My Fair Lady (1964). George Cukor

Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950). En una lluviosa noche de 1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.

La composición de los ambiciosos escenarios, la riqueza de los figurines, casi todos diseñados en tonos pálidos como para destacar con simbolismo perfumado el encanto primitivo de aquella virgen salvaje; el nacimiento de las músicas sobre el borde cantarín de la palabra en un recitado encima de la melodia que nace y se apaga con ingeniosa naturalidad; el aire de “ballet” que surge cuando es preciso, con una levedad que en nada turba el andar ligerísimo de la comedia, son, en fin, muestras de una sensibilidad superior que respeta una gran obra y afirma sobre ella los valores espléndidos de otro arte singular. George Cukor, que acometió la difícil empresa “con la determinación de realizarla tan perfecta como pueda serlo una obra humana”, se salió con la suya. (Gabriel García Espina en ABC del 24 de septiembre de 1965)

Suntuosa adaptación musical del "Pigmalión" de George Bernard Shaw, que había sido estrenada en Broadway por Julie Andrews en 1956. Como espectáculo consigue aunar la brillantez -conseguida en gran parte gracias a los decorados y el vestuario diseñados por Cecil Beaton- con la inteligencia, que Cukor consigue en una hábil transformación de lo aparatoso en mordaz intimismo. Uno de los últimos títulos notables dentro de la historia del musical. (Fotogramas)

Pocos géneros cinematográficos son tan mágicos como los musicales, y pocos son tan inteligentes y vibrantes como My Fair Lady. Es un clásico no porque un grupo de estirados expertos en cine lo haya calificado como tal, sino porque ha sido, y siempre será, una auténtica delicia. Además, es una de las pocas películas de 3 horas (duración real: 2:50) que justifica su aparente larga duración. Pocas veces se han disfrutado tantos minutos en una sala de cine de forma tan placentera. (James Berardinelli en Reel Views)

La película de Cukor es un placer para la vista. Harrison, afable y distante, con una mirada algo reptiliana, interpreta a un Higgins que nunca parece fácil de convencer para Eliza. Hepburn, con una conmovedora apariencia de desdichada, aporta una intensidad mágica a sus escenas de presentación en sociedad; nunca parece del todo segura de que le caiga bien a nadie.(...) Cecil Beaton diseñó la producción, los decorados y el vestuario, desde un Covent Garden extraordinariamente realista hasta la famosa escena en Ascot, donde los numerosos extras visten de blanco, negro y gris: un telón de fondo para Henry, con su práctico traje de tweed marrón, y Eliza, con un toque de rojo en su vestido. Esta es una de las películas más atractivas jamás realizadas. Mientras la veía, me preguntaba qué había pasado con la tradición que la produjo. Warner Brothers la produjo con un presupuesto suntuoso y no le temió a su ingenio, su origen literario ni a sus ideas. Al público le encantaron las complejidades de las letras de Lerner. Y a nadie se le ocurrió, ni por un instante, que Henry Higgins y Eliza Doolittle hicieran algo tan obvio como tocarse. (Roger Ebert)

Cukor no intenta ocultar el origen teatral de su material; más bien, celebra la falsedad de sus decorados, situando a sus personajes en un mundo artificial perfectamente diseñado. Cada fotograma de esta película de 1964 revela la gracia y el compromiso de Cukor: es una adaptación que se vuelve completamente personal gracias a la fuerza de su puesta en escena. (Dave Kehr en Chicago Reader)

My Fair Lady encarna la gran forma del Hollywood tardío, casi anacrónica: dividida en dos partes separadas por un intermedio musical, la película utiliza una iluminación y un color opulentos, con una imagen limpia y sedosa. Mientras la revolución se gesta, ya que Cleopatra, presentada habitualmente como el fin de los estudios todopoderosos, data del año anterior, y Bonnie and Clyde o El Graduado se estrenarán en 1967, esta película es una de las últimas luces de un arte que se prepara para desaparecer, toda ligereza y maestría: una pantalla aún protegida de la suciedad (Peckinpah ya ha comenzado su brillante demolición) y la duda. Cukor aún puede contar una historia con un final predecible, aún puede hacer creer a la gente que hay significado y tranquilizar a su público, a costa de un toque de sentimentalismo y un cambio de época. Pero en cierto modo, My Fair Lady también marca el final de su carrera, ya que solo haría cuatro películas más para la gran pantalla, bastante decepcionantes. Así que, volver a ver hoy esta comedia animada, enérgica, vivaz y estilizada es sumergirse en un baño de deliciosa inocencia. Puedes sonreír o conmoverte, tararear sin darte cuenta de los estribillos creados para dejar una huella imborrable; para eso están hechos. (François Bonini en Ciné Dweller)

¡Qué placer redescubrir este musical magistral, especialmente en una copia digital magníficamente restaurada! La simbiosis entre una historia tan antigua como el tiempo y números musicales que nunca llaman la atención innecesariamente con una exuberancia ostentosa hacen de My Fair Lady un placer cinematográfico infalible. Solo el doblaje forzado de la voz de Audrey Hepburn durante las canciones sobresale desagradablemente en una película que, por lo demás, no ha envejecido ni un ápice.(Tobias Dunschen en Critique-film.fr)

La historia, bastante clásica, del misógino y gruñón Pigmalión (Pigmalión es el título de la obra de George Bernard Shaw de la que se adapta la película), quien transforma a una joven pobre y malhablada en una mujer inalcanzable de un mundo de elegancia incomparable, no resulta especialmente cautivadora. Las etapas de la transformación de Eliza hacia un desenlace predecible se desarrollan a lo largo de casi tres horas, ¡es larguísima! Las canciones que acentúan la historia no aportan ningún valor añadido. Ahora podemos apreciar esta encantadora y colorida obra que muestra a la perfección la frescura y la espontaneidad de Audrey Hepburn. Y más allá de eso, podemos deleitarnos con el incontable vestuario y decorados (todos diseñados por el estudio), increíblemente lujosos y creados por Cecil Beaton. Las escenas en el hipódromo y la recepción en la embajada son particularmente llamativas. Esta obra, ya atemporal en el momento de su rodaje, representa, sin embargo, una de las últimas joyas de la comedia musical hollywoodense. (À voir, à lire)

Película estrenada en Madrid el 23 de septiembre de 1965 en el cine Roxy B. 

Con esta película se inauguró el cine Metropolitan Palace en Palma de Mallorca el 23 de diciembre de 1966.

“My fair lady” ha servido para inaugurar al verdaderamente suntuoso y cómodo “Metropolitan Palace” que se incorpora a la cadena de locales de estreno de Palma con una película de categoria, en la que todos los elementos de la producción y decorados totalmente montados en estudio han conseguido convertir lo difícil en fácil. (Cinéfilo en el diario Baleares del 24 de diciembre de 1966)

Reparto: Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Gladys Cooper, Jeremy Brett, Theodore Bikel.

Unión Pacífico (Union Pacific, 1939). Cecil B. DeMille

En 1862, durante la Guerra de Secesión, dos empresas rivales comienzan a construir la primera línea de ferrocarril transcontinental que enlace el Atlántico con el Pacífico. Al tiempo narra los amores entre la hija de uno de los maquinistas, Mollie Monahan (Barbara Stanwyck), el agente del gobierno encargado por la Union Pacific de la seguridad del proyecto, Jeff Butler (Joel McCrea), y el principal saboteador Dick Allen (Robert Preston).

De Mille, en “Unión Pacífico” se aparta de las características que le dieron fama como realizador, y encuentra ahora el éxito como entonces, aunque en otro aspecto, buceando en la psicologia de los personajes que intervienen en el “film”. (...) Todo un proceso humano en sus pasiones lleno de calidad que revela la maestría del veterano realizador dentro de un estilo que no había cultivado hasta ahora. (...) Por todas estas cualidades llegamos a la conclusión de que “Unión Pacífico” es una excelente película. (Miguel Ródenas en ABC del 21 de abril de 1945)

La saga del ferrocarril norteamericano en un western vigoroso pero que muestra una excesiva tendencia al tópico. De hecho, el estilo de su director se basó siempre en el tópico, pero en esta ocasión lo plasmó de manera poco sutil, sin conseguir sublimarlo ni darle la vuelta. Pese a ello, la solidez del conjunto está asegurada, así como el entretenimiento. (Fotogramas)

El Sr. DeMille no escatima en nada, ni en caballos ni en actores, cuando se adentra en la historia del Oeste. Puede que no sea uno de nuestros directores más sutiles; su toque ha sido conocido por exprimir a un equipo de exteriores hasta el último ayudante de dirección. Pero ha aprendido algunas cosas a lo largo de los años sobre la acción y la cámara. Incluso cuando no ocurre nada, logra mantener viva la pantalla. Escenifica un diálogo romántico en una vagoneta cercada por bisontes gruñones, una tierna despedida en un furgón de cola rodeado de pieles rojas que gritan, sentidas escenas con moribundos en una sala de juego y bajo los restos humeantes de una locomotora destrozada. Cuando tiene la oportunidad de la acción real, por supuesto, el cielo es el límite: incursiones indias, tiroteos, reyertas, peleas a puñetazos, robos de trenes, incendios, persecuciones y destrucción de vías. Podemos decir de la película que es una enciclopedia de aventuras fronterizas en la que cada peligro previsto se afronta con el azar, cada giro predecible de la trama se realiza con afabilidad. (Frank S. Nugent en The New York Times del 11 de mayo de 1939)

Union Pacific, aunque con sus defectos, ejemplifica por qué Cecil B. DeMille fue uno de los pocos directores de Hollywood cuyo nombre sobre el título de una película era tan atractivo como el de cualquier estrella. No tenía aspiraciones artísticas; simplemente hacía películas para entretener a las masas. Y a diferencia de muchas de sus películas, Union Pacific cuenta con la ventaja añadida de un reparto muy sólido. Un reparto que hace mucho más digerible el guion, más bien tibio. DeMille hizo cosas a gran escala y aquí logra con el western lo que ya había hecho con la épica bíblica. (Patrick Nash en ThreeMovi Buffs.com)

Admito que algunos de ustedes se han vuelto demasiado sofisticados para que este film les funcione, algunos encontrarán en él un millón de razones para ofenderse, y no los culpo si es así, pero incluso reconociendo sus defectos, es una película espléndida, con un elenco clásico de Hollywood y talentos creativos en su mejor momento, y una mitología del western en su máxima expresión. Sigo pensando que hay algo que decir sobre las artes perdidas que lo hicieron posible, algo que vale la pena reconocer y aplaudir, independientemente de los fallos sociales o la falta de sofisticación moderna. Espero nunca llegar al punto de no poder reaccionar a este tipo de películas como el niño tirado en el suelo de la sala mirando una pantalla en blanco y negro de veintisiete pulgadas, comiendo palomitas y viendo cómo se desarrolla todo entre anuncios. Espero que todos ustedes aún tengan películas que les recuerden algo así. (David Vineyard en Mystery File)

Un fresco histórico eficaz y muy entretenido, pero que por una parte deja de lado demasiado fácilmente ciertas verdades desagradables (la masacre de los indios en el camino para asegurar la construcción del ferrocarril) mientras que las secuencias iniciales sugieren una posición que se olvida rápidamente. Por otra parte, es demasiado locuaz y demasiado ligero en el tono para ser totalmente convincente... Pero a pesar de estos pequeños agravios, no duden en formarse su propia opinión, porque solo tienen que leer a la mayoría de los historiadores y críticos de cine para ver que tienen una enorme estima por esta Union Pacific. (Erik Maurel en DVD Classik)

La obra maestra de DeMille es una de las muchas referencias cinéfilas que Sergio Leone y sus guionistas Argento y Bertolucci emplearon al escribir Hasta que llegó su hora, un western que ofrece un enfoque crítico y operístico sobre el mismo tema. Los cuatro personajes principales de ambas películas —tres hombres y una mujer— también comparten varias similitudes. Pero esa es otra historia...

Union Pacific se incluyó en la selección oficial —junto con El mago de Oz, La carreta fantasma, La ley del norte y Cuatro plumas blancas— de lo que debería haber sido la primera edición del Festival de Cine de Cannes en 1939. El Festival de Cine de Cannes se fundó como reacción contra la injerencia fascista en la selección de películas de los Festivales de Cine de Berlín y Venecia, y recibió el apoyo de Estados Unidos y Gran Bretaña. El 1 de septiembre, día de la inauguración, las tropas alemanas entraron en Polonia y el Festival fue cancelado. El primer Festival de Cine de Cannes se celebró en 1946. El 19 de mayo de 2002, el Jurado de "1939", presidido por Jean d'Ormesson, otorgó la Palma de Oro a la película de Cecil B. DeMille. Una decisión aprobada por unanimidad por los seis miembros del jurado. Union Pacific se convirtió así, 63 años después, en la primera Palma de Oro en la historia del Festival de Cine de Cannes. (Olivier Père en Arte.tv)

Union Pacific es uno de los mayores westerns de la historia del cine. Fue uno de los títulos fundadores del género a finales de la década de 1930, junto con La diligencia de John Ford y Los conquistadores de William A. Wellman, cuando el western dejó de limitarse a la serie B y accedió a los grandes presupuestos de producciones de prestigio. La explicación de este resurgimiento del género reside en las tensiones que sacudieron a toda Europa durante este período. Estados Unidos, ante estos riesgos de conflicto, se replegó en sí mismo y se refugió en sus valores tradicionales. Al ahondar en las fuentes de la historia estadounidense, el cine exaltaría esta ideología nacional. Cecil B. DeMille, maestro indiscutible del gran espectáculo hollywoodense, es uno de los directores, junto con John Ford, más profundamente apegado a estos valores estadounidenses. (zawiki.free.fr)

Película estrenada en Madrid el 19 de abril de 1945 en el cine Callao.

Reparto: Barbara Stanwyck, Joel McCrea, Akim Tamiroff, Robert Preston, Lynne Overman, Brian Donlevy, Anthony Quinn.

La dolce vita (1960). Federico Fellini

                                             

Marcello Rubini es un desencantado periodista romano, en busca de celebridades, que se mueve con insatisfacción por las fiestas nocturnas que celebra la burguesía de la época. Merodea por distintos lugares de Roma, siempre rodeado de todo tipo de personajes, especialmente de la élite de la sociedad italiana. En una de sus salidas se entera de que Sylvia, una célebre diva del mundo del cine, llega a Roma, cree que ésta es una gran oportunidad para conseguir una gran noticia, y, en consecuencia, la perseguirá por las noches por diferentes lugares de la ciudad.

La dolce vita resulta hoy, más que en el momento de su estreno, “para casi todos”, excesivamente larga, con sus secuencias dilatadas, con un amontonamiento de imágenes y de diálogos, cargando secuencias bien imaginadas. Su complejidad exigiría una mayor capacidad de síntesis, aunque algunos de sus “episodios” estén ya en las antologías del cine de nuestra época, con su carga de crueldad y de lirismo, con sus insistencias en una vertiente filosófica y existencial. (Pedro Crespo en ABC del 10 de junio de 1981)

Obra crucial en la obra de Fellini, por cuanto inicia su etapa más fructífera. A partir de una serie de situaciones extremas, ofrece una aguda sátira de la burguesía romana y de su entorno de vividores. su abigarrada formulación consigue redimir los resultados de un moralismo excesivamente esquemático. (Fotogramas)

En "La Dolce Vita", Fellini critica la decadencia romana, pero no ofrece otra alternativa que el aburrimiento; expone la frivolidad y la insignificancia de todo, sin ofrecer una visión superior. En consecuencia, la película puede verse como una obra esencialmente desesperanzada, pero ciertamente no lo parece, porque la cinematografía es exuberante. Fellini cree todo lo que Marcello cree, pero no puede deprimirse, porque sabe algo más: sabe que es un artista. "La Dolce Vita" rebosa de la emoción de un cineasta que descubre repentina y completamente su poder. (Mick LaSalle en San Francisco Chronicle)

Fellini, maestro siempre de la ilusión, presenta todo esto como si se tratase de un acontecimiento espontáneo, sin estructura alguna, por impredecible que parezca el comportamiento. Esto es falso, por supuesto, es parte del truco. Los espejos y los cables deben permanecer invisibles. Como pieza del cine italiano, es una expansión de posibilidades, un esfuerzo totalmente en pantalla ancha. Hay un chiste en la película cuando alguien le pregunta a Anita Ekberg si el neorrealismo italiano está muerto. Su traductor no se molesta en traducir la pregunta, simplemente le dice rápidamente que diga que está vivo. Fellini, por supuesto, se muestra descarado, porque La dolce vita va más allá del neorrealismo hacia algo más parecido al hiperrealismo, un estilo más apropiado para los nuevos tiempos. Es apropiado, entonces, que Otello Martelli, quien también filmó clásicos neorrealistas como Paisà y Stromboli, esté detrás de la cámara en esta, lo que le permite a Fellini mantener un pie en la tradición mientras remodela el cine para el futuro. (Jamie S. Rich en CriterionConfessions.com)

A primera vista, puede parecer difícil entrar en esta película de 180 minutos, especialmente para quienes no conocen las películas de Federico Fellini. Pero el cinéfilo superará este pequeño obstáculo y vivirá la experiencia de muchos grandes momentos de la historia del cine. La famosa escena de la fuente donde Sylvia (Anita Ekberg) se baña con su voluptuoso vestido negro que representa el nacimiento de Venus del agua. También está la magnífica cinematografía de las calles de Roma donde Marcello conduce su descapotable. No olvidemos la fiesta y la música. Una visita a una casa embrujada y la inevitable escena final en la playa. Si esos momentos no son suficientes para ver esta película, este cinéfilo perderá la fe en sus películas. (Michaël Parent en Le Mot du Cinéphiliaque)

Es sin duda el sentimiento de desconcierto que siente el espectador al ver la película lo que está en el origen del escándalo que ha provocado. Aunque algunos afirmaron en su momento que La Dolce Vita era una película sobre el libertinaje, no hay duda de que los detractores de la película se sintieron avergonzados por la maestría de Fellini, tal vez inconscientemente. Pero esta forma tan fragmentada en realidad sólo refleja un fondo y un mensaje en total armonía con la puesta en escena. ¿Cómo no ver en La Dolce Vita una denuncia del fascismo, de la rigidez de la sociedad italiana de aquella época? La Dolce Vita pertenece a esa categoría de películas que intentan tomarnos de la mano para llevarnos a territorios desconocidos; con el riesgo de dejar a muchos espectadores al lado del camino. Una película atrevida, pero esta cualidad a veces puede resultar un defecto: porque sí, La Dolce Vita a veces fascina, intriga, aburre. (Leopold Saroyan en DVD Classik)

Radiografía de una época perdida, lejos de hacer sonar trompetas moralistas (evidentemente Fellini ya no sería Fellini si jugara a ese juego), La dolce vita es una observación desencantada, febril y llena de ansiedad. Una película resacosa, lúcida y perturbadora. La muerte está ahí, en una trama omnipresente, el paso del tiempo y el cuestionamiento del sentido de la existencia constantemente implícitos. Más allá del desciframiento que cada uno pueda hacer de él, este fresco de una vida dulce sólo por eufemismo quedará en la historia del séptimo arte como la película madura de Fellini, aquella en la que inaugura y domina -con tanta brillantez- el lenguaje personal que será a partir de ahora su marca registrada. Guión desestructurado, perfección en blanco y negro, escenas antológicas, excesos controlados, deslumbrante belleza formal, sin olvidar la inquietante música de Nino Rota. Gran cine. (Marianne Spozio en À voir, à lire)

Una película atemporal, una larga noche felliniana enriquecida por la música de Nino Rota que, con toda su habitual discreción, consigue transcribir a la perfección la infinita elegancia y tristeza que emanan de esta obra eterna. Una obra sobre el fracaso, concluida por el fracaso: fracaso de la noche, fracaso de las relaciones humanas, fracaso del amor, fracaso del deseo, fracaso del lenguaje, fracaso de todos los artificios que parecen aniquilados por el amanecer. Todo desaparece, salvo aquella última mirada de ternura dirigida por Marcello Mastroiani, con los ojos marcados por las ojeras, a una muchacha que, como todos los demás, pasaba por allí. (Jules Chambry en Lemagducine.fr)

Película estrenada en Madrid el 8 de junio de 1981 en los cines Pompeya, Gayarre y Bahía.

Reparto: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée, Yvonne Furneaux, Alain Cuny, Annibale Ninchi, Walter Santesso, Magali Noel, Lex Barker, Jacques Sernas, Nadia Gray.

Emilia Pérez (2024). Jacques Audiard

Rita Mora Castro es una infravalorada abogada mexicana de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar a un temido jefe de un cartel, Juan 'Manitas' del Monte, a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser: Emilia Pérez.

Un thriller, también, con voluntad de denuncia social y naturaleza culebronera (por lo que tiene de culebrón desaforado). Visualmente rudimentaria y por momentos irreal, Emilia Pérez va a contracorriente. Todo en ella es una sorpresa. Hasta la tragedia. ¿Les he dicho que el resultado es magnífico? (...) El resultado es excéntrico y heterodoxo. Realizado por un veterano con energía juvenil. Un filme vibrante y colorista, donde el espectáculo está asegurado. Una brillante audacia, en definitiva. (Salvador Llopart en La Vanguardia del 5 de diciembre de 2024)

La historia (...) tiene ese punto de inverosimilitud que tanto recorrido le proporciona a una película camaleón como ésta, que igual es negra de intriga, que verde y roja en lo social, en lo mexicano, rosada en lo melodramático y musical o arco iris en cuestiones de identidad y sexo. Y es una de las mayores cualidades de Emilia Pérez, la ambición, el riesgo, el impudor y la dispersión de idees increïbles (algunas, muy compleixes; otras, insensates) que pone el director ante las narices del espectador de tal modo que lo obliga a conjugar el verbo “flipar” hasta en subjuntivo. (Oti Rodríguez Marchante en ABC del 6 de diciembre de 2024)

‘Emilia Perez’ parece que vaya a desmoronarse en cualquier momento: la verosimilitud brilla por su ausencia, las pinceladas kitsch generan estupefacción y algunos personajes secundarios (como el que encarna Edgar Ramírez) están desdibujados. Y pese a todo, la película arrastra al espectador en su espiral de afectos desbordados, sororidad infranqueable y redenciones sublimes. Que esta combinación de componentes figure en el ADN de Pedro Almodóvar puede ayudarnos a comprender por qué ‘Emilia Perez’ deja una impensable sensación de triunfo fílmico. (Manu Yáñez en Fotogramas)

Inicialmente concebida como una ópera, Emilia Pérez ahora se ha convertido en una película. ¿Operística? Sí, en el sentido más trivial: lirismo obsceno, destinos atormentados y bombo sentimental. (Raphael Nieuwjaer en Cahiers du Cinéma)

Para apreciar el espectáculo hay que dejar atrás las exigencias del realismo y la verosimilitud y dejarse arrastrar por la energía sentimental y los resortes arquetípicos que rigen su dramaturgia, bajo los auspicios de la disonancia y la impureza. (J. Ma. en Le Monde)

Con esta película musical sobre la transición de género de un narcotraficante en un México de fantasía, ganadora de dos premios en Cannes, el cineasta encuentra su inspiración en el exceso y el desencadenamiento de las emociones. (Luc Chessel en Libération)

Si hay algo de lo que no se puede acusar al director es de haber tomado el camino fácil y haberse dormido en los laureles. La película es bastante novedosa tanto en su forma, un drama musical en español, como en su contenido. Lo que no nos gustó no fue esto sino más bien el ambiente sombrío (sobre todo durante los interminables preliminares) y cierta falta de interés. Las partes cantadas, también bastante “especiales”, pueden parecer un poco largas. La película generó una polémica que no resultó muy interesante de seguir, pero los críticos franceses la elogiaron, al igual que el público, y además recibió una lluvia de premios. (L'oeil sur l'écran)

Aun así, es cierto que el alcance de "Emilia Pérez", considerando los nombres de Hollywood que la acompañan y que tiene a Netflix como distribuidora, es incomparable con lo que las producciones mexicanas independientes y de arte pueden aspirar. Más personas verán la visión de Audiard de un México en crisis que la de los mexicanos, y de ahí la mayor preocupación sobre qué arte se defiende y cuál no. A pesar de sus componentes estéticos y temáticos espinosos, "Emilia Pérez" posee una exquisitez atractiva derivada de esa saturación exagerada de ideas machacadas en combinación con imágenes deslumbrantes y vertiginosas. Al igual que los extractos de saborizantes sintéticos, no contienen fruta real, pero las sensaciones que provocan, tanto positivas como negativas, son reales. (Carlos Aguilar en RogerEbert.com)

Para algunos, Emilia Pérez es demasiado cambiante, demasiado caótica para ser coherente. Y, sin duda, hay mucho que digerir. Sin embargo, con el firme control de Audiard al volante, la presencia cautivadora de Saldaña y la actuación realmente imponente de Gascón, esta película se eleva como la experiencia única que es. (Colin Fraser en Moviereview)

A diferencia de los fracasos de gran presupuesto de la crítica, como "One From the Heart" o "Popeye" (esta última, sin embargo, fue rentable y la primera ha sido reeditada y revalorizada), cuatro décadas después, la recepción inicial de "Emilia" es rotundamente entusiasta, generando una gran expectación por los premios para el elenco y los colaboradores creativos. Está lejos de ser un guion perfecto (Jessi, por ejemplo, está relativamente mal escrita como la mujer loca y vengativa despechada), pero el concepto y la ejecución son tan irresistibles que los defectos son perdonables, casi entrañables. Con los hombros, piernas y voces de Gascón y Saldaña, "Emilia Pérez" se deleita en el caos de su propia creación, convirtiendo una idea que parece absurda sobre el papel en un vuelo completo de imaginación desinhibida, tan saturada de humanidad y esperanza como de vibrantes luces estroboscópicas y bailarines de fondo que giran. (Kevin Parks en The Movie Buff)

Película estrenada en España el 5 de diciembre de 2024.

Reparto: Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Selena Gómez, Adriana Paz, Edgar Ramírez, Mark Ivanir.

Noches blancas (Le notti bianche, 1957). Luchino Visconti

En una ciudad provinciana, Mario, un mediocre oficinista que vive en una modesta pensión, conoce una noche a la joven Natalia, en cuyo rostro se refleja un profunda tristeza. Le da conversación para animarla y ella le explica cómo cambió su anodina vida cuando conoció a un apuesto forastero del que se enamoró y cómo cada noche su regreso. Durante cuatro noches mágicas, Mario, enamorado de Natalia, alberga la esperanza de sustituir en su corazón al misterioso forastero. Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Dostoievski.

Luchino Visconti ha tenido al filmar esta cinta varios aciertos magistrales. Ha sabido conservar su clima, ese clima eslavo, desazonante y casi absurdo, puramente dostoiewskiano, que es uno de los encantos del relato; ha actualizado la acción, o mejor dicho, la ha hecho intemporal, equidistante de lo moderno y de lo antiguo, y la ha situado en unos lugares imprecisos, casi lacustres, oscuros y brumosos, marco dentro dei cual el carácter extraordinario de la acción a la par subyugante y extraña, no sólo no nos parece absurdo, sino que mantiene un tono excepcionalmente sugestivo de realidad poètica. (A. Martínez Tomás en La Vanguardia del 6 de agosto de 1959)

Adaptación de una novela de Fedor Dostoievski, en la que Visconti adoptó un tono narrativo abiertamente romántico para desarrollar una historia sobre la intensidad y la fugacidad de los sentimientos. A través de una atmósfera un tanto irreal, se propone un juego de encuentros y desencuentros amorosos con un regusto tan amargo como lúcido. (Fotogramas)

El sutil detalle de los escenarios y la constante construcción de los personajes aportan sustancia y consistencia a lo que podría haber sido una historia muy endeble, sin sacrificar la atmósfera mágica y onírica del original. Pero si bien el encanto del relato de Dostoyevsky reside en que uno nunca puede creerlo racionalmente, en la película, creer es posible y necesario. Cuando el inquilino aparece al final para llevarse a Natalia, la incredulidad debe suspenderse. Pero Mario, solo con su decepción y en compañía del perro callejero, sigue siendo la dura realidad. (Geoffrey Nowell-Smith en Criterion Collection)

Es difícil determinar qué inspiró a Visconti a crear Le Notti Bianche. ¿Fue su activa labor como director de teatro, que durante el mismo año del rodaje de Le Notti Bianche lo llevó a su notoria colaboración en La Scala con la famosa soprano Maria Callas? ¿O fue su deseo de volver al teatro, creando así una película minimalista que mostraba una faceta mucho más íntima del talento del director? Baste decir que, cualesquiera que hayan sido sus motivos, Le Notti Bianche sigue siendo una de las películas más verdaderamente poéticas del neorrealismo italiano, sin parangón en belleza y estilo. (Svet Atanasov en DVD Talk)

La versión de Visconti del relato de Dostoievski —sobre el encuentro casual de una pareja en la cual la mujer espera en vano a su amante y la relación obsesiva y presa del pánico que se desarrolla entre ellos— posteriormente filmada por Bresson como Las cuatro noches de un soñador. Visconti atrapa a sus personajes (tres excelentes interpretaciones) en un claustrofóbico escenario junto a un canal, y la película es una serie de breves paseos, persecuciones e intentos de escape, siempre frustrados. Filmada como una tragedia neorrealista, la película ofrece a sus personajes sólo un extraño momento de escape de sus obsesiones nocturnas: una escena estridente, sexual y subversiva en un salón de baile. Entonces cae la nieve, y con ella una fría desesperación sobre el alcance del autoengaño humano. (Time Out)

Noches blancas quedó relegada a una “obra menor” dentro de la filmografía de su autor, quizás porque sobre esa indeterminación del relato se quería superponer una hipotética, e inexistente, indeterminación de la mirada: no se quería comprender una operación maravillosa, que ya veía en el cine la necesidad de una reconstrucción absoluta para intentar indagar en las verdades de la psique, y del sentimiento. Aquí Visconti encuentra ya las trayectorias que lo conducirán más de una década después hacia la “trilogía alemana”, que a su vez está destinada a ser comprendida sólo parcialmente. (Raffaele Meale en Quinlan)

Las calles de Livorno, donde se desarrolla la mayor parte de la acción, fueron recreadas íntegramente en los estudios Cinecittá. Esta elección le da a la película una atmósfera onírica. Por otro lado, las escenas que transcurren en la casa de huéspedes son muy realistas y llenas de ligereza. (...) Esta atmósfera tan teatral termina produciendo la sensación de dar vueltas sobre lo mismo. Así lo sugieren los personajes que vuelven a menudo a los mismos lugares. La escena muy lograda en el cabaret, donde se improvisa un baile salvaje al ritmo de Bill Haley, da un respiro bienvenido a todo el asunto. (Fabrice Prieur en À voir, à lire)

Este milagroso borrador de Muerte en Venecia fue considerado durante mucho tiempo un logro menor en la obra de su autor, vendiendo casi la mitad de entradas en Francia que su obra anterior (alrededor de 550.000 entradas en este caso). Pero en cada momento emerge la fuerza creativa, Visconti encuentra inspiración en una noche de cine sublimada por la magia de los decorados de Cinecittà y la fotografía milagrosa de Giuseppe Rotunno, que estaba al comienzo de su impresionante carrera. (Frédéric Mignard en Ciné Dweller)

Ciertos defectos (secuencias demasiado prolongadas, un manierismo conmovedor en algunas otras, interpretaciones a veces exageradas que impiden una total empatía hacia los personajes...), pero la suntuosa iluminación de Giuseppe Rottuno con su inteligente juego de luces y sombras, la extrema elegancia de una puesta en escena rica en ideas (véase a este respecto cómo se introducen los diferentes flashbacks), la inolvidable interpretación de un jovencísimo Mastroianni, muy atractivo, y decorados inolvidables hacen de esta obra -que ciertamente no puede competir con las grandes películas de Visconti- una película embriagadora, como los tres temas escritos para la ocasión por un Nino Rota en gran forma. Un cuento de hadas agridulce y atemporal que merece una mirada más atenta. (Erick Maurel en DVD Classik)

Película estrenada en Barcelona el 4 de agosto de 1959 en los cines Aristos, Montecarlo y Niza.

Reparto: Maria Schell, Marcello Mastroianni, Jean Marais, Clara Calamai, Dick Sanders, Marcella Rovena, Maria Zanoli.