Érase una vez en Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood, 2019). Quentin Tarantino

                                                  

Hollywood, años 60. La estrella de un western televisivo, Rick Dalton (DiCaprio), intenta amoldarse a los cambios del medio al mismo tiempo que su doble (Pitt). La vida de Dalton está ligada completamente a Hollywood, y es vecino de la joven y prometedora actriz y modelo Sharon Tate (Robbie) que acaba de casarse con el prestigioso director Roman Polanski.

Una historia tradicional de amistad viril, casi westerniana: DiCaprio y Pitt cabalgando juntos sobre cuatro ruedas en un paisaje fílmico que es idiosincrásicamente hollywoodiense e intrínseca, torrencialmente tarantiniano. Amor enfebrecido por las imágenes (puras, clásicas, sin infección digital), humor de diversa graduación, violencia feroz, rock a granel, ritmo vigoroso pero nunca acelerado y digresiones de toda índole: los diálogos entre DiCaprio y una niña que participa en un episodio de su serie, Sharon Tate contemplándose luminosa en una proyección pública de La mansión de los siete placeres o la jocosa pelea entre Pitt y Bruce Lee son algunas de esas escenas que marcan a fuego la filmografía de un gigante. Sales de ver Érase una vez en... Hollywood rebosante de felicidad y lamentando únicamente una cosa: que no dure una hora más. No hay elogio mayor. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 15 de agosto de 2019)

La película es radiante, chisposa (el momento Bruce Lee), pero también sórdida y maléfica (la visita al rancho Spahn, de Manson), y musical, potente, divertida y violenta, y contiene uno de esos giros postales al pasado, o a «lo pasado», que revientan de ingenio, músculo creativo y desvergüenza, pero en el mejor sentido de la palabra, de la intención. Ojalá la realidad, la vida, tuviera un demiurgo como lo tiene esta fascinante y fascinada película. (Oti Rodríguez Marchante en ABC del 16 de agosto de 2019)

Si en Los odiosos ocho (2015) uno podía tener la impresión de que Tarantino se embriagaba en exceso con la sonoridad envolvente de sus alambicados diálogos, aquí emerge otro cineasta (que es el mismo, pero más maduro y depurado, sin perder un ápice de su voluntad de juego). Confiarlo todo a la imagen, mirada, silencio y gesto como en la escena de Sharon Tate en el cine demuestra una contundente firmeza en este nuevo registro, en el que también se introduce una luminosa iconoclastia (el tratamiento de Bruce Lee) y se afina un sentido lúdico de la narración que logra cimas como la del encadenado de flashbacks mientras un personaje arregla una antena de televisión. Auténtico trabajo de amor (cinéfilo), Érase una vez… en Hollywood es una obra mayor, inagotable, esplendorosa. (Jordi Costa en El País del 16 de agosto de 2019)

En esta preciosa elegía dedicada a la amistad masculina –entre un Leonardo DiCaprio y un Brad Pitt cuya química supera expectativas– hay pocas secuencias climáticas. No hay muchos cineastas que sepan definir a un personaje mientras lo filman conduciendo o dando de comer al perro, sin otro objetivo que pasar un rato con él, y acompañarlo antes de que protagonice una set piece diseñada con el metrónomo en la mano. No hay, tampoco, muchas películas en las que uno se quedaría a vivir, por mucho que la familia Manson estuviera merodeando por los alrededores. Y esta es una de ellas. (Sergi Sánchez en Fotogramas)

En Cannes salimos todos de la sala dando tumbos, balbuceando, sin saber bien a qué aferrarnos. Había quien la odiaba. Había quien decía que era un Tarantino menor. Había quien no la había entendido. Había quien lleva su tristeza por mochila. Había quien había disfrutado en parte, o mejor dicho, por partes. Y luego estábamos los que lo habíamos pasado como si fuera una de las mejores orgías cinéfilas nunca vistas. Probablemente dicho entusiasmo madure y se asiente en un segundo revisionado pasado el huracán cannoise (algo habitual). Pero, hoy por hoy, déjenme decirles que ésta película es una absoluta obra maestra. (Alejandro G. Calvo en Sensacine)

Emocionantemente desenfrenada pero sólidamente elaborada, Érase una vez en Hollywood modera los impulsos provocativos de Tarantino con la claridad de la visión de un cineasta maduro. (Rotten Tomatoes)

Un paseo lento e indulgente por un pasado gloriosamente recreado, plácidamente hipnotizado por su propia nostalgia luminosa y de ritmo majestuoso. (Adam Nayman en Sight and Sound)

Como cabría esperar de las películas anteriores de Tarantino, ésta es violenta y tierna, además de terriblemente divertida. Sin embargo, este virtuoso ejemplo de narración también ofrece una intrincada reflexión sobre la omnipresencia de la violencia en la cultura popular. (Joe Morgenstern en Wall Street Journal)

Tarantino es un omnívoro de la cultura popular; no tiene necesidad de probarlo de nuevo. Esta película revela ambición pero se ahoga en el exceso. Érase una vez... en Hollywood es sólo un elaborado relleno de tiempo. (Leonard Maltin)

Tarantino ha creado una oda elegíaca a una época que solo ha experimentado a través de libros y películas. (Brian Tallerico en RogerEbert.com)

La fantasía estelar de Tarantino vincula la violencia de Hollywood y la época de Manson en el mejor y más explosivo cine que hemos visto en todo el año. Puedes sentir el loco amor de Tarantino por las películas en todo su deslumbramiento irrespetuoso y su arte subversivo en cada toma. (Peter Travers en Rolling Stone)

Un film que se encuentra en la extrema madurez del trabajo de Tarantino, combinando su narración irónica con un arte cinematográfico exquisito y actuaciones demoledoras de Brad Pitt y Leonardo DiCaprio. (Dave Calhoun en Time Out)

Que Tarantino se imagine a sus nerds molones salvando su mundo de fantasía, bien, pero que aparezca como el salvador del cine americano cuando cada vez tiene menos que decir, nos deja más que perplejos. (Joachim Lepastier en Cahiers du Cinéma)

No es la gran obra testamentaria que su título presagiaba, sino una película desigual, ligera, melancólica y a veces intensamente disfrutable. (Yann Tobin en Positif)

Una oda a Los Ángeles recreada en su esplendor vintage con infinito amor, sin recurrir a trucos digitales, salpicada de letreros y luces de neón en las fachadas de restaurantes y cines no necesariamente míticos [...], que Tarantino se complace en ver encenderse al anochecer, como tantos restos arqueológicos de esta ciudad que nació de la nada en un trozo de desierto poco después del final de la fiebre del oro. (Clélia Cohen en Libération)

Por eso, cuando las puertas de la villa se abren al amanecer, no debe haber revisionismo, ni consuelo, sólo la dolorosa evocación de lo que no es, de lo que ya no es, de lo que no fue. Una elegía. El sueño de una noche de verano, que deja un rastro de tristes arrepentimientos en el momento en que te despiertas. No, de verdad, no es un Tarantino como los demás. Y no, no estamos aquí para reírnos. (Guillaume Bonnet en Premiére)

Película estrenada en España el 15 de agosto de 2019.

Reparto: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Kurt Russell, Dakota Fanning, Damon Herriman.

The Italian Job (2003). F. Gary Gray

Una banda de ladrones liderada por un veterano (Donald Sutherland) se propone llevar a cabo un robo en Venecia planificado por el inteligente Charlie Croker (Mark Wahlberg), pero la banda es traicionada por uno de sus miembros. Para recuperar el botín, deciden dar un nuevo golpe, pero eso supone introducirse en el sistema de control de tráfico de Los Ángeles, manipularlo y crear el mayor atasco de la historia.

Remake de Un trabajo en Italia (The Italian Job, 1969), dirigida por Peter Collinson.

Constante tour de force en el que sólo se plantea de qué forma sorprender al respetable, el asunto se aguanta porque deja absolutamente claras sus intenciones, que no son otras que entretener al espectador y establecer con él el sempiterno juego de este tipo de películas: "Te voy a sorprender, tú lo sabes, y también sabes que lo conseguiré". (Casimiro Torreiro en El País del 26 de septiembre de 2003)

 “The italian job” es un electrizante thriller de atracos “hi-tech”, un híbrido de “Misión: imposible” y las aceleradas epopeyas de moda sobre cuatro ruedas (modelo “A todo gas”) que logra, trabajando con materiales de derribo, que no nos aburramos ni un minuto, tal es el grado de trepidación... (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 28 de septiembre de 2003)

Esa pulcritud narrativa, ese ir al grano en momentos donde muchos (me incluyo) nos quedamos en la paja hace de este nuevo film de F. Gary Gray el paradigma de elegancia vacilona, evasión sana y honesta de todo aquel cine-pasatiempo que quiere, antes que nada, ser cine. Y para qué negarlo: este es de muchísimos quilates. (Fausto Fernández en Fotogramas)

A diferencia de “El Planeta De Los Simios” o “La Verdad Sobre Charlie”, y a pesar de que la poca expresividad de Walhberg resulta casi imposible de superar, este remake no se manifiesta tan inane como los títulos citados ya que por lo menos, y aunque se aleje bastante de la película original en el concepto, escenario y tono, “The Italian Job” expone la capacidad de F. Gary Gray (“Diablo”) para conformar una cinta llena de estilo, ritmo y acción, con válidas escenas de persecución y el añadido placer de disfrutar con los Mini Cooper. (Antonio Méndez en AlohaCriticón)

A pesar de algunos elementos dudosos de la trama, The Italian Job logra ofrecer una versión moderna y entretenida de la película original de atracos de 1969, gracias a un elenco carismático. (Rotten Tomatoes)

Ofrece una diversión agradablemente sin sentido en la que los villanos (incluido Norton) son realmente villanos, la venganza es satisfactoria de una manera puramente infantil y la familiaridad de todo es extrañamente reconfortante. (Jonathan Rosenbaum)

Una película de volatines extrañamente satisfactoria aunque completamente absurda. (Andrew Sarris)

Es sólo una película con dos horas de escapismo sin sentido de un nivel profesional relativamente hábil. (Roger Ebert)

Con su sincronización impecable, su constante impulso cinético y sus secuencias de persecución magníficamente coreografiadas a través de los canales de Venecia y las calles de Los Ángeles, la película, dirigida por F. Gary Gray, se siente como un suave y emocionante descenso por una pista de esquí. (Stephen Holden en The New York Times de 29 de mayo de 2003)

Los hilos pueden ser aparentes, pero todo funciona con una facilidad arrogante. Tal vez un trabajo de falsificación, pero un trabajo brillante. (Mathieu Carratier en Première)

Una película que no revoluciona la historia del thriller pero que se presenta como una feliz alternativa a las superproducciones formateadas de nuestro tiempo. Trabajo artesanal, como nos gustaría ver más a menudo. (Jean-Luc Brunet en MCinéma.com)

Si la innegable falta de inspiración de las escenas de atracos o de presentación de los personajes revela cruelmente la ausencia de toda originalidad, es sobre todo el casting y la forma en que Gray lo aprehende, lo que resalta sus límites de estilista amable. (Guillaume Loison en Chronic'art.com)

Película estrenada en España el 26 de septiembre de 2003.

Reparto: Mark Wahlberg, Edward Norton, Charlize Theron, Seth Green, Jason Statham, Donald Sutherland.

Operación UNCLE (The Man From UNCLE, 2015). Guy Ritchie

 

 

Guerra fría, años 60. Narra las aventuras de dos agentes secretos que se parecen más de lo que creen: Napoleon Solo, de la CIA, e Illya Kuryakin, del KGB. Ambos se ven obligados a olvidar sus diferencias y formar un equipo cuya misión será poner fin a una misteriosa organización criminal internacional que pretende desestabilizar el frágil equilibrio de poder provocado por la proliferación de las armas nucleares. La hija de un científico alemán desaparecido es la clave para infiltrarse en la organización, encontrar al científico y evitar una catástrofe mundial. 

Historia de espías muy ligera, con una ejemplar escenificación y algunos momentos espléndidos de mucho colorido y acción. Lo bueno de Operación U.N.C.L.E. es que aspira a ser justo lo que es. Ni le sobra ni le falta. Sus aspiraciones son medianas, pero dentro de ello cumple con el papel que le corresponde. Ni es Bond, ni Bourne ni Ethan Hunt, pero es por eso que tiene su personalidad propia: elegancia junto a cierta aspereza y hacer confluir ambas personalidades hacia un objetivo común.(José Manuel Cuéllar en ABC del 14 de agosto de 2015)

El cineasta ha logrado algo infrecuente: un blockbuster con identidad, que se toma libertades con su referente de partida, paga el peaje de inventarles un pasado a sus héroes (pero evita en ello todo sobrepeso narrativo) y se pregunta una y otra vez cómo dotar de originalidad y distinción a cada una de sus escenas de acción. Brillante el modo en que Ritchie reformula una escena rutinaria (la huída en lancha) convirtiéndola en mero telón de fondo de un aparte epicúreo de Napoleon Solo. (Jordi Costa en El País del 14 de agosto de 2015)

Clásico enredo de guerra fría y petardos nucleares situado en la era Kennedy, el filme es una colorista y alada celebración de los felices sesenta, pop y bondiana hasta la médula, sofisticada en buena parte del desarrollo (Ritchie inesperadamente abducido por el Blake Edwards de La pantera rosa), de intriga bien tramada, con banda sonora tan ecléctica como un Tarantino y agradecidos toques de humor. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 14 de agosto de 2015)

Su compromiso con el espíritu de la época se traduce en un blockbuster más interesado en la réplica ingeniosa que en las set pieces explosivas. Trucos lúdicos con el tiempo cinematográfco y el clímax más sagaz de la temporada veraniega redondean la experiencia: ligera como una pompa de jabón, fascinante como un caleidoscopio. (Noel Ceballos en Fotogramas)

El film es un disfrute en la línea de los Sherlock Holmes de su director –qué diferente habría sido el asunto si llega a realizarlo su director original: Steven Soderbergh-, y aunque tenga más de un bandazo que haga chirriar toda la maquinaria compositiva que vehicula, en general la película destaca por su notoria frugalidad. La imagen impostada deviene refrescante, la violencia es más ligera que nunca –incluso se muestra en off, por momentos- y la comicidad acaba ganando enteros ante lo desprejuiciado del asunto. (Alejandro G. Calvo en Sensacine)

Operación U.N.C.L.E. intenta distraer la atención de una historia sin complicaciones con estrellas carismáticas y escenarios efervescentes, que se suman a un thriller de acción desigual con el estilo justo para superar su falta de sustancia. (Sensacine)

Guy Ritchie hace el tipo de películas agradables con mala reputación que son divertidas de ver hasta que dejan de serlo. (Manohla Dargis en The New York Times)

Una serie de televisión mohosa de la década de 1960 que llega a la pantalla sin una actualización o cambio de imagen como la de Mission: Impossible. Así es, todavía sigue mohosa, pero de una manera escapista, pura diversión retro. (Peter Travers en Rolling Stone)

Operación U.N.C.L.E. sólo es interesante y divertida de forma intermitente, y las partes de la película que tienen éxito también son frustrantes. (Glenn Kenny en RogerEbert.com)

Un Guy Ritchie inusualmente moderado ofrece entretenimiento sólido con un toque elegante, pero los protagonistas suaves y la química sin chisporroteo hacen que esta hábil adaptación televisiva de los años 60 sea olvidable. (Peter Debruge en Variety)

La película se presenta como una falsificación de muy bajo nivel del cine de espías con buena ropa, que ofrece secuencias de acción estancadas, emplea la parodia para esconder sus miserias en lugar de un verdadero trampolín cómico, junto con el uso de la música como un "parche" bastante vergonzoso. (Théo Ribeton en Les Inrockuptibles)

Acción, seducción, brío a todos los niveles: Guy Ritchie en su personalísima reinterpretación del clásico del cine de espías. (...) Un elenco increíble para una interpretación virtuosa. (Paris Match)

Guy Ritchie añade otro renglón a  la lista de los James Bond y otras películas de espías de los sesenta, pero se contenta con divertirse con el género, sin reinventarlo. Si su ingenio para crear impresionantes escenas de acción y su humor irónico siempre dieron en el blanco, su trama merecía más suspense. (Véronique Trouillet en L'Express)

Película estrenada en España el 14 de agosto de 2015. 

Reparto: Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Hugh Grant, Jared Harris, Luca Calvani, Guy Williams.

La jungla (Jungle, 2017). Greg McLean

 

Basada en hechos reales. A principios de la década de 1980, el joven aventurero israelí Yossi Ghinsberg viaja a Bolivia con la intención de viajar al corazón de la selva amazónica. Una vez allí, conoce a Marcus Stamm, un maestro de escuela suizo, y a su amigo Kevin Gale, un excursionista estadounidense y gran fotógrafo. Estando los tres alojados en un hostal de La Paz, Yossi conoce a un austriaco, Karl Ruprechter, que firma conocer la existencia de una tribu indígena en la jungla que los tres deberían ir a ver. Karl dice que conoce la jungla y que les puede acompañar. Yossi, emocionado por la perspectiva de conocer la jungla inexplorada y conocer tribus desconocidas, decide creerle. Regresa al hostal para convencer a Marcus y Kevin de que lo acompañen.

Daniel Radcliffe protagoniza Jungle con una actuación claramente comprometida, incluso si la película que lo rodea no siempre coincide con sus esfuerzos. (Rotten Tomatoes)

Como resultado, Jungle es extrañamente expansiva. Los primeros planos sugieren dos tipos de misterios, uno enorme, el otro invisible, y crean un interesante escalofrío acompañado por la narración directa. Una vez que los personajes se pierden, Jungle trata principalmente de las cosas específicas que deben hacerse de inmediato para garantizar la supervivencia. Pero al presentar a los personajes como abstracciones psicológicas, McLean hace que la historia parezca universal. Quiere que te preguntes si serías capaz de sobrevivir a una experiencia como ésta y si la supervivencia en circunstancias extremas es una cuestión de fuerza física o mental. (Ben Sachs en Chicago Reader)

Se podría haber dedicado más tiempo a desarrollar el vínculo entre los hombres, pero en última instancia, resulta bastante apasionante: un bromance lacrimógeno. Una cosa así no la ves todos los días. (Anna Smith en Time Out)

A pesar de sus muchos fallos obvios (diálogo inestable, diseño de sonido poco sutil, una fuerte tendencia a explicar visualmente ideas simples), la historia de Yossi tiene suficiente peso por sí sola para hacer de "Jungle" una película de supervivencia moderadamente convincente. La película pisa tierra firme cuando se basa únicamente en los peligros de la Amazonía, como en la mejor escena de la película cuando Yossi encuentra un parásito alojado en su frente y debe usar pinzas para extraerlo. Además, la situación de Yossi lo convierte en un protagonista fuerte y mantiene a la audiencia involucrada en su lucha por mantenerse con vida. A veces, una realidad convincente es todo lo que necesitas para hacer una buena ficción. (Vikram Murthi en RogerEbert.com)

A pesar de la considerable fisicidad de la película, con su impresionante cinematografía y la creíble desintegración total de Radcliffe, es más una película de supervivencia material que una profunda inmersión psicológica. Aún más desconcertante, la película termina con información que revela un misterio sin resolver más grande sobre ese viaje desafortunado, y de repente la supervivencia sin precedentes de Ghinsberg palidece en comparación con la otra película de suspense que comienza a desarrollarse en tu cabeza. (Robert Abele en Los Angeles Times)

A pesar de la dedicación demasiado obvia del Sr. Radcliffe (su cuerpo cada vez más demacrado, sorprendentemente, no fue mejorado digitalmente), no puede rescatar un guión (de Justin Monjo) que se preocupa más por la condición de su cuerpo que por el contenido de su cabeza. (Jeannette Catsoulis en The New York Times)

Jungle quizás se aprecia mejor como un himno a la voluntad de sobrevivir, aunque ese mensaje, como gran parte de la película, parece artificial. Incluso los eventos que ocurrieron en la vida real, como la decisión del grupo de separarse, parecen algorítmicos. (Luke Buckmaster en The Guardian)

Película estrenada en España directamente en DVD el 5 de abril de 2018.

Reparto: Daniel Radcliffe, Alex Russell, Thomas Kretschmann, Joel Jackson, Yasmin Kassim. 

El crimen de Pepe Conde (1946). José López Rubio

Pepe Conde, el antiguo criado de la aristocrática familia de Arco Luengo, es engañado por un marqués ocioso y bromista que contrata a un ilusionista para que se haga pasar por el diablo en presencia de ambos.

El personaje de Pepe Conde tiene su origen en un sainete en dos actos de Pedro Muñoz Seca y Pedro Pérez Fernández con música de Amadeo Vives, titulado Pepe Conde o el mentir de las estrellas. Fue estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 5 de enero de 1920. Fue adaptado a la pantalla en 1941 y dirigido por José López Rubio con Miguel Ligero y Pastora Peña como protagonistas. Su éxito fue tal, que en 1946 se produjo esta segunda parte o continuación, ya desligada de la obra original. 

José López Rubio ganó en 1946 la medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor argumento original por este film.

Para un realizador tan experto como José López Rubio, guionista de “Pepe Conde”, película que alcanzó larga permanencia en la pantalla, no cuenta el viejo refrán de “nunca segundas partes...”, pues en la prolongación de aquel film, exponente de las cualidades que concurren en López Rubio como animador y de las posibilidades cómicas de Miguel Ligero, siguen latentes a través del episodio de “El crimen de Pepe Conde”, todo el humorismo y vena cómica. (J.C.V. en ABC del 29 de octubre de 1946)  

José López Rubio, director de la cinta, ha sabido mover con cartera corrección planos y personajes, conjugando con habilidad el gracejo de los momentos cómicos con el perfil amable de la nota sentimental y cautivando la voluntad y la atención del auditorio con el chisporroteo ingenioso de una serie de bien trazados diálogos, donde constantemente bulle la sal y la pimienta con que su autor, Ramos de Castro, ha logrado substanciosamente aderezarlos. (F. González Serra en La Vanguardia del 25 de diciembre de 1946) 

El crimen de Pepe Conde, con argumento y dirección del siempre ocurrente López Rubio, alcanza un merecido éxito. (...) El hábil realizador demuestra una vez más que sabe perfectamente lo que el público desea. (Fernando Méndez Leite en Historia del cine español)

Película estrenada en Madrid el 28 de octubre de 1946 en los cines Calatravas y Paz; en Barcelona, el 24 de diciembre de 1946 en el cine Alarcón.

Reparto: Miguel Ligero, Antoñita Colomé, Jesús Tordesillas, Arturo Marín, Luis García Ortega, María Cañete, Fernando Fresno, Casimiro Hurtado.