Another Me (2013). Isabel Coixet

Fay, una adolescente cuya perfecta vida ha dado un repentino vuelco, empieza a tener la sensación de que una chica de rasgos físicos idénticos a los suyos la está siguiendo.Y no solo eso: cada vez está más convencida de que no se conforma con tener su mismo aspecto, sino que quiere adueñarse de su vida entera.

"El conjunto acaba siendo menos que la suma de sus partes —algunas de ellas, realmente afortunadas—. (...) con esa estética publicitaria que su cine ya había logrado conjurar." (Jordi Costa. El País)

"Coixet se ha dejado embaucar por lo aparente del género, el susto, el ruido, la inconsistencia y el subrayado (...)." (Oti Rodríguez Marchante. ABC)

Coixet tiene tres películas por delante para olvidar el mal trago de ésta, de cuyo nombre uno sospecha que ni ella misma quiere acordarse. Esto del género le interesa, si acaso, cuando el género va por dentro: por los sentimientos. Y Mi otro yo resulta fría y superficial. En buena medida por culpa de Sophie Turner, de Juego de tronos, que se entrega lo mismo que si, frente a ella, estuviera la Reina Cersei. O sea, nada. (Salvador Llopart. La Vanguardia)

Cambio de rumbo de Isabel Coixet: una de las cineastas más personales de nuestra industria se atreve con el cine de género para adolescentes en ‘Mi otro yo’, adaptación del libro homónimo de la escocesa Catherine MacPhail. Todo un giro de 180 grados en el que encontramos pocos trazos del cine de la catalana, es decir, poca autoría, y una sobreabundancia de clichés que incluso los menores de 18 años, target hacia el que va dirigido esta película, es capaz de enumerar de memoria. Para una directora que hace gala de una sensibilidad y una imaginación alejada de lo común, lo cierto es que ‘Mi otro yo’ peca precisamente de lo contrario. (SensaCine)

'Mi otro yo' es una nueva demostración del interés de Coixet por el sufrimiento emocional de sus personajes, pero también una película que difícilmente podría desaprovechar más su naturaleza como película de doppelgängers con detalles demasiado burdos como para mantener una sana sensación de suspense -la atmósfera de intriga brilla por su ausencia- y una resolución del insulso enigma decepcionante. (Espinof)

¿Qué le interesó a la autora de Mi vida sin mí en esta historia? Quizás las ganas de tratar personajes de una edad que hasta ahora nunca habían tenido protagonismo en su cine; o el deseo de acercarse a un género, el thriller psicológico, por el que no parecía sentir ningún interés; o trabajar con un conjunto de actores entre los que destaca Sophie Turner, conocida por su papel de Sansa Stark en Juego de tronos. Planteo estas preguntas para entender las razones que llevaron a Coixet a aceptar este proyecto. Razones que justifiquen hasta cierto punto que este film con referentes tan evidentes y citados por ella misma, como El otro, de Robert Mulligan o Déjame entrar de Lindqvist, no sea uno de sus mejores y mas reconocibles trabajos. (Nuria Vidal en Fotogramas)

Película estrenada en España el 27 de junio de 2014.

Título español: Mi otro yo.

Reparto: Sophie Turner, Jonathan Rhys-Meyers, Claire Forlani, Gregg Sulkin, Rhys Ifans, Ivana Baquero, Geraldine Chaplin, Leonor Watling, Charlotte Vega, Priyanka Patel.

Se7en (1995). David Fincher

El veterano teniente Somerset (Morgan Freeman), del departamento de homicidios, está a punto de jubilarse y ser reemplazado por el ambicioso e impulsivo detective David Mills (Brad Pitt). Ambos tendrán que colaborar en la resolución de una serie de asesinatos cometidos por un psicópata que toma como base la relación de los siete pecados capitales: gula, pereza, soberbia, avaricia, envidia, lujuria e ira. Los cuerpos de las víctimas, sobre los que el asesino se ensaña de manera impúdica, se convertirán para los policías en un enigma que les obligará a viajar al horror y la barbarie más absoluta.

"Sombría, desasosegante. Guión turbio e inteligente. Las escenas de acción no son un pegote comercial y funcionan magistralmente. Sus imágenes perviven en la memoria." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

 "'Seven', un thriller oscuro, espeluznante, aterrador e inteligente, puede ser demasiado perturbador para mucha gente, supongo, aunque si puedes soportar su visionado, contemplarás cine de altísimo nivel." (Roger Ebert)

Ningún cineasta ha renovado el thriller contemporáneo como David Fincher. En 'Zodiac' subvertía la esencia del procedimental para demostrar que una investigación pormenorizada, obsesiva y que se alarga en el tiempo a veces desemboca... en nada. Unos años antes, ya había cargado de ambiente malsano la típica buddy movie de policías que tienen que atrapar un asesino en serie en 'Seven'. Ya desde los influyentes títulos de crédito de Kyle Cooper (fotografiados por el malograda Harris Savides), en 'Seven' se palpa un clima enfermizo. Al contrario de otros thrillers donde tota la maldad e inquietud se concentra en la figura del asesino, Fincher tiñó, a la manera del noir clásico, toda la película de un desencanto existencial: la ciudad hostil, la lluvia que cae constantemente, la agresividad que desprenden los crímenes, la podredumbre que pretende destapar el matarife... todo conduce a que... (Sensacine)

La trama es prácticamente inexistente, reduciéndose a los golpes de efecto y “cabriolas” criminales, cada vez más truculentas, eso sí, con las que nos sorprende el psicópata de turno; los personajes no sobrepasan el simple y visto estereotipo, quedando reservadas la contención y la pose sabia para el más mayor, y la impulsividad y las meteduras de pata para el más joven (aún no sé qué diantres pinta en la historia el personaje de Gwyneth Paltrow, al margen de su escabroso “protagonismo” final); y, para colmo de males, el guión trata de paliar sus evidentes deficiencias, a base de una impostada intelectualidad muy típica de Hollywood, que cree que con aludir superficialmente a Dante y a Geoffrey Chaucer, ya está dándole mayor entidad a lo narrado. (Esculpiendo el tiempo)

El film de David Fincher se convierte en una obra cinematográfica de primera magnitud gracias a un fenomenal guión de Andrew Kevin Walker traspasado visualmente con acierto a través de una relente atmósfera urbana con influencias góticas llena de claroscuros (destacado trabajo fotográfico de Darius Khondji), una exposición desarrollada con progresivas dosis de inquietud que culmina con un efectivo y efectista final, y unas estupendas interpretaciones de la pareja detectivesca en busca de asesino en serie Morgan Freeman y Brad Pitt, muy distinta en registros pero ambas sobresalientes. (Aloha Criticón)

Los realizadores se apegan a su visión con tal dedicación y persistencia que surge algo indeleble, algo ética y artísticamente superior a El silencio de los corderos, que se niega a explotar el sufrimiento por diversión o entretenimiento. (Jonathan Rosenbaum)

Un film glauco, nihilista y deprimente. (Bill Krohn en Cahiers du Cinéma)

Esta búsqueda del efecto a cualquier precio garantiza la calidad del espectáculo al mismo tiempo que traza sus límites. (Philippe Rouyer en Positif)

'Seven' no aguanta un análisis detallado o naturalista del guión. Hay muchas cosas inverosímiles o simplemente incoherentes. Pero de esa incoherencia saca Fincher la materia prima para hacer un cine en el que alterna momentos de ritmo lento e intimista, con secuencias trepidantes, sin que entre unas y otras haya una fractura, sino una continuidad absolutamente lógica. (Nuria Vidal en Fotogramas)
 
Película estrenada en España el 10 de enero de 1996.

Reparto: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, R. Lee Emery, Richard Roundtree.

The Big Sky (1952). Howard Hawks

Jim y Boone son dos exploradores que participan en una expedición por el río Missouri cuyo fin es establecer un asentamiento en territorio indio. Les acompañan un comerciante de pieles, una prisionera india y un indio que ha renegado de su tribu. A los peligros de la expedición se sumará la tensión que se establece entre los hombres debido a la belleza de la mujer.

El film incorpora varias de las constantes argumentales del realizador: elogio del compañerismo, exaltación de la amistad, enaltecimiento del espíritu innovador y del sentimiento aventurero, tratamiento respetuoso de la población india, defensa de los valores de la colaboración y del trabajo en equipo, prevalencia del honor sobre los sentimientos, etc. De acuerdo con los gustos del realizador, la itinerancia de los protagonistas deviene una odisea (alegoría de la vida), que los enfrenta (como en "Río Rojo") a una larga serie de amenazas y peligros. La exploración de la conducta humana en situaciones de peligro es uno de los temas más gratos a Hawks. También lo es el análisis del enfrentamiento entre dos amigos por el amor de una mujer, como el que se expone en el film. (Miquel en Film Affinity)

Notable e infravalorado western de aventuras (en realidad se trata de un pre-western) que ejemplifica todas y cada una de las virtudes del cine de su autor: entretenimiento, narración briosa, buenos y variados personajes, sentido del humor y exaltación de la camaradería. El único pero que se le puede poner, es que quizá resulte algo excesivo en su metraje. (Esculpiendo el tiempo)

Es tal la sucesión de elementos y detalles que convierten esta película en una obra memorable, que sobre todo hay que atender a la modernidad que preside su desarrollo dramático, a la capacidad de sugerencia que brindan sus dos principales personajes masculinos y, sobre todo, a la implicación que se consigue por parte del espectador, para integrarse de tu a tu, en la aventura que este contempla a través de la pantalla. (Cinema de perra gorda)

Aunque a esta sublime obra maestra en blanco y negro de 1952 de Howard Hawks usualmente se le otorga un lugar bajo en el canon Hawks, es una de mis favoritas en particular: misteriosa, bella e incluso utópica. (Jonathan Rosenbaum)

The Big Sky exalta, con una simplicidad luminosa (y un sublime blanco y negro), los temas de la solidaridad, la amistad, la sana rivalidad (Jim y Boone) y el amor (Boone y Ojos de garza). Uno de los grandes papeles de Kirk Douglas: hay que verle llorando y arrastrándose en la hierba buscando el dedo que acaba de serle amputado, obsesionado con la costumbre india de que un hombre sea enterrado entero. (Gérard Camy en Telerama)

Adaptación de un libro de A.B. Guthrie jr., en el que se ilustra la aventura de un grupo de tramperos que en 1830 explorarán el rio Missouri en busca de nuevos territorios y tendrán encuentros de distinto signo con diversas tribus indias. Planteada desde una perspectiva casi documental y con un estilo de sereno clasicismo, viene a ser la antítesis de los westerns habitualmente claustrofóbicos de su director. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 16 de julio de 1955.

Título español: Río de sangre.

Reparto: Kirk Douglas, Dewey Martin, Elizabeth Threatt, Arthur Hunnicutt, Steven Geray, Buddy Baer, Jim Davis.

Un pequeño documental sobre el rodaje:

Le Cinquième Élément (1997). Luc Besson

Una fuerza de pura oscuridad viene a nuestra realidad cada 5000 años con el fin de destruir todo lo que pueda. Para detenerla, claro, existe un arma que aglutina los cuatro elementos de la vida (fuego, aire, agua y tierra) en torno a un quinto. Así, con la destrucción cerniéndose sobre nuestras cabezas, el gobierno de la Tierra encarga a un militar retirado, Korben Dallas (Bruce Willis), la misión de recuperar los cinco elementos y detener a esta gran oscuridad. Aunque nada es tan sencillo, ya que el Quinto Elemento es un ser vivo, encarnado en una mujer de código genético perfecto (Milla Jovovich), cuya misión corre de forma paralela a la de Korben en una desenfrenada carrera contrarreloj para detener el Fin del Mundo.

Toda la desbordante imaginación de Luc Besson, algunos despropósitos y mucha voluntad de credulidad -empieza con pretensiones serias para volverse disparatada- se dan cita en esta delirante superproducción francesa que fue vapuleada por la crítica, cuando no es sino una gozosa invitación al desenfreno. Hoy en día ha quedado tremendamente anticuada -culpa de un diseño de producción demasiado 'cutre-kitsch'-, pero en su día tuvo legión de fans. Lo que no envejece es ver a Bruce Willis en estado puro. (Pablo Kurt en Film Affinity)

Espléndido relato de ciencia ficción, que combina acertadamente acción, efectos especiales, y, en algunas ocasiones, una sutil ironía de los tópicos del género. Destaca el diseño visual del film, inspirado en los comics de Moebius y Jean Claude Mézières, este último creador del personaje de Valerian. Así, sobresale una cuidadosa recreación de las calles y modo de vida de una futurista ciudad de Nueva York. (Decine21)

Una mezcla medio insípida, medio agradable, de lo grandioso y lo irrisorio. (Emmanuel Burdeau en Cahiers du Cinéma)

La puesta en escena se reduce a filmar pomposamente un montón de efectos especiales. (Positif)

Relato ingenuo de un combate mitológico-futurista entre las fuerzas del bien y del mal, singularmente desprovisto de misterio y locura. (Libération)

"Combinación de éxito: impactante estilo visual y una trama más simple que un cencerro." (Luis Martínez: Diario El País)

 

Una de las mejores películas ridículas -- una cinta tan absurda que no me sorprendió saber que estaba escrita por un adolescente. (Roger Ebert)

Película estrenada en España el 30 de mayo de 1997.

 

Título español: El quinto elemento.

 

Reparto: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Ian Holm, Chris Tucker, Tom Tiny Lister, Brion James, Luke Perry.  

Guys and Dolls (1955). Joseph L. Mankiewicz

Adaptación de un musical de Broadway basado en un cuento de Damon Runyon, gran maestro de la literatura picaresca americana. Nathan Detroit (Frank Sinatra), organizador de las partidas más selectas de dados de Nueva York, apuesta mil dólares con uno de los jugadores (Marlon Brando) a que no es capaz de enamorar a una joven puritana que pertenece al Ejército de Salvación (Jean Simmons).

"Divertida historia en la que Brando (en un registro sorprendente) se enamora de una púdica mujer, miembro del ejército de salvación. En medio anda Sinatra, que borda su personaje de truhán con buen corazón." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

 

La película más rara de la gran y prolífica obra de Mankiewicz pues se trata de un musical. Para no patinar demasiado, el autor no se adaptó al género, sino que inteligentemente adaptó el género a sí mismo. El resultado, bien considerable, ofrece un argumento más elaborado que en el clásico musical, guarda el mismo tono que aquel, hay ecos hasta de Capra, pero pone más agudeza e interés en el guión, el diálogo y los personajes. Film espacioso, divertido y sugestivo, tiene muchas más "rarezas" dentro de sí, como ver a Brando bailar y cantar, al igual que Simmons, y a Sinatra componer el personaje de un gángster sin malicia. Francamente recomendable. (Kafka en Film Affinity)

 

El film, un entretenimiento producido por Samuel Goldwyn, es recomendable aunque sufre de cierto estatismo derivado de su raíz teatral (está basado en una obra de Abe Burrows y Jo Swerling), de una irregular coreografía de Michael Kidd, y de un metraje muy extenso que cae en el letargo en su periplo cubano. (AlohaCriticón)

"Ellos y ellas" no es una de las grandes obras de Joseph L. Mankiewicz. Sin embargo, él sabe llevarla a buen puerto en todo momento y con gran dignidad, demostrando que incluso algo de encargo basado en un libreto que no es de su total autoría puede hacerlo bien. No todos los directores se permiten el lujo de ello. (El gabinete de cinemagníficos)

 

Posiblemente la mejor película que produjo Sam Goldwyn, este musical de 1955 tiene una mala reputación inmerecida, en gran parte debido a que los dos protagonistas -Marlon Brando como el jugador profesional Sky Masterson y Jean Simmons como Sarah Brown, una misionera del Ejército de Salvación- no eran cantantes profesionales. De hecho, ambos hacen maravillas con la excelente partitura de Frank Loesser porque interpretan sus números con sentimiento y sinceridad, y sus esfuerzos para estar a la altura de su material están perfectamente en sintonía con las aspiraciones de sus personajes (así como las propias canciones); en resumen, éste puede ser el único método musical. Joseph L. Mankiewicz realiza un trabajo loable con estilizados escenarios teatrales y el mordaz lenguaje del material original de Damon Runyon. (Jonathan Rosenbaum)

Un musical bastante brillante realizado con inteligencia e invención. (Tom Milne)

Adaptación de un musical de Frank Loesser, estrenado en Broadway cinco años antes, que fue la única incursión de Mankiewicz en el género. No sólo supo conjugar hábilmente sus recursos sino que confirió una dimensión francamente maliciosa a su historia. Su perspicaz planteamiento y su brillante resolución formal ligan coherentemente con el sutil universo de uno de los directores más inteligentes de su generación. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 19 de diciembre de 1957.

Título español: Ellos y ellas.

Reparto: Marlon Brando, Jean Simmons, Frank Sinatra, Vivian Blaine, Robert Keith, Sheldon Leonard, Stubby Kaye, B.S. Pully.

Wyatt Earp (1994). Lawrence Kasdan

Nacido en una granja de Iowa, Wyatt Earp (Kevin Costner) huye de su hogar, en plena Guerra Civil (1861-1865), para alistarse en el ejército de la Unión, pero su padre (Hackman) lo obliga a volver a casa porque es todavía demasiado joven. Decide entonces estudiar leyes y casarse con Urilla Sutherland (Annabeth Gish), que muere de fiebre tifoidea antes de que puedan tener hijos. Completamente abatido, Earp se da a la bebida y se dedica a robar ganado, pero su padre lo encuentra y lo devuelve al camino recto.

La película presenta una mirada más a la vida de Wyatt Earp, su labor para restablecer la ley en Tombstone, y el famoso tiroteo en el O.K. Corral, entre la familia Earp y los Clanton. La trama comienza con la juventud de Earp en California y sus vivencias en un mundo de brutalidad propia del Oeste. Earp desarrolla la capacidad de reaccionar efectivamente ante agresiones de matones y forajidos y esto le vale ser nombrado alguacil en un pueblo donde impera sólo la ley del más fuerte.

Entretenido e infravalorado western cuyo mayor reproche debería ser su excesivo metraje. En una década en la que el género agonizaba, y gracias al respiro que le dió Clint Eastwood con su magistral "Unforgiven" (1992), Lawrence Kasdan se atrevió a contar de nuevo la historia del duelo de OK Corral, apuesta sin duda arriesgada dados sus antecedentes, pero sus resultados fueron más que meritorios. Un western de nervio, de brillante puesta en escena y magníficamente interpretado. (Pablo Kurt  en Film Affinity)

“Wyatt Earp” es un claro ejemplo de realización elegante y comedida junto a un tono clásico para una realización templada, casi contemplativa, siendo más un vehículo expositivo de la vida y milagros del personaje pero sin dejar a un lado arranques de violencia seca (muy bien expuestos) con los tiroteos en su justa medida pero sin ser estos los que dirijan la historia o sean el centro de atención aún siendo un western en toda su esencia. (Claqueta de bitácora)

¿Es injusto comparar "Wyatt Earp" a "Tombstone" simplemente porque han sido estrenadas en el mismo lapso de seis meses? Quizás. "Wyatt Earp" es sin duda el proyecto más ambicioso. Pero "Tombstone" era más clara sobre sus objetivos y más segura acerca de cómo llegar a ellos. Esto me forzó a compararlas. "Wyatt Earp" tiene grandes pretensiones y es un gran fresco, pero finalmente resulta demasiado lenta y no muy convincente. (Roger Ebert)

Aunque tiene bellas imágens (la cinematografía es de Owen Roizman), la película es excesiva, majestuosa y demasiado detallada para su propio bien; el director Kasdan afirma que su versión es la más exacta. Esto puede ser cierto, pero no hace que sea una buena película. (Emanuel Levy)

No deja de resultar sorprendente como el tiempo se revela un elemento imprescindible a la hora de ponderar el valor de una película: hace 22 años, con el género prácticamente muerto, el irregular Lawrence Kasdan (que ya había probado suerte en el género con la interesante Silverado) se atrevió a volver al personaje de Wyatt Earp y recibió una somanta de palos que llegaron al propio Kevin Costner, ganador del Razzie a peor actor esa temporada. Vista hoy, la película es una estupenda y clásica aproximación al western de toda la vida con un reparto memorable (destacando, como ya ocurriera en Sin perdón, al magnífico Gene Hackman) únicamente lastrada por una duración de 190 minutos difícilmente justificable. (El País)

Tras la estimable "Silverado", Lawrence Kasdan volvió a enfrentarse con el western a través de uno de sus personajes y de su episodios más significativos, inspiradores de innumerables films entre los que destaca la magistral "Pasión de los fuertes", de John Ford. Sus espectaculares resultados aventajan a la banal "Tombstone", rodada por George Pan Cosmatos casi simultáneamente, pero no alcanzan la maestría. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 26 de agosto de 1994.

Reparto: Kevin Costner, Dennis Quaid, Gene Hackman, Mark Harmon, Michael Madsen, Linden Ashby, Jeff Fahey, Joanna Going, Bill Pullman, Isabella Rossellini, Tom Sizemore, Mare Winningham.