por la eficiencia. Lo cual no significa que esté perdiendo interés en la moral. (...) Más que una moral de la acción, es una moral en acción. (Télérama)

 

Ejemplar comedia que constituye uno de los puntos álgidos del género en su registro más enloquecido. En la misma confluyeron los factores adecuados: un guión sumamente brillante, unos intérpretes idóneos y una realización que supo aunar sus componentes con sentido del equilibrio y la suficiente sorna. El resultado es uno de estos productos que siguen sorprendiendo tanto por su frescura como por su inteligencia. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 13 de enero de 1941.

Título español: La fiera de mi niña.

Reparto: Katharine Hepburn, Cary Grant, May Robson, Charles Ruggles, Walter Catlett, Fritz Feld, George Irving, Barry Fitzgerald.

The Big Sky (1952). Howard Hawks

Jim y Boone son dos exploradores que participan en una expedición por el río Missouri cuyo fin es establecer un asentamiento en territorio indio. Les acompañan un comerciante de pieles, una prisionera india y un indio que ha renegado de su tribu. A los peligros de la expedición se sumará la tensión que se establece entre los hombres debido a la belleza de la mujer.

El film incorpora varias de las constantes argumentales del realizador: elogio del compañerismo, exaltación de la amistad, enaltecimiento del espíritu innovador y del sentimiento aventurero, tratamiento respetuoso de la población india, defensa de los valores de la colaboración y del trabajo en equipo, prevalencia del honor sobre los sentimientos, etc. De acuerdo con los gustos del realizador, la itinerancia de los protagonistas deviene una odisea (alegoría de la vida), que los enfrenta (como en "Río Rojo") a una larga serie de amenazas y peligros. La exploración de la conducta humana en situaciones de peligro es uno de los temas más gratos a Hawks. También lo es el análisis del enfrentamiento entre dos amigos por el amor de una mujer, como el que se expone en el film. (Miquel en Film Affinity)

Notable e infravalorado western de aventuras (en realidad se trata de un pre-western) que ejemplifica todas y cada una de las virtudes del cine de su autor: entretenimiento, narración briosa, buenos y variados personajes, sentido del humor y exaltación de la camaradería. El único pero que se le puede poner, es que quizá resulte algo excesivo en su metraje. (Esculpiendo el tiempo)

Es tal la sucesión de elementos y detalles que convierten esta película en una obra memorable, que sobre todo hay que atender a la modernidad que preside su desarrollo dramático, a la capacidad de sugerencia que brindan sus dos principales personajes masculinos y, sobre todo, a la implicación que se consigue por parte del espectador, para integrarse de tu a tu, en la aventura que este contempla a través de la pantalla. (Cinema de perra gorda)

Aunque a esta sublime obra maestra en blanco y negro de 1952 de Howard Hawks usualmente se le otorga un lugar bajo en el canon Hawks, es una de mis favoritas en particular: misteriosa, bella e incluso utópica. (Jonathan Rosenbaum)

The Big Sky exalta, con una simplicidad luminosa (y un sublime blanco y negro), los temas de la solidaridad, la amistad, la sana rivalidad (Jim y Boone) y el amor (Boone y Ojos de garza). Uno de los grandes papeles de Kirk Douglas: hay que verle llorando y arrastrándose en la hierba buscando el dedo que acaba de serle amputado, obsesionado con la costumbre india de que un hombre sea enterrado entero. (Gérard Camy en Telerama)

Adaptación de un libro de A.B. Guthrie jr., en el que se ilustra la aventura de un grupo de tramperos que en 1830 explorarán el rio Missouri en busca de nuevos territorios y tendrán encuentros de distinto signo con diversas tribus indias. Planteada desde una perspectiva casi documental y con un estilo de sereno clasicismo, viene a ser la antítesis de los westerns habitualmente claustrofóbicos de su director. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 16 de julio de 1955.

Título español: Río de sangre.

Reparto: Kirk Douglas, Dewey Martin, Elizabeth Threatt, Arthur Hunnicutt, Steven Geray, Buddy Baer, Jim Davis.

Un pequeño documental sobre el rodaje:

Ball of Fire (1941). Howard Hawks

Gracias a la donación de un cuarto de millón de dólares, un grupo de profesores estrafalarios, todos solteros salvo uno que es viudo, trabajan en la elaboración de una enciclopedia del saber humano. Cuando el trabajo se encuentra ya en una fase bastante avanzada, la visita sorpresa de una bailarina de cabaret les hace replantearse su labor, pues caen en la cuenta de que viven de espaldas al mundo.

A pesar de su gran consideración general e indudable categoría, no está a la altura de otras comedias de Hawks como “La Fiera De Mi Niña” o “Luna Nueva”, pero es un buen ejemplo del ritmo y capacidad de contraposición de mundos adversos que Hawks hace desplegar en sus comedias, no obstante le falte una pizca de locura (dentro de su magistral progresión) para llegar a la altura de las dos anteriormente citadas. (AlohaCriticón)

Puesta en pantalla con gran fluidez por el maestro Hawks, es una muestra sobresaliente de humor inteligente, de sonrisa permanente, escrita con mimo y detalle, una deliciosa y maravillosa manera de hacer cine, de reír y de pensar, dónde en el fondo no surge sino el eterno tema de Hawks: las mujeres ponen patas arriba, en peligro, cambian totalmente el entorno masculino. Aquí la toca a Barbara Stamwyck, una auténtica bola de fuego que lo quema y arrasa todo. Obra maestra. (Kafka en Film Affinity)

Memorable comedia que ofrecía una maliciosa versión de "Blancanieves y los siete enanitos", transformados en una cantante de cabaret y un grupo de ingenuos intelectuales. El inteligente ingenio del guión de Charles Brackett y Billy Wilder fue servido en bandeja de plata por Hawks, que mostró su registro más chispeante. El propio director rodaría una nueva versión en 1948: "Nace una canción". (Fotogramas)

Como de costumbre en una película de Samuel Goldwyn, la producción es excelente y Howard Hawks lleva la función a un paso acelerado durante casi dos horas. Es mucho tiempo para arrastrar un argumento de una sola nota, pero extrañamente la cosa funciona. Goldwyn ha producido una comedia muy agradable. (...) Gary Cooper puede ser un poco blando en determinados momentos, pero nos da una interpretación de una llaneza como sólo él puede darla. Barbara Stanwyck está llena de yum yum (es decir, que quema) en su papel de tentadora mundana. (Bosley Crowther en The New York Times)

Un reparto meticulosamente perfecto para hacer de cada personaje una caricatura de sí mismo. (Variety)

Película estrenada en España el 16 de marzo de 1944.

Título español: Bola de fuego.

Reparto: Gary Cooper, Barbara Stanwyck, Oscar Homolka, Henry Travers, S.Z. Sakall, Richard Haydn, Dana Andrews, Dan Duryea.

Man's Favorite Sport? (1964). Howard Hawks

Roger Willoughby, un famoso experto en pesca, acaba de escribir un libro que se ha convertido en un best seller. Sin embargo, Roger nunca ha pescado nada. Su jefe acepta la idea de Abigail, la directora publicitaria, de inscribirle en un concurso de pesca.

La música, de Mancini, aporta una canción original "Man's Favorite Sport?", cuya melodía es el tema principal de la partitura. Añade composiciones muy coloristas, preferentemente de saxo y piano. La fotografía, de Russell Harlam ("Río Bravo"), hace uso de una paleta brillante y rica de colores naturales, bien contrastados y combinados con maestría. El guión contiene unos diálogos rápidos, ágiles e ingeniosos. Construye situaciones divertidas, como la del oso motorista o la discusión/pelea entre Roger y Abby en la cama de campaña bajo la lluvia. La interpretación de Prestiss, enérgica y convencida, es una de las mejores de su carrera. Hudson está convincente y hace olvidar que su papel fue escrito para Cary Grant. Acertada Maria Perschy, sustituta de Ursula Andress, en el papel de Isolda Muller, "Easy". El vestuario femenino, de Edith Head, es atrevido y elegante. Los "shorts" causaron revuelo e impusieron moda. La dirección hace gala de su maestría para la comedia. Crea y recrea buenos gags, algunos tomados de películas anteriores propias. (Miquel en Film Affinity)

Especie de remake de “La Fiera De Mi Miña”, comedia también dirigida por Howard Hawks (contiene una escena idéntica empleada como autohomenaje), pero cambiando escenarios y profesión del personaje central. Bobamente desconsiderada por esa característica, “Su Juego Favorito” conserva una personalidad propia rotundamente divertida que maneja los distintivos persistentes de las comedias de Hawks: la lucha de sexos y la atracción por la irresponsabilidad, generalmente representada en las actitudes de un personaje femenino dotado de un fuerte carácter y narrada con su inconfundible celeridad de diálogos y tono enloquecido. (AlohaCriticón)

A pesar de tratarse de una historia muy convencional, Hawks sabe sacar un gran partido de los personajes y las absurdas situaciones a las que se enfrentan, concretamente Roger, cómo no; la torpeza de su personaje (y la de martinis que se bebe) enfrentada con la maña (y la sobriedad) de Abigail, sobre todo para meterle en un lío tras otro al pobre diablo prácticamente sin tregua, están compaginadas perfectamente. (Sergio Vargas en Miradas de cine)

Una comedia considerablemente ácida que gira en torno al matriarcado como institución genuinamente norteamericana. Su punto de partida es el de una falsa misoginia, que se irá desvelando como una absoluta lucidez ante la realidad mostrada. Desarrollada con la precisión habitual en todas las comedias de su director, quizá le falte una punta de brillantez para que sus resultados sean magistrales. (Fotogramas)

"Película feliz en todos los sentidos: divertida en todo momento." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

 

"Obra de marcado sentido vitalista." (Luis Martínez: Diario El País)

 

Película estrenada en España el 15 de junio de 1964.

 

Título español: Su juego favorito.

 

Reparto: Rock Hudson, Paula Prentiss, Maria Perschy, Charlene Holt, John McGiver, Norman Alden.

 

 

The Big Sleep (1946). Howard Hawks

Un general millonario y excéntrico tiene dos hijas que están involucradas en asuntos más bien turbios. Decide entonces llamar al detective privado Philip Marlowe para que resuelva sus problemas familiares. Cuando Marlowe empieza a investigar, descubre muy pronto que las diversas ramificaciones del asunto lo convierten en una auténtica maraña.

Poco más se puede pedir: el maestro Howard Hawks en la dirección, Sid Hickox encargado de la fotografía, una banda sonora del gran Max Steiner... y Bacall y Bogart en la pantalla. A partir de la brillante novela de Raymond Chandler -sembrada de diálogos insuperables-, tres de los mejores guionistas de Hollywood -entre ellos William Faulkner- adaptaron esté clásico que se echó a dormir en la cima del género negro. El sueño todavía le dura. Un par de años antes casi el mismo equipo -todos en la Warner- habían creado ya otra obra maestra: "Tener y no tener". (Pablo Kurt)

La película, obra de crímenes, misterio e intriga, es un film de cine negro que contraviene algunos de sus cánones: no hay una sino dos mujeres fatales, no usa flashbacks ni voz en off, el héroe no es una persona desesperada, etc. Presenta una detallada exploración del submundo del crimen, tráfico de drogas, venganzas, juegos ilegales y extorsión, que recrea en ambientes densos, oscuros y opresivos. La trama es compleja y enrevesada: deja sin desarrollar lineas de acción, personajes y situaciones, en algunos casos intencionadamente y en otros para evitar problemas de censura. La obra contiene cálidas escenas de erotismo sutil, como la de Marlowe en la libreria que regenta una sensual e insinuante Dorothy Malone, la despedida de la taxista y las conversaciones a solas de los protagonistas en el coche y en el restaurante (sobre caballos). Es una película violenta, que hilvana una larga sucesión de asesinatos (hasta 7), por despecho, venganza, robo, error, etc. La química de Bogart y Bacall llena la pantalla de sensualidad y se erige en uno de los atractivos del film. La reiterada presencia de la muerte explica y justifica el título de la obra. (Miquel en Film Affinity)

La película está basada en la novela homónima escrita por Raymond Chandler y publicada en el año 1939. La adaptación del guion la llevó a cabo William Faulkner con Leigh Brackett y Jules Furthman.
La película es conocida por tener una de las tramas más enrevesadas de la historia del cine. La historia se hace más difícil de seguir al dejar muchas de sus partes sin desarrollar.

La película es recordada por su extremadamente enrevesado argumento. Una famosa historia cuenta que, durante el rodaje, el director y los guionistas no eran capaces de saber quién mató al chofer Owen Taylor. Enviaron un telegrama al autor, el cual respondió “¡Carajo, yo tampoco lo sé!".
Después de que la película fuera terminada se dejó de lado para que Warner Bros. lanzara una reserva de películas relacionadas con la guerra. Esta decisión fue porque se pensó que al estar la guerra llegando a su final, el interés del público por estas películas iría decreciendo rápidamente, algo que no iba a ocurrir con El sueño eterno. (Una mirada cuidadosa puede notar que la película se rodó durante la guerra por elementos tales como cupones de racionamiento, ciertos diálogos y cuadros del presidente Franklin Delano Roosevelt)
Una vez que la guerra terminó, el fenómeno “Bogart y Bacall” causado por la película Tener y no tener así como por su reciente matrimonio estaba en su punto álgido. El agente de Bacall solicitó que se rehicieran partes de la película para capitalizar esta recién lograda celebridad. El jefe del estudio, Jack Warner, accedió y se rodó nuevo material como el sugestivo diálogo de la “carrera de caballos” (a pesar de que contextualmente no tenía ningún sentido) También se rehicieron algunas partes del final, con Peggy Knudsen en el papel de Mona Mars, ya que la actriz original, Pat Clark, no estaba disponible. Aunque hay solamente una diferencia de duración de dos minutos entre las dos cintas, hay 20 minutos de escenas diferentes entre una y otra. En su forma revisada, El sueño eterno se estrenó el 23 de agosto de 1946
La versión presentada a los cines es normalmente considerada como la mejor, aunque algunos la consideran más confusa y difícil de seguir (carece, por ejemplo, de una larga y clarificadora conversación entre Marlowe y el fiscal del distrito de los Ángeles en la cual se comentan los detalles del caso sucedidos hasta el momento), aunque la mayoría argumenta que merece la pena por ver a Marlowe y Vivian hacer fintas verbales, flirtear y enamorarse.

Raymond Chandler adaptado por William Faulkner, asumido por Howard Hawks e interpretado por Humphrey Bogart: bazas casi infalibles para conseguir un gran film. Pese a permitirse la osadía de cambiar el final de la historia original, consiguieron como pocas veces en la historia del cine captar el ambiente, los personajes y la moral del creador de Philip Marlowe en un conjunto impecable. (Fotogramas)

En España no se estrenó en cines. La película la estrenó TVE el 4 de abril de 1972 dentro del ciclo Su nombre es Bogart

Título español: El sueño eterno.

Reparto: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely, Martha Vickers, Charles Waldron, Regis Toomey, Dorothy Malone.

His Girl Friday (1940). Howard Hawks

Hildy Johnson, la mejor reportera del periódico Morning Post, anuncia que va a dejar el periodismo para casarse y dedicarse a su familia y a las labores del hogar. Pero Walter Burns, el editor del periódico y ex-marido de Hildy, no puede aceptarlo, por lo que se sirve de toda clase de tretas para retenerla en el periódico y, de paso, intentar reconquistarla.

Magistral adaptación de la obra de teatro de Hecht y MacArthur que obtuvo excelentes críticas, y convertida hoy en todo un clásico de la comedia de Hollywood. Anteriormente la misma historia había sido llevada a la gran pantalla por Lewis Milestone en 1931, y en 1974 el gran Billy Wilder también haría otra versión en "Primera Plana". (Film Affinity)

Más que nada era un experimento cinematográfico ya que algunos planos y sobre todo diálogos yuxtapuestos no se habían rodado de esa forma hasta entonces. “Luna nueva” es una de las primeras películas donde claramente se impone el texto sobre la imagen, el cine también puede ser narrativo, literario y auditivo y no siempre visual. El texto escrito entre otros por Ben Hecht, que ya había trabajado con Hawks en “Scarface”, es prodigioso y de una modernidad increíble para la época.  (Vincenguetorix)

Posiblemente la mejor versión de la comedia de Ben Hecht y Charles MacArthur "Primera plana", en la que Hawks supo encontrar el adecuado tono cínico a través de un ritmo en el límite de lo frenético. La perfecta coherencia entre todos sus elementos, desde un brillante guión hasta una admirable puesta en escena pasando por unas espléndidas interpretaciones, la convierten en una obra ejemplar. (Fotogramas)

Título español: Luna nueva.

Reparto: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart.