Tierra (1996). Julio Medem

En alguna parte de ese inmenso océano negro que es el cosmos, hay una isla con colinas de tierra roja, a la que llega Ángel para fumigar y exterminar la plaga de cochinillas que produce en el vino un extraño sabor a "tierra". Bajo la atmósfera de unos cielos eléctricos y el contacto con unas gentes sencillas, Ángel encuentra la oportunidad de resolver su desdoblamiento de personalidad por medio de la elección entre dos mujeres.

Hay que decir que todo el talento visual, la fortaleza y la capacidad de sugerencia de Julio Medem alcanza en «Tierra» una altura considerable; y que la fotografía de Aguirresarobe y la música de Alberto Iglesias son, por momentos, los auténticos protagonistas.de la película. Y apostíllar- que cuando Medem considere oportuno que su cine, genial a rachas, fluya de verdad a la altura de los ojos en vez de irse a buscar el hiperespacio, será un placer ver y hablar de sus películas. (Oti Rodríguez Marchante en ABC del 27 de mayo de 1996)

Cuando Medem afronta directamente los dilemas de la pasión,el amor y el sexo, es cuando la película funciona mejor y combina la fuerza de las imágenes con una inusitada intensidad narrativa. (Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia del 26 de mayo de 1996)

"Un guión con deficiencias de estructura y exceso de pedantería hace demasiado larga la primera parte. Más atractiva la segunda parte." (Augusto M. Torres: Diario El País)

Tan sólo por ser cómplice de este precioso galimatías merece verse una fascinante, aunque quebrada, película, que podría haber sido perfecta, magistral. (Ángel Fernández Santos en El País del 20 de mayo de 1996)

Tierra es una fascinante inmersión en el interior de un personaje desdoblado, atrapado por pasiones enfrentadas y abocado a elegir entre la vida y la muerte, o tal vez entre la locura y la cordura, mientras el espectador queda encadenado a las bellísimas imágenes de un cineasta inimitable, que siempre viaja a contracorriente. (Miguel Ángel Palomo en El País)

Si su sinopsis es ya de por sí complicada de explicar, mucho más lo es explicar como traslada Medem todo este juego de dualidad, lo terrenal y lo celestial, siempre a través de elementos tan surrealistas que a veces rozan lo fantástico y las metáforas, que en más de una ocasión, sólo el director las entiende —la cochinilla y el dichoso sabor a tierra que da al vino—. (Lauraros en Espinof)

Medem logra capturar con notable intensidad las alteraciones y estados emocionales que vive el protagonista y cruza meritoriamente un registro más crudo y realista con fugas hacia el fantástico y lo surrealista. (Bibi Ramos en Sensacine)

A pesar de su ambición poética, Julio Medem solo logra crear una metáfora de la entropía, hasta que su película, prisionera de fuerzas contradictorias, se detiene, lejos del objetivo soñado. (Thomas Sotinel en Le Monde)

Más allá de la historia, banal, es el tratatamiento a que la somete el director, Julio Medem, lo que fuerza la admiración, incluso lo que cautiva. Engrandeciendo los gestos, las personas y los paisajes con una sentido inspirado de encuadre y movimiento, Medem transmuta la realidad y le da una dimensión mítica. (Vincent Ostria en L'Humanité)

Película estrenada en España el 24 de mayo de 1996.

Reparto: Carmelo Gómez, Emma Suárez, Silke, Nancho Novo, Karra Elejalde, Txema Blasco.

El luchador (The Wrestler, 2008). Darren Aronofsky

Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, decide poner un poco de orden en su vida: intenta acercarse a Stephanie, la hija que abandonó (Evan Rachel Wood) y trata de superar la soledad con su amor por Cassidy, una streaper (Marisa Tomei).

Aronofsky sospecha que el material que usa es de derribo, un perdedor puro en su mejor momento d e estercolero, y rehúsa disputarle el protagonismo: una mirada clara y a la altura de los ojos de los demás, una cámara sencilla (en su caso, la sencillez no es una virtud: es un milagro), una desacomplejada narración en la que los sentimientos no molestan y los clichés, tampoco... (Oti Rodríguez Marchante en ABC del 20 de febrero de 2009)

Estamos, pues, en el terreno familiar del cine pugilístico tintado de sombras, el terreno de las espléndidas The set-up, de Robert Wise,o Fat City, deJohn Huston. (...) Aronofsky destierra sus veleidades de autor para servirnos un producto de aire clásico en lo visual (pese al uso de la cámara en mano o la tendencia a seguir al personaje de espaldas) y coherente en su discurso: un elogio del loser y de su dignidad sin mácula. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 20 de febrero de 2009)

A pesar de que el enorme trabajo de Mickey Rourke resulta a todas luces magistral, no debería ensombrecer el extraordinario trabajo del realizador, que logra un resultado emotivo, lleno de credibilidad y que no resulta fácil de olvidar. (Jesús León en Espinof)

Después de sus excesos visuales en “Réquiem por un Sueño” (Requiem for a Dream, 2000) y “La Fuente de la Vida” (The Fountain, 2006) y con un presupuesto reducido a 6 millones de dólares, Darren Aronofsky opta por un estilo realista a lo documental, con profusión de cámaras en mano para seguir el devenir diario de Randy, algo obvio en los primeros cinco minutos donde la cámara va pegada a la espalda de Randy sin llegar a verle el rostro. Este tipo de escenas llegan a su culmen justo cuando Randy se prepara para trabajar en la carnicería/charcutería y va recorriendo el camino que va desde los vestuarios hasta su nuevo trabajo como si de sus caminatas al cuadrilátero se tratasen, con los gritos de ánimo del público imaginarios sonando cada vez más potentes hasta que Randy abre las cortinas y se desvanecen. (Cineultramundo)

Una pena que se mueva entre tanto lugar común, sin conflictos más intensos y con un enfoque bastante rutinario de reconducción vital enaltecido por la presencia de un Mickey Rourke idóneo para el papel central. (AlohaCriticón)

Aronosfsky despliega una puesta en escena basada en una fotografía mortecina y en un trabajo visual menos excesivo que en otras ocasiones, pero igual de incisivo y extremo. No es cineasta de camino intermedios, en eso, no engaña a nadie. Siempre cae en cierto tremendísimo, pero es que sus personajes siempre se mueven en el filo, en la frontera. Y es ahí en donde nos sitúa como espectadores, obligándonos a situarnos frente a unas narraciones que imponen siempre una toma de postura, sea cual sea ésta.(Israel Paredes en Sensacine)

En una feliz idea de puesta en escena, Darren Aronofsky decide empezar El Luchador pegado a la espalda de Randy The Ram Robinson. Esta estrategia casi dardenniana tiene como objetivo dejar por sentado el respeto y admiración que profesa por un personaje que, como el actor que lo encarna, vuelve del reino de las sombras para recuperar el trono que nunca debería haber dejado vacante. (Sergi Sánchez en Fotogramas)

Mickey Rourke ofrece una actuación memorable en The Wrestler, un drama profundamente conmovedor, desgarrador y, en última instancia, gratificante. (Rotten Tomatoes)

The Wrestler muestra que, tanto en las películas como en la lucha libre, la línea entre la realidad y la actuación teatral puede ser menos clara de lo que suponemos. (A.O. Scott en The New York Times)

El encanto de The Wrestler reside, de hecho, en la evidencia que une su tema a un cierto estado de la imagen (...) (Emmanuel Burdeau en Cahiers du Cinéma)

Darren Aronofsky hace de su protagonista una figura crística, incluso sansulpiciana, volviendo a conectar por momentos con el exceso de sus películas anteriores. (Franck Garbarz en Positif)


Película estrenada en España el 20 de febrero de 2009

Reparto: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Todd Barry, Ernest Miller.

Nobleza baturra (1935). Florián Rey

Ambientada en el Aragón de principios del siglo XX, narra la historia de María del Pilar (Imperio Argentina), una muchacha honesta, cuyo buen nombre se ve mancillado cuando un antiguo pretendiente rechazado, por despecho, acusa a María de haber mantenido relaciones sexuales fuera del matrimonio. La calumnia pronto se extiende por toda la comarca.

Con Nobleza baturra Florián Rey nos ofrece una sucesión de imágenes bellísimas que, aisladas, ya bastarían para acreditarlo como verdadero artista. Pero, además, esas imágenes aparecen tan justamente engarzadas, que el film posee una absoluta unidad. El ciclo de fotografías de la siega y la trilla con que se inicia y termina, no sólo cuenta con la fineza de sus estampas, sino que vale por el símbolo de aquella unidad. Las escenas de la danza son difícilmente superables. Que nosotros sepamos, nunca ha sido tratada la jota, desde el punto de vista técnico, con tanta soltura. Mención especial merecen los escenarios—en los cuales nada se escatimó y la fotografía. (Alberto Gracián en La Vanguardia del 9 de octubre de 1935)

Con todo, Nobleza baturra es una buena película. No faltan en ella esos aciertos que nos prometía la solvencia de todos los que han contribuido a su reaparición en la pantalla; aunque no hayan podido llegar a la calidad que, sin duda, hubieran alcanzado con un escenario y unos diálogos más adictos a la cámara que al micrófono. (Antonio Barbero en ABC de 12 de octubre de 1935)

Una de las cotas más considerables del cine populista hispano, donde los conflictos sociales se abordan desde el puro paternalismo, pero también uno de los títulos con mayor interés sociológico y hasta cinematográfico de los que se rodaron durante los años treinta. Ha alcanzado la categoría de mito, y en esta perspectiva ha de contemplarse, aunque no por ello deban obviarse sus limitaciones. (Fotogramas)

Florián Rey dirigió este clásico del cine español que supuso uno de los grandes éxitos en taquilla de la época de la II República. Adapta la obra teatral de Joaquín Dicenta. Supuso una de las interpretaciones más recordadas de Imperio Argentina. Juan de Orduña dirigió una nueva versión en 1965. (Decine21)

Técnicamente no es una película maravillosa ni mucho menos, sin embargo es un buen retrato de la vida rural del Aragón de esa época. Algunas escenas mas bien parecen sacadas de un documental con abundantes escenas joteras. Además, el hecho de que estén todo el tiempo llamándose maños y mañas los unos a los otros y el acentazo baturro que tienen los actores me parece demasiado divertido. (My Blueberry Films)

En cuanto a la dirección Florián Rey da muestras de una soltura cada vez mayor, superando los escoyos técnicos del primitivo sistema de sonido, dotando al filme de una plástica y continuidad excelentes, ofreciendo una pequeña joya costumbrista llena de encanto. Sorprendieron especialmente los planos con que se abre la película que, como señala el escritor Terenci Moix en su libro "Suspiros de España", hicieron exclamar al crítico de Cinegramas "¿Murnau? ¿King Vidor? Sencillamente... Florián Rey". El filme sin embargo se resiente de su componente ideológico, la parte que peor ha envejecido y el excesivo y obligado papel de la iglesia como mediador en la resolución del asunto, lo que hace que diversos críticos hayan etiquetado a este título como una de las producciones más reaccionarias de Cifesa. Estas consideraciones no empañan la calidad de la cinta y probablemente no se encontraban entre las principales inquietudes de su realizador, más interesado en mostrar la vida y costumbres aragonesas, no exentas, eso sí, de cierto tipismo y caricatura. (Viento de coplas)

Yo en Nobleza baturra veo un documental minucioso y exhaustivo de la España rural de la década de los años 30 del pasado Siglo XX, y mucho más en concreto de la cultura y particular idiosincrasia aragonesa (¿existe otra película en la historia que se repita más veces la palabra “maño” y “maña”?). Por esa parte me encanta la película, ya que es un documento vivo de una parte de nuestra historia. De esta manera podremos disfrutar de la típica película folclórica repleta de emoción, gracia, sencillez, ternura, música y sentimentalismo (rodado todo de forma correcta y convencional por Florián Rey); y por otro lado hacer un repaso y empaparnos de una lección de historia mucho más visual y directa de la que nos puedan enseñar los libros acerca de esa época. (El despotricador cinéfilo)

Película estrenada en Barcelona el 8 de octubre de 1935 en el Cine Cataluña y en Madrid el 11 de octubre de 1935 en el Cine Rialto.

Reparto: Imperio Argentina, Juan de Orduña, Manuel Luna, Juan Espantaleón, Miguel Ligero, Pepe Calle, Pilar Muñoz.

Verano 70 (1969). Pedro Lazaga

Está ambientada en Benidorm, la famosa localidad costera alicantina a la que acuden numerosas familias a veranear. Relata los preparativos del viaje y las anécdotas que se suceden antes de instalarse en los apartamentos, así como el regreso de los maridos a la ciudad y sus infructuosos intentos para ligar estando de "Rodríguez".

Son películas vistosas, realizadas con una técnica eficiente, en las que destaca la excelente fotografía de Juan Mariné, que tienen su público. De ellas, sin embargo, poco puede decirse en el aspecto artístico, ni aportan tampoco nada de positivo a la cinematografía española. (...) La gente se entretiene, pasa un rato amable y divertido, y Pedro Masó, con su equipo, alcanza una vez más sus objetivos. (ABC Sevilla del 31 de marzo de 1970)

Típica comedia española, de limitado interés, salvo por su retrato costumbrista de la época. Además, los actores tienen cierta gracia natural. (Decine21)

La película puede calificarse como una muy eficaz comedia costumbrista en la que las situaciones que se nos presentan son desternillantes, aunque gana con el segundo tramo en la que los maridos han de volver a Madrid a trabajar, ejerciendo de "Rodríguez" y las mujeres se quedan en la playa con los niños. (El rinconcillo de Reche)

Película estrenada en Madrid el 27 de abril de 1970.

Reparto: Juanjo Menéndez, Diana Lorys, José Sazatornil, Mónica Randall, Jesús Puente, Trini Alonso, Luis Dávila, Marisol Ayuso, Rafaela Aparicio.