Agente especial (The Big Combo, 1955). Joseph H. Lewis

El teniente de policía Leonard Diamond (Cornel Wilde) persigue al jefe de una organización criminal, llamado Brown (Richard Conte). La amante actual del gángster, Susan Lowell (Jean Wallace), acaba de intentar suicidarse. Al interrogarla en el hospital, le pone en la pista de una tal Alice, nombre que Brown habría escrito una vez ante ella, sobre el vaho de un cristal. Diamond averigua que la mujer de Brown, desaparecida desde hace siete años, se llamaba precisamente a Alice. Mientras se siente atraído por Susan, el teniente encuentra la pista de Nils Dreyer, un comerciante de antigüedades que parece tener una prueba decisiva contra Brown y que muere poco tiempo después de la visita de Diamond a su almacén.

La ambientación es buena, como casi siempre suele serlo en los empeños cinematográficos del genero que se realizan en Norteamérica, pero nada hallamos de original en la trama ni en su desarrollo, y los tipos que se brindan son los mismos que hemos visto desfilar por las pantalles tantas y tantas veces. Eso no quiere decir que el relato (...) no entretenga. Quiere decirse que la intriga está llevada con habilidad... (Donald en ABC del 29 de noviembre de 1955)

No parece que Hollywood haya perdido su buen pulso de siempre, a juzgar por este «Agente especial», primo hermano de «La calle sin nombre» y de «Forajidos», lo cual no es parentesco despreciable. La película, en efecto, aparece realizada con la mejor precisión, con ese absoluto rigor matemático que despeja limpiamente todas las incógnitas de la emoción y de la angustia valiéndose de la perfecta elaboración ambiental, de la magistral continuidad, de los golpes de efecto, deslumbradores como fogonazos, de la autenticidad de los personajes, pese a llevar encima tanto lastre convencional, y de la fluidez constante de una anécdota para cuya más elevada tensión no se han dejado de utilizar los típicos y siempre efectivos recursos de violencia y brutalidad. (La Vanguardia del 9 de febrero de 1956)

Excelente thriller de serie B que en su momento pasó totalmente desapercibido pero que en los últimos tiempos se ha revalorizado, al igual que una gran parte de la obra de su director. Desarrolla una historia bastante convencional que va adquiriendo entidad gracias a una rigurosa composición, que le confiere un notable sentido de la tensión. (Fotogramas)

The Big Combo (...) no es una película grande ni buena. Incluso con el "combo" de un elenco capaz, encabezado por Cornel Wilde y Richard Conte, y el núcleo de una trama atractiva, el resultado es un melodrama criminal estridente, torpe y bastante anticuado con todas los elementos tirando hacia direcciones opuestas. (...) Poco de los personajes, menos aún los tres principales, junto con algunos incidentes clave suena a verdad. Y toda la película, a pesar de los frenéticos intentos de realismo, está amañada cuidadosa y expansivamente con brutalidad y violencia (seis cadáveres, para que conste). La mayoría de las tácticas empleadas salieron con la Prohibición. Philip Yordan, el guionista, puede conocer la jerga del hampa, pero hubiera sido maravilloso haber escuchado a alguien simplemente preguntar por la hora y obtener una respuesta directa. Tanto él como el director Joseph Lewis comparten la responsabilidad de este caos monótono y acelerado. (Howard Thompson en The New York Times del 26 de marzo de 1955)

Esta película negra de 1955 bordea la abstracción total durante la mayor parte de su duración y luego lo logra del todo en una asombrosa escena final: un tiroteo en la niebla que sugiere un Michelangelo Antonioni armado y peligroso. El noir habitual tiene lugar en un mundo de pesadilla, éste parece habitar en un sueño: ya no hay miedo en las imágenes, sino una belleza distanciada e idealizada. (Dave Kehr en Chicago Reader)

Al motivo de ser el policía y el ladrón dos caras de la misma moneda tan descaradamente promocionado en Heat de Michael Mann, se le da aquí un tratamiento más sofisticado. Diamond y Brown son rivales por Susan y se enfrentan entre sí en un nivel fundamental. Dado que La Ley es la menor de sus preocupaciones, su lucha parece ser casi un choque de estilos de vida en conflicto. Diamond suelta mucha moralización despótica, pero todos los demás aceptan el hecho de que la sociedad está llena de corrupción al estilo de Brown. Incluso algunos miembros de la policía consideran que la cruzada de Diamond es una perturbación no deseada del status quo. Temáticamente, The Big Combo es más moderna que el (por lo demás soberbio) retro y ligeramente hueco Heat. (Glenn Erickson en DVD Talk)

Estupenda película de gángsters, aunque, a pesar de lo que promete el título, es más una película de cine negro que se centra en el duelo privado y obsesivo entre el policía Wilde y el gángster Conte, cada uno perseguido por una mujer y convirtiéndose virtualmente en el alter ego del otro durante el curso de su vendetta mortal. Una película estructurada por la crueldad y el dolor (amplificados por dos escenas de tortura peculiarmente horribles que involucran un audífono), es la noche oscura de varias almas perfectamente visualizada en el extraordinario trabajo de cámara de John Alton. Incluso mejor que el anterior - y notable - Gun Crazy de Lewis. (Tom Milne en Time Out)

La forma en que Lewis organiza el espacio, creando relaciones de poder entre los personajes según el lugar que ocupan en el encuadre (la escena en la que Richard Conte tortura a Wilde y le pulveriza los tímpanos con un auricular sigue siendo "uno de los grandes momentos de dirección del cine de Lewis), la fotografía de John Alton (uno de los grandes directores de fotografía del cine negro, que a menudo utiliza una sola fuente de luz) y un hábil montaje tendente a la abstracción contribuyeron a hacer de The Big Combo uno de los mayores éxitos del cine negro. (S. Blumenfeld en Les inrockuptibles)

Esta película es el ejemplo mismo de lo que la restricción presupuestaria puede generar cuando sólo se puede contar con la imaginación y el dominio de la técnica. Con un presupuesto mayor, la película no sería esta sucesión de escenas expresionistas sublimes. Algunas tomas desde el principio se parecen (deliberadamente) a las pinturas de Edward Hopper (pero en blanco y negro). El arte es estilo. El arte es forma. Se ha aplicado todo el rigor del género y la violencia permanente está contenida en los hallazgos de puesta en escena y diálogo. Sin pedir nada prestado. Una película modelo para futuros "directores de fotografía", aprendices de dirección y también para críticos a los que tanto les hubiera gustado hacer cine (y que podrían haberlo hecho si realmente hubieran querido). Que nadie diga más que hacer una gran película es caro. (Pierri 33 en Notre cinéma)

La banda sonora entrecortada de David Raksin y el encuadre lleno de sombras y niebla de John Alton ayudan a precipitar a los protagonistas hacia un desenlace inevitablemente violento. Si bien el policía Diamond idealiza a Susan en un papel romántico de víctima y desprecia a Brown tanto por su destreza social y financiera como por los crímenes que pudo haber cometido, también se puede ver que intenta compensar con ello sus propios fracasos sociales y sexuales. Como en el Noir más famoso de Lewis, Gun Crazy (1950), donde dos fugitivos, Bart Tare y Annie Laurie Starr, se sienten irresistiblemente atraídos el uno por el otro "como un arma y su munición", el triángulo formado por Diamond, Brown y Lowell es el núcleo emocional del combo The Big Combo. (Mon cinéma à moi)

Película estrenada en Madrid el 28 de noviembre de 1955 en el cine Rialto; en Barcelona, el 8  de febrero de 1956 en los cines Alexandra y Atlanta.

Reparto: Cornel Wilde, Richard Conte, Brian Donlevy, Jean Wallace, Jay Adler, Robert Middleton, Lee Van Cleef, Earl Holliman, Helen Walker, Helen Stanton.

Una mujer difamada (Libeled Lady, 1936). Jack Conway

La adinerada Connie Allenbury (Myrna Loy) es acusada falsamente de romper un matrimonio y demanda al periódico New York Evening Star por 5.000.000 de dólares por difamación. Warren Haggerty (Spencer Tracy), el editor gerente, se dirige desesperadamente al exreportero y mujeriego Bill Chandler (William Powell) para pedirle ayuda. El plan de Bill es manipular a Connie para que esté a solas con él cuando su mujer aparezca, para que la demanda tenga que ser retirada. Bill no está casado, así que Warren ofrece voluntariamente a su sufrida prometida, Gladys Benton (Jean Harlow), para que se case con Bill sólo de nombre, a pesar de sus fuertes protestas.

La película es una ‘screwball comedy’ muy divertida, dinámica, con diálogos rápidos, superpuestos en ocasiones, personajes con encanto, química entre los intérpretes, giros constantes, y situaciones inventivas con lugar para el humor verbal y físico, como la secuencia de pesca que seguramente influyó a “Su Juego Favorito” de Howard Hawks. Su enredo utiliza el engaño, la batalla de sexos, el cinismo, la parodia del sensacionalismo y un enlace romántico clásico de repulsión-atracción. El cuarteto está espléndido, destacando las brillantes caracterizaciones de Jean Harlow y William Powell. (Antonio Méndez en AlohaCriticón)

La trama es compleja y enrevesada pero llena de encanto donde todo el lío ocurre a partir de una noticia falsa en un periódico y una demanda millonaria. Jack Conway sabe imprimir un ritmo trepidante y unos diálogos chispeantes así como varias escenas delirantes. Lo que más me ha llamado la atención es que quizá a Howard Hawks le vino la inspiración, si vio en su momento esta película, para una de sus más delirantes y divertidas comedias, Su juego favorito. Tanto William Powell como Rock Hudson regalan escenas divertidísimas como pescadores ‘expertos’. (El blog de Hildy Johnson)

Peary señala con precisión que la película “es una exhibición muy evidente de Harlow, cuyo personaje a veces es duro, a veces sentimental, a veces está enfurecido, a veces es un buen deportista, siempre sexy, siempre divertido”. Escribe que ama "sus pucheros enojados y cómo resopla y resopla en una habitación con los hombros y las piernas trabajando al unísono". En sus premios Oscar alternativos, Peary vota a Harlow como la Mejor Actriz del Año por su papel como Gladys, señalando que Harlow "nunca ha recibido suficientes elogios" como "uno de los grandes descubrimientos cinematográficos de los años treinta", y destaca cuán hábilmente ella “intercambia bromas con Powell y Tracy”. Estoy de acuerdo, pero también encuentro que las actuaciones principales de Powell y Loy son acertadas. Esta última es un placer especial para los ojos mientras da capas inesperadas de complejidad a su heredera aparentemente gélida; sus rechazos iniciales hacia el demasiado confiado "mujeriego" Powell son especialmente graciosos. (Filmfanatic.org)

Una comedia sardónica, con algunas payasadas y una sublimación liberal de la farsa, Se toma varias libertades con la prensa, con las leyes y la justicia, todo en el más alegre de los estados de ánimo. Y de entrada podemos pensar en una docena de razones por las que debería parecerte un entretenimiento muy agradable. (Frank S. Nugent en The New York Times del 31 de octubre de 1936)

Se mueve a un ritmo rápido, el excelente elenco tiene un buen sentido del ritmo para la comedia y el diálogo es ágil. Una muestra dice así... Tracy: "No debes pelear". Powell: "¿Por qué no? Estamos casados". Es una diversión inofensiva y no vale la pena pensar demasiado en ella. Recomendaría simplemente sentarse y seguir el juego de esta producción lujosamente presentada. (Dennis Schwartz)

Gladys (Jean Harlow) proporciona un alivio cómico a lo largo de la película, una especie de contrapunto burdo y burlón a la sofisticación remilgada de Connie (Myrna Loy). Pero en la escena final, ella se queda sola, haciéndose cargo del relato por la fuerza. Su gran momento es prácticamente metaficcional, una negación muy consciente del "final feliz" que parece estar desarrollándose en los momentos finales de la película; ella ve hacia dónde se dirige la cosa y quiere asegurarse de no quedarse fuera del final de Hollywood. Como resultado, la película parece terminar dos veces: la narración comienza a relajarse y a atar cabos sueltos solo para que Gladys la vuelva a confundir en el último minuto. El efecto es algo así como esos viejos dibujos animados de Looney Tunes donde los personajes, conscientes de su estatus en un artificio falso, intentan desesperadamente ejercer algún control sobre la dirección de la historia. Al igual que el Pato Lucas en Duck Amuck, la caricaturesca Gladys no se dejará empujar por ningún escritor sin oponer resistencia, y su gran discurso termina cuestionando no sólo los dictados de la historia, sino también las suposiciones de la audiencia, que estaba probablemente demasiado dispuesta a aceptar un "final feliz" para los personajes encantadores e ingeniosos de la clase alta, mientras que la vulgar chica de ciudad recibe un trato injusto. Es un gran momento, que socava sutilmente las suposiciones sobre la clase que subyacen en tantos romances y comedias de Hollywood. Sin embargo, aunque el resto de la película rara vez es tan sofisticada o compleja, a menudo sigue siendo divertida, ligera y agradable, lo que la convierte en un entretenimiento esponjoso que en el último momento insinúa algo más. (Ed Howard en Only the cinema)

El director Jack Conway tiene el buen sentido de hacerse a un lado y dejar que los actores hagan lo suyo y eso, junto con un preciso montaje, le da a la película un ritmo excelente y rápido. (Bill Wren en Piddleville)

Imposible no disfrutar viendo esta película. En primer lugar, porque es muy divertida y tiene un ritmo impecable. Las respuestas hilarantes no se detienen, las situaciones del mismo tipo tampoco y el guión también se distingue por nunca caer en la trampa de la previsibilidad. Por el lado de la interpretación, todo muy bien. Jean Harlow y Spencer Tracy son excelentes, Myrna Loy es brillante, y una vez más el William Powell demuestra que es, con Cary Grant, el mejor actor de la comedia estadounidense. Pero como si eso no fuera suficiente para divertirse, también hay un fuerte trasfondo crítico hacia la prensa de escándalo por supuesto, pero también hacia celebridades o pseudo-celebridades que solo para llenarse un poco más los bolsillos no dudan en demandar a esta última sólo por bagatelas. (Modo ironía activado) Evidentemente esta crítica no encuentra hoy un eco muy fuerte (modo ironía desactivado). Tenemos, pues, una película muy divertida y muy inteligente, algo se ve todos los días y ésa ya es una de las muchas buenas razones para ver este gran film. (Plume231 en Allociné)

Película estrenada en Barcelona el 29 de noviembre de 1939 en el cine Astoria; en Madrid, el 13 de mayo de 1940 en los cines San Carlos y Tívoli.

Reparto: Jean Harlow, William Powell, Myrna Loy, Spencer Tracy, Walter Connolly.

El imperio del terror (The Phenix City Story, 1955). Phil Karlson

Un pueblo de Alabama está casi completamente dominado por el crimen organizado, que adquiere cada vez más poder a través de la prostitución y el juego ilegal. Un joven abogado (Richard Kiley) intenta contribuir a resolver el problema animando a su padre (McIntire) para que presente su candidatura a Fiscal de Distrito.

El ritmo es acelerado y la acción trepidante del principio al final. No se ahorran las escenas ásperas; se prodigan. Y a partir del arranque se hace alarde de sinceridad narrativa (...) La ambientación logra dar la veraz impresión de bronco realismo, tal como se propusieron los autores del libro cinematográfico y su realizador. (Donald en ABC del 21 de abril de 1957)

La película (...) es una exposición de hechos brutales, en los que la crueldad y la violencia conmueven el ánimo del espectador. No tiene el film por el hecho de ser un relato verídico, el final feliz deseado por la mayoría, por lo que esta realización deja un sabor agrio. Dirigida por Phil Karlson, la película está bien ambientada y conducida, especialmente en las luchas que se prodigan en su desarrollo, algunas de brutal verisme, contribuyendo una excelente interpretación de la que destacant John McIntire, Richard Kiley y Kathrin Grant, a dar mayor emotividad e interés al torturante relato. (Martín Planas en La Vanguardia del 22 de junio de 1957)

Karlson presenta la historia como si de un documental se tratase, logrando un gran verismo en su puesta en escena con un excepcional trabajo de fotografía por parte de otro olvidado, el experimentado Harry Neumann, logrando que el espectador se vea totalmente involucrado en la historia. Una historia llena de una violencia inusitada para la época, llegando a alcanzar por momentos una dureza indescriptible, haciéndose patente las claras intenciones del autor, que el público sienta repugnancia ante las injusticias de la corrupción. Karlson lo maneja todo con un sentido del ritmo envidiable, y el problema de la cinta llega en su tercio final, cuando una salida de tono enturbia la capacidad de sugestión del film. (Alberto Abuín en Espinof)

Ni siquiera el final conciliador y su discursito de cara a la galería consiguen empañar la fuerza transgresora de esta gran película que probablemente dejó huella, con su tratamiento de la violencia como último modo de expresión y su crítica social y política, en la obra de cineastas posteriores. (Las cosas que hemos visto)

Hay abundante evidencia de pecado en esta película sorprendentemente realista, y la muestra de violencia y asesinatos es tan fuerte y fea como puede ser con seguridad en la pantalla. Pero su brillantez y belleza no están en su detalle del crimen sino en su captura de un sentimiento de corrupción real, de parálisis cívica y social y un sentido del sacrificio y esfuerzo que los hombres deben hacer para emprender una cruzada de limpieza. En un estilo de documental dramático que es tan nítido y seguro como el de "La ley del silencio" o, para una comparación más apropiada, el de la memorable "Todos los hombres del rey", los guionistas Crane Wilbur y Dan Mainwaring y el director Phil Karlson exponen el tejido crudo de la corrupción y el terrorismo en una ciudad estadounidense que está inmersa en el vicio. (Bosley Crowther en The New York Times del 3 de septiembre de 1955)

Como se muestra en The Brothers Rico (1957) del mismo Karlson, el director es muy hábil para equilibrar una gran cantidad de personajes en una historia de rápido movimiento sin perder el hilo. Rápida y firmemente establece a sus personajes con el uso repetido de sus nombres y con uno o dos pequeños guiños visuales, entendemos la personalidad y la posición de cada personaje casi de inmediato. El villano aquí es Rhett Tanner (Edward Andrews), un caballero sureño agradable pero un poco sudoroso que visita a viejos amigos y saluda a ancianas en la calle. Pero cuando lo conocemos por primera vez, está tratando de descubrir cómo arreglar una carrera de tortugas para ganar dinero con ella. Agregue a esta claridad suprema de narración un realismo rápido, contundente, similar al de un documental, un genuino sentido del lugar y un poderoso sentido de urgencia, y obtendrá el mejor momento de Karlson. (Jeffrey M. Anderson en Combustible Celluloid)

Basado en hechos reales, The Phenix City Story de Phil Karlson comienza con entrevistas periodísticas a lugareños reales, una introducción engañosa dada la ficcionalización histérica que se produce después, puntuada por un trabajo de cámara arrogante, actuaciones tanto infladas (del elenco profesional) como forzadas (de la gente del pueblo), y un final en el que el malévolo terror de la mafia se contrarresta no con el vigilantismo, como en Walking Tall del mismo Karlson, sino con la ley marcial militar. Su impacto al límite de lo obsceno, sin embargo, se deriva de su brusca brutalidad, como en la  representación sorprendentemente violenta para la época de una niña afroamericana asesinada que es arrojada sin contemplaciones de un automóvil en marcha. (Slant Magazine)

La dura y brutal lucha de honestos ciudadanos democrátas contra el inframundo que ha hecho reinar el terror en Phenix City desde su creación. Basada en una historia auténtica, la película es muy violenta. En particular, vemos a mafiosos asesinando a una niña a sangre fría, algo raro en la historia del cine estadounidense. "Phenix city story" también contrapone el poder de las urnas al de la fuerza bruta, es la lucha de la civilización contra la barbarie. A la puesta en escena de Karlson no le falta pegada, las peleas son sangrientas. Una de las películas favoritas de Scorsese. (Freaks101 en Allociné)

Película estrenada en Madrid el 21 de abril de 1957 en cine Palacio de la Música; en Barcelona, el 21 de junio de 1957 en el cine Fémina. 

Reparto: John McIntire, Richard Kiley, Kathryn Grant, Edward Andrews, Lenka Peterson, Biff McGuire, Jean Carson, John Larch, James Edwards

El último de la lista (The List of Adrian Messenger, 1963). John Huston

Un escritor entrega a un amigo suyo, agente secreto retirado, una lista en la que figuran 10 nombres para que compruebe sus paraderos, sin darle más explicaciones. Cuando el escritor muere en un accidente aéreo, el agente se pondrá a investigar y comprobará que 6 nombres de la lista fallecieron por accidentes y empieza a sospechar que sean crímenes encubiertos.

“El último de la lista” tiene el interés de esa sorpresa postrera mejor que el que levanta apenas el enredo de la compleja y apurada historia. Parece como si la obra de John Huston, que en cualquier caso obedece siempre a la maestría de su realizador, buscara nada más que el pláceme y el aplauso para las fugaces “colaboraciones” de esos rostros tan populares que asoman su estupendo disfraz casi al margen de la entretenida aventura. Las estrellas de “El último de la lista” son, sin duda, los maquilladores. (Gabriel García Espina en ABC del 4 de febrero de 1964)

A pesar de lo escalofriante de la trama, John Huston ha sabido esquivar lo truculento, manteniendo el film en una constante línia de misterio y de intriga. Como es de ritual en estas cintes, el espectador està siempre esperando el desenlace inesperado tol como en efecto se produce al fin. (A. Martínez Tomás en La Vanguardia del 29 de marzo de 1964)

Una película muy disfrutable tanto por la propia historia como por los retos lanzados al espectador, que compensa la debilidad e inconsistencia de su pretexto (o MacGuffin, al modo hitchcockiano) con el encanto que destila, las excelentes caracterizaciones de Douglas, la habitual desenvoltura interpretativa de Scott y, por encima de todo, la sensación de que se está asistiendo al resultado de un pacto entre un director, un productor y guionista, y un buen puñado de intérpretes para rendir un homenaje cómplice y agradecido a su público. (Alfredo Moreno en 39 escalones)

El Sr. Scott frunce el ceño como un detective y actúa con un aire sabio y entendido. Pero su habilidad está abierta a serias dudas cuando no ve a esos personajes disfrazados. Uno de ellos es Kirk Douglas. Nos enteramos de eso cerca del comienzo al verlo cambiarse de disfraz en un baño. Luego aparece a cara descubierta más tarde. Pero él también, por su reputación, hubiera sido mejor que permaneciera disfrazado. También podrían haberlo hecho Burt Lancaster, Tony Curtis, Robert Mitchum y Frank Sinatra. Cómo el Sr. Huston se mezcló en este engaño, esta "cacería de señuelos", es difícil de entender. (The New York Times del 30 de mayo de 1963)

Un error aún más dañino es la utilización de estrellas que se esconden detrás de caracterizaciones faciales en papeles fundamentalmente intrascendentes. De las cinco estrellas que son "invitadas", Kirk Douglas tiene la tarea principal y la lleva a cabo de manera colorida y creíble. Los otros son Tony Curtis, Burt Lancaster, Robert Mitchum y Frank Sinatra. Sólo Mitchum es fácilmente reconocible debajo del maquillaje facial. (Variety)

"The List of Adrian Messenger" es una de esas películas que funcionan mejor cuando lo único que sabes es quién está en ella y que es un misterio con asesinato. Cuando sabes algo más, pierde uno de sus trucos y, sin él, la resolución real del misterio no tiene suficiente garra para que realmente te atrape. (The Movie Scene)

Desafortunadamente, la historia de suspense se pierde en algún lugar a lo largo de la línea narrativa, pero la película liviana y burlona sigue siendo bastante buena y divertida de todos modos. Anthony Veiller adapta la novela de suspense de Philip MacDonald. El atractivo de las estrellas invitadas Tony Curtis, Kirk Douglas, Burt Lancaster, Robert Mitchum y Frank Sinatra, que aparecen disfrazados (maquillados por Bud Westmore) es irresistible, aunque es cierto que en realidad esto no ayuda a que la historia avance. Pero las digresiones entretenidas están bien. (Derek Winnert)

John Huston, después de Vidas rebeldes, se toma una especie de vacaciones para esta simpática película rodada en Irlanda donde hace acto de presencia. Su hijo Tony, en su único papel en el cine, tiene un papel más importante. El guión está bien elaborado y es un poco innovador, aunque a veces algo complejo. Una deliciosa película policiaca con suspense, un poco de humor y muy buenos actores. En la filmografía de Houston, está demasiado subestimada y olvidada. ¡Una película para rehabilitar! (Film Noir Movies)

El director, cuya pasión por la caza sigue siendo notoria, aprovecha la oportunidad para rodar en su propiedad irlandesa, con sus propios perros de caza. Escenifica así dos largas secuencias de caza del zorro e incluso juega un pequeño papel en ellas. (...) Por último, El Último de la lista defrauda, ​​con todas sus estrellas ocultas y que al final sólo anuncia un juego de engaños, una impostura... En definitiva, una mistificación como en un buen episodio de Scooby-Doo: con duplicidad y decadencia social, asesinatos y un enigma con cajones, un villano enmascarado y una leyenda, que el marqués de Gleneyre relata al final, con un matiz vagamente fantástico. Todos ellos ngredientes de los que Joseph Barbera y William Hanna no habrían renegado. (Thomas Roland en Culturopoing.com)

Estreno en Madrid 3 de febrero de 1964 en los cines Carlos III, Consulado y Roxy B; en Barcelona, el 28 de marzo de 1964 en el cine Fémina. 

Reparto: George C. Scott, Dana Wynter, Clive Brook, Herbert Marshall, Gladys Cooper, Marcel Dalio, Jacques Roux, Kirk Douglas, Tony Curtis, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Frank Sinatra.

Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977). Luis Buñuel

Durante un viaje en tren, de Sevilla a Madrid, el otoñal caballero Mathieu cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus infortunios amorosos con la bailarina Conchita. A partir de su primer encuentro en París, Conchita juega con la obsesión de Mathieu, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más furibundo.

Esta película tal vez no sea la mejor de Buñuel (muchos creen que sí) pero sin disputa sí es la más original, la más intrigante, la que atrae el interés del espectador más vivamente. Y es también, a nuestro juicio, la más divertida, la más fosforescente. En ella Buñuel se muestra más travieso que en sus últimos filmes, casi con un afán juvenil de bromear y divertirnos, como siguiendo las tapas de un juego picaresco y sutil. Algo así como una sátira que fuese también a la vez, un análisis psíquico, pero sin tomarlo nunca demasiado en serio. (A. Martínez Tomás en La Vanguardia del 9 de marzo de 1978) 

No cabe considerar “Ese oscuro objeto del deseo” como un Buñuel menor. Sus pretensiones son las de divertir, sin traicionar todo el complejo universo moral y social de Buñuel. Y eso lo consigue plenamente, insistiendo de otra manera en los temas habituales del realizador aragonés: en su visión de la burguesía, en su interpretación del poder, del dinero y de la justicia, burlándose de la vejez y de la impotencia, acaso conjurándolas. (Pedro Crespo en ABC del 19 de abril de 1978)

La última realización de Buñuel significó la plasmación de un viejo proyecto del director aragonés: la adaptación de la novela de Pierre Louys "La femme et le pantin". El resultado, que podría ser considerado como el testamento cinematográfico de su autor, viene a ser un compendio de sus obsesiones recurrentes, que ligan coherentemente con las del texto adaptado. (Fotogramas)

El surrealismo y el simbolismo con el que impregna siempre el autor aragonés sus historias dota de mayor impacto y extrañeza a la fascinante relación que motoriza el film, en esencia una comedia negra en donde se dan la mano la obsesión, el deseo, la frustración sexual, el fetichismo o el masoquismo emocional, que aleja al masoca en su autodestrucción de todo lo que le rodea, a pesar de que la normalidad sea alterada por ruidosas bombas. (Antonio Méndez en AlohaCriticón)

"Ese oscuro objeto del deseo" es mucho más abierta y surrealista de lo que he indicado, pero estos son placeres que uno debe descubrir por sí mismo. Intentar interpretarlos en este tipo de revisión sería tan grosero como revelar el final de un film de suspense. Sin embargo, le sugiero que tenga cuidado con un accesorio en particular. Es un saco de arpillera ordinario, pero aparentemente bien relleno, que el siempre bien arreglado Mathieu lleva consigo. Con una falta de esfuerzo no igualada por otro director actual, Buñuel crea una visión de un mundo tan lógica como un teorema, tan misteriosa como un sueño y tan divertida como una broma de vodevil. (Vincent Canby en The New York Times del 9 de octubre de 1977)

Y Buñuel, por supuesto, está ejerciendo su propio ingenio seco y totalmente original. Su película está llena de pequeños toques divertidos, con diminutas peculiaridades de comportamiento, con anarquía moral, con un cinismo sobre la naturaleza humana que de alguna manera parece, en sus manos, casi alegre. Su toque más obvio es quizás el mejor: para dramatizar la elusividad tentadora de Conchita, ha elegido a dos actrices para que la interpreten. De modo que justo cuando el pobre Mathieu casi ha seducido a una Conchita, la otra emerge del camerino. ¿Verter un balde de agua sobre su cabeza? Sí, imaginamos a Buñuel asintiendo sabiamente, un hombre fácilmente podría ser llevado a tal extremo. (Roger Ebert)

La historia que cuenta el personaje de Mathieu a través de esta puesta en abismo cinematográfica y el mundo que describe son manipulados por Conchita: el héroe es verdaderamente el “pelele” de esta mujer. Mathieu se desvanece cada vez más del mundo "real", especialmente desde el punto de vista físico: su cabello se vuelve gris, su tez se vuelve pálida. Todo se descompone a su alrededor, ya sea por efecto de las bombas o por la simple caída de un jarrón. Pero este derrumbe progresivo es finalmente contrarrestado por la secuencia que cierra la película: a través de los gestos de esta mujer que cose un tejido desgarrado, es el propio cineasta quien intenta, en un último gesto cinematográfico, reparar un mundo que estalla y que encuentra cada vez más difícil de entender. (Premiers plans Angers)

Último trabajo del cineasta, Cet Obscur Objet du Désir resulta ser la última película de una inmensa filmografía, que convoca la reflexión política, la comedia negra contra la burguesía y la jerarquía de las normas sociales, el surrealismo y el absurdo. Al evocar de nuevo la desacralización del amor y las relaciones afectivas (recordemos la terrible Viridiana de 1961), Buñuel regocija y divierte. Del suave sol que se proyecta sobre los troncos de las palmeras, sólo queda un deseo inalcanzable. (William Carlier en C'est quoi le cinéma?)

La idea del doble casting para un único papel chocó a mucha gente cuando se estrenó la película en 1977 (e incluso sirvió como argumento publicitario). Puede ser tanto un rasgo surrealista como una invitación a la interpretación que ofrece al espectador. Pero también podemos pensar que está destinado al mismísimo Mathieu. Porque lo más sorprendente, cuando se descubre la película, no es ver que un personaje cambia de intérprete de una escena a otra, sino que Mathieu nunca le presta atención, que su actitud, frente a la fría Bouquet o la sulfurosa Molina, no varía. Entonces quizás no sean tanto las mujeres las que son dobles como los ojos de los hombres que se niegan obstinadamente a ver su singularidad. Lo que dice mucho sobre su incapacidad para amarlas. (Matthieu Santelli en Critikat)

Película estrenada en Barcelona, el 6 de marzo de 1978 en el cine Alexandra; en Madrid, el 17 de abril de 1978 en los cines Paz y Richmond.

Reparto: Fernando Rey, Carole Bouquet, Angela Molina, Julien Bertheau, André Weber, Milena Vukotic, María Asquerino, Ellen Bahl, David Rocha.