Midnight Express (1978). Alan Parker

Billy Hayes (Brad Davis), un joven estadounidense, fue detenido en el aeropuerto de Estambul cuando se disponía a subir a un avión con varios paquetes de hachís. Acusado de uno de los delitos considerados más graves en Turquía, Billy es condenado a cuatro años de cárcel. En prisión sufrirá las atrocidades propias de un sistema penitenciario brutal e inhumano.

Formalmente, la película está bien resuelta y la interpretación revela, asimismo, los esfuerzos de los actores por incorporar sus personajes, poco creíbles todos ellos, más literarios que otra cosa, y que sirven más como pretexto para dar o recibir la violencia que como auténticos entes dramáticos. Por todo ello: por su equivocidad moral y por su repugnante brutalidad física “El expreso de medianoche” resulta una película desagradable, poco atractiva y bastante torpe. Aunque Alan Parker, su realizador, demuestre que sabe hacer un buen trabajo mecánico en cuanto a la planificación del filme. Pero éste toca demasiados puntos sensibles y lo hace sin destreza ni tacto. (Pedro Crespo en ABC del 19 de diciembre de 1978)

La dirección de Parker es perfecta y de ahí que el filme sea apasionante. Si Tom Gries nos convenció con “La casa de cristal”, Parker nos conmueve y nos acerca al problema con distintos toques de persuasión. Describe tanto la violencia como el proceso de desarrollo de la misma en prisión, con una reproducción de los hechos casi documental. Lo cual dice mucho tanto en lo que se refiere a la dirección como a la labor de Oliver Stone al adaptar la obra primitiva. (Ángeles Masó en La Vanguardia del 28 de diciembre de 1978)

"Fiel retrato de la desesperación. Desgarrado y efectista paseo por la desolación. Cuanto menos, un trabajo de impacto." (Luis Martínez: Diario El País)

Aunque el relato puramente genérico de superación y ansias de libertad es modélico y fiel al canon, la voluntad sensacionalista de Stone y Parker les llevó a modificar el libro de memorias de Hayes para añadir las cacareadas escenas de maltrato y violación por las que finalmente la película ha sido recordada. Anécdota epatante que no debería empañar la valía de un relato carcelario ejemplar. (Diana Albizu en Sensacine)

Parker logra convertir la prisión en un mundo completo, real y redondo, un microcosmos del comportamiento humano. (Roger Ebert)

Un estudiante universitario estadounidense (Brad Davis) capturado con marihuana es condenado a una prisión turca, y tanto el guionista Oliver Stone (adaptando libremente las memorias de Billy Hayes) como el director Alan Parker muestran su odio ideológico al dejar en claro que no podían dar dos alarmas al mismo tiempo: se podría hablar de cómo se trata a los prisioneros indígenas, pero todo lo que se supone que importa es la pornografía del sufrimiento soportado por un aseado joven estadounidense. Además de ofrecer una referencia cruzada interesante al último film de Stone Nacido el 4 de julio, es un melodrama efectivamente grandilocuente y automasoquista que podrías disfrutar si envías a tu cerebro de vacaciones. (Jonathan Rosenbaum)

Esta película contra las prisiones en general y contra la concepción de la justicia de los turcos, en particular, recurre a la antología de los peores clichés xenófobos y racistas. (Libération)

Hay en Midnight Express un espíritu xenófobo, por no decir racista, que hace que la película sea insoportable y peligrosa. (Jacques Siclier en Le Monde)

La puesta en escena de Alan Parker le da a la historia un relieve innegable, aunque los efectos dramáticos no son, tampoco de una impactante novedad. (Michel Marmin en Le Figaro)

Uno de los ejercicios de racismo más sibilinos que jamás se hayan producido, vendido además bajo la etiqueta del progresismo. La historia real de un norteamericano detenido en Turquía por tráfico de drogas se convierte en una pesadilla resuelta con un efectismo impactante pero digno de mejor causa, como siempre sucede en la obra de su director. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 18 de diciembre de 1978.

Título español: El expreso de medianoche.

Reparto: Brad Davis, John Hurt, Bo Hopkins, Irene Miracle, Randy Quaid, Paolo Bonacelli, Paul Smith.

El desconocido (2015). Dani de la Torre

Carlos, ejecutivo de banca, comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo del asiento y que dispone apenas de unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.

Alberto Marini, que en Mientras duermes, otro thriller, ya había demostrado cierta observación social alrededor de la lucha de clases, en aquella ocasión a través de los ojos de un portero de finca, ha escrito un artefacto que en manos de Dani de la Torre se vuelve irresistible por su manejo de la puesta en escena, de los tiempos, del montaje, de las reacciones, de las miradas, de los puntos de vista, de las mínimas pausas. (Javier Ocaña en El País)

Se hablaba en los festivales de «El desconocido» como un filme rápido, trepidante, con viveza en todos sus matices. Se han quedado cortos. Es una película voraz, tan angustiosa en momentos cumbres que convierte al espectador en una víctima encerrada en un atáud mínimo enterrado boca abajo, bloqueados en un ascensor enano atascado casi de por vida, tal es la sensación de indefensión que se produce. (José Manuel Cuellar en ABC)

De la Torre y Marini, además, cargan de contenido social El desconocido con un comentario sobre la deshumanizada, depredadora labor de la banca, que alude a las preferentes y hace cuestionar al respetable quién es el malo y quién el bueno de la película; es un apaño argumental un tanto ingenuo, aunque no resta fuerza a la ópera prima del realizador en tanto que obra de en­tretenimiento digna y bien fa­bricada. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia)

Estamos ante una película excelente durante sus dos primeros actos pese a no tener el mejor de los guiones, algo que acaba dañándola en un tramo final fallido, en especial cuando tiene que dar explicación a su potente premisa. (Mikel Zorrilla en Espinof)

Quizás se note la condición primeriza del realizador en el tramo final, que se alarga un poco más de lo necesario, quizás con algún diálogo un tanto reiterativo o innecesario. Pero este defecto no hace naufragar el conjunto, ni ensombrece el mérito de que El desconocido introduce equilibradas críticas al sector bancario, en relación con la actualidad, tratando de defender todas las posturas, y advierte de los riesgos de descuidar a la familia. En suma, cuenta con todas las papeletas para seducir al gran público. (Decine21)

El director gallego aprovecha para desplegar un riguroso ejercicio de tensión y suspense, en el que una ágil dirección y un preciso montaje impiden igualmente al espectador levantarse de la butaca. En definitiva, se trata de una propuesta de cine comercial de calidad, que puede mirar a la cara al referente hollywoodiense y que acerca a De la Torre a otros artesanos contemporáneos que ya marcaran la pauta, como el Daniel Monzón de Celda 211, con la que comparte algunas virtudes más allá del protagonismo estelar de Tosar. (Alberto Lechuga en Sensacine)

Pese a que el director de 'El desconocido' cite como referentes suyos a Michael Mann o Tony Scott, hay en la frenética aventura urbana de Luis Tosar algo de esas series B de bastantes años atrás. Puede que la culpa sea del guionista Alberto Marini, que ya convirtió a Tosar en un psicópata singular en 'Mientras duermes' (Jaume Balagueró, 2011), y que aquí se preocupa de que Dani de la Torre tenga una historia interesante que defender, más allá de sus conocimientos técnicos innegables y de su sentido del ritmo. ¿Ritmo y estética televisivos? Tampoco es eso. (Pere Vall en Fotogramas)

Película estrenada en España el 25 de septiembre de 2015.

Reparto: Luis Tosar, Goya Toledo, Javier Gutiérrez, Elvira Mínguez, Fernando Cayo, Paula del Río, Luis Zahera.

It Happened One Night (1934). Frank Capra

Ellie Andrews, una joven y caprichosa heredera, consigue escapar del yate de su padre, que la había encerrado para evitar su boda con un hombre poco recomendable. En el autobús que coge, con destino a Nueva York, conoce a Peter Warne, un simpático y atractivo reportero, que busca una buena historia. El azar y las circunstancias unirán a Ellie y a Peter en un accidentado y divertido viaje.

Frank Capra ha realizado con este film, una de sus más finas producciones; más acabadas, sobre todo. La historia, insistimos, es, simplemente, un diálogo, y no en su sentido escénico. Precisamente es esta particularidad lo que más admira del film. Los protagonistas no abandonan un solo momento el rayo de luz del objetivo; lo demás son fugas rapidísimas, captadas con precisión por la cámara, que más que correr, vuela. (J. Ruiz de Larios en La Vanguardia del 17 de octubre de 1934)

Suma de aciertos, cristalizados en una película de primerísima calidad, en la que se han acumulado las dificultades para vencerlas en un alarde de auténtico cinema. Capra, animador de tantos bellos films, hábil catador de los más diversos estilos, empieza a señalar su personalidad en este difícil género, que bajo su aparente frivolidad no excluye nunca la nota emotiva, conseguida con la mayor ternura y la más limpia trayectoria sentimental. Claudette Colbert y Clark Gable han logrado su mejor película. Perfectos de gesto, encuentran innumerables ocasiones para poner a prueba su talento en unos papeles que, por no abandonar en ningún momento el campo de la cámara, necesitan una flexibilidad y unos recursos escénicos que no habíamos sospechado en ninguno de los dos. De ahí la satisfacción con que registramos el hallazgo. Porque ni en ella ni él –áspero siempre- habíamos encontrado antes la justificación del prestigio que aureola sus nombres a través de la prensa norteamericana. (Antonio Barbero en ABC del 31 de octubre de 1934)

Estamos, por tanto, ante un film que combina (y de manera ejemplar) comedia romántica y comedia social gracias al magnífico guion de Robert Riskin y, sobre todo, a la habilidad de Capra para plasmar la realidad de las clases más populares a través de las vivencias, anhelos, alegrías y frustraciones del hombre corriente, verdadero protagonista de toda su filmografía (en palabra del propio Capra: “Me ocuparé de las dudas del hombre insignificante, de sus maldiciones, su pérdida de fe en sí mismo, en su semejante, en su Dios. Y mostraré la superación de las dudas, la valerosa renovación de la fe, y la convicción final de que puede y debe sobrevivir por sí mismo, y seguir siendo libre”). (Cinema esencial)

Con un ritmo muy dinámico “Sucedió una noche” resulta un título muy divertido y, aunque contemplado hoy en dia tiene un desenlace muy previsible, debido fundamentalmente a la cantidad de “sucesoras” que ha tenido, en su momento supuso un éxito arrollador de crítica y público, ya que, si no es la primera, es seguramente una de las primeras comedias románticas de la historia del cine, redonda en todos los aspectos,y muy recomendable sin duda alguna para tod@s l@s adict@s a este tipo de comedias, otra joya más en el haber del genio del sentimiento, el gran Frank Capra. (Inma del Moral en AlohaCriticón)

Esta comedia pertenece a un estilo que se puso de moda en los años 30, conocido con el nombre de screwball comedy. Una mezcla de acción, humor, amor y situaciones algo disparatadas, que entretienen al espectador desde el principio hasta el final. Con ella, Frank Capra consiguió un éxito enorme. Capra no abandona esa visión crítica velada de la sociedad norteamericana, mostrada siempre en un tono positivo y con un talante optimista. (Decine21)

Este es Capra en su mejor momento, muy divertido y muy ligero, con un mínimo de postura populista. (Dave Kehr)

Una de esas historias que sin una trama particularmente fuerte se logran a lo grande, debido a la actuación, el diálogo, las situaciones y la dirección. (Variety)

En lugar de intentar un estudio periodístico de viajes en autobús, regularmente puntuado por toques cómicos, el director Frank Capra y Robert Riskin, que adaptaron la historia de Samuel Hopkins Adams, fusionaron las dos cosas. (Time)

Es un lugar común decir que la grandeza de la comedia clásica de Hollywood proviene de su velocidad. Literalmente, ¿esta propiedad no le permite cruzar una distancia extraordinaria en poco tiempo? Sucedió una noche, en la medida en que empuja a su héroe a pisar una diferencia radical de clase, de fortuna, es tal vez la comedia de los años 30 que responde de manera más brillante a esta definición. (Critikat.com)

Una de las grandes comedias de su director, que consagró definitivamente a sus protagonistas. Proponía el viaje a través de los Estados Unidos de una rica heredera fugitiva y un periodista vividor. Las brillantes situaciones y el espíritu vitalista deparan un ejemplar espectáculo, donde la diversión no impide mostrar la realidad de un país en un momento histórico nada fácil. La película consiguió los cinco grandes premios en la gala de los Oscar del año 1935, Película, Director, Actriz, Actor y Guión. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 16 de octubre de 1934.

Título español: Sucedió una noche.

Reparto: Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns, Jameson Thomas, Ward Bond.

Saturday Night Fever (1977). John Badham

En Nueva York, después de trabajar toda la semana en una tienda de pinturas de Brooklyn, Tony Manero (John Travolta) se prepara esmeradamente para disfrutar de la noche del sábado en la disco: se empapa en colonia Brut, se pone una camisa de flores ajustada, pantalones de tela de gabardina y zapatos de plataforma. En la discoteca de moda, Tony deslumbrará a todos con lo que mejor sabe hacer: bailar.

Aunque la historia maneja estereotipos y es básica en sus conflictos… pugna entre pandilleros, prejuicios raciales, familia disfuncional, choque generacional, romance con diferencia social, inmigración… su exposición es dinámica, estilosa, intensa, agridulce. Utiliza con acierto sus escenarios urbanos; el retrato moral y cultural de una época es válido con empleo de contrastes; las coreografías son excelentes; y, aunque muchos de sus personajes se ventilan en pocos trazos, tiene interés la evolución del antihéroe central y, sobre sus acciones, la significación del instante, del efímero hedonismo, como fin o medio del “triunfo” social. (AlohaCriticón)

La parte dramática de la película, filmada con el estilo seco y contundente del cine de los setenta, le da una profundidad que ha hecho que el film sea interesante más allá del retrato sociológico que hace de un momento concreto en el tiempo, alternando dramatismo costumbrista con violencia seca, en una mezcla tonal y temática muy interesante; que queda algo supeditada en una visión superficial originada por su utilidad como cápsula temporal. (El cinéfago de la Laguna Negra)

Muy a menudo considerada como una simple película de baile como las que encontraremos en la década siguiente, SNF es principalmente una película que describe a los jóvenes italoamericanos de Brooklyn, nacidos de padres inmigrantes. No estamos lejos de Scorsese y sus primeras películas, como Who's That Knocking At My Door o Mean Streets. Esta es una comedia dramática. Donde los buenos sentimientos aparecerían al final en cualquier película banal, algunos se sorprenderán al ver que SNF termina con un final no feliz y bastante deprimente y realista que nos saca de la película con verdadera desesperación frente al destino del héroe, sin futuro, que permanece en suspenso. El muy interesante John Badham está felizmente detrás de la cámara. Esta película fue una muy buena sorpresa. Una película que sigue siendo principalmente un drama muy realista, muy enraizado en su década, muy desencantado (como Rocky), incluso si sigue siendo para el público (con razón, de todos modos) una referencia en las películas de discoteca. Travolta también está excelente en la película, y no sólo por su talento para el baile, sino especialmente porque nos da aquí una actuación extraordinaria. (Clarence182 en Allocine)

El ritmo de la película y los movimientos de la cámara así como las propias interpretaciones de los personajes, están directamente influenciados por su banda sonora, son su prolongación plástica, más que su interpretación. (...) John Badham sirve las imágenes del filme con un ejemplar sentido artesanal de la subordinación a la música, como vehículo de comunicación entre las canciones, Travolta y el público, sin permitirse ninguna concesión artística, logrando un producto sumamente comercial, de indiscutible impacto juvenil. (Pedro Crespo en ABC del 27 de abril de 1978)

"El modo en que 'Saturday Night Fever' fue dirigida y filmada hace que sintamos la atracción de la discoteca, y su brillo transformador. Con algunas de las escenas de baile pop más hipnóticamente bellas jamás filmadas (...) Travolta se mete tan dentro del papel que parece incapaz de dar una nota falsa (...) 'Saturday Night Fever' transmite algo profundamente romántico: la necesidad de moverse, de bailar y de ser quien quieras ser. El Nirvana es el baile: cuando la música se detiene, vuelves a ser normal." (Pauline Kael)

"La música y las escenas de baile son deslumbrantes (...) la cámara ocupa la pista de baile tan bien que realmente entendemos el atractivo por el mundo de la disco, a pesar del vacío y la crueldad que los personajes encuentran allí. (...)" (Roger Ebert)

La efímera consagración de John Travolta se produjo a través de este film, que suponía algo así como la mitificación de las discotecas consideradas como objetivos vitales. La mísera odisea de su protagonista, que basaba sus aspiraciones de ascensión social en el éxito como bailarín, sería repetida en infinidad de productos similares. Su ínfima entidad moral no impide que posea cierta habilidad formal. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 19 de abril de 1978.

Título español: Fiebre del sábado noche.

Reparto: John Travolta, Karen Lynn Gorney, Val Bisoglio, Donna Pescow, Martin Shakar, Joseph Cali, Julie Bovasso, Sam Coppola.

Den skaldede frisør (Love Is All You Need) (2012). Susanne Bier

Dos familias se reúnen en la localidad italiana de Sorrento para asistir a una boda. Philip, un hombre de negocios dedicado a la venta de verduras, e Ida, una mujer enferma de cáncer que ha perdido el pelo y ha dejado a su marido son los protagonistas.

"La trivialidad, que podría ser su cara más reprochable, es precisamente lo que le otorga a esta película su envoltorio más encantador (...) Una comedia amable que no oculta su dureza ni se avergüenza de sus ternuras." (Oti Rodríguez Marchante en ABC)

Si las últimas películas de Susanne Bier eran melodramas para espectadores que jamás reconocerían necesitar un culebrón, Amor es todo lo que necesitas es una purísima comedia romántica para quienes afirman repudiar a Jennifer Anniston o a Sandra Bullock sin asumir que necesitan la droga sentimental que ambas divas suministran. Pero sería injusto negar que la (mecánica) trama del último trabajo de Susanne Bier se levanta, esquivando el peligro de los arquetipos, sobre un reconocible —y sensible— material humano: la escena en la que Pierce Brosnan cubre el cuerpo desnudo, recorrido por las huellas de la lucha con su enfermedad, de la Dyrholm no es el tipo de material que uno encuentra en una comedia romántica al uso. (Jordi Costa en El País)

"El principal problema: lo previsible y gastados que lucen cada uno de los resignados argumentos. Eso sí, la gracia con la que están dibujados los personajes ayuda." (Luis Martínez en El Mundo)

La película se plantea, desde su misma gama cromática, como apuesta vitalista por un sentimiento entendido como valor absoluto, como algo, en definitiva, más poderoso que la razón.

Bier no transgrede el género, pero sí que coloca en su centro algo desgraciadamente poco habitual: vida y verdad, encarnada en esa Trina Dyrholm que es personaje orgánico y matizado y no arquetipo. El buen timing cómico que la Bier revela con el eficaz plano de un Pierce Brosnan contemplando sus patillas en el retrovisor o el enervante personaje que compone Paprika Steen, una veterana del Dogma, demuestran que a la cineasta danesa no le ha sentado del todo mal probarse este traje ligero tras tanto melodrama. (Jordi Costa en Fotogramas)

Al final, la sensación es pareja a la encontrada en otros films de la directora: ella y su guionista están tan ensimismados en añadir puntos de conflicto al guión que se olvidan de los personajes. Eso importa menos cuando se juega con caricaturas (la tía egocéntrica y neurótica de la genial Paprika Steen, otra actriz formada en la escuela Von Trier-Vinterberg), pero resta todo atisbo de naturalidad a la historia de romanticismo terapéutico principal. Que, sin embargo, en última instancia puede concluirse que funciona. Pero más por el esforzado trabajo de un cuidado reparto y los clichés con los que el espectador va reencontrándose que por un trabajo cinematográfico preciso. (Daniel Partearroyo en Sensacine)

Sin ser una de sus películas más intensas, ‘Amor es todo lo que necesitas’ resulta un film muy bien mesurado que sabe condensar momentos divertidos con una realidad dramática, en un relato sobre segundas oportunidades. Una cinta verdaderamente agradable y auténtica, con historias de amor más cercanas y alejadas del estereotipo de pareja joven que se enamora, para mostrar unos personajes genuinos a los que la vida empuja a cambiar. (Miriam Figueras en Espinof)

Aunque logra hacer reír en ocasiones, tiene un trasfondo de drama que da pie a la reflexión sobre las relaciones familiares, la enfermedad, la infidelidad y la necesidad del amor. Viene a ser como si la realizadora quisiera demostrar que su dominio de la realización da de sobra para rodar secuencias de comedia, pero no desea olvidar que la vida también es trágica. (Decine21)

Lo que es notable es cómo la película de la Sra. Bier, en danés e inglés, encuentra belleza en sus momentos tranquilos, que son muchos y cercanos. (Joe Morgenstern en Wall Street Journal)

La puesta en escena lucha por encontrar su ritmo y su forma. (Pierre Eisenreich en Positif)

Una comedia romántica conmovedora, bellamente escrita y finamente interpretada. (Sandrine Marques en Le Monde)

Película estrenada en España el 21 de diciembre de 2012.

Título español: Amor es todo lo que necesitas.

Reparto: Trine Dyrholm, Pierce Brosnan, Kim Bodnia, Paprika Steen, Sebastian Jessen, Molly Blixt Egelind.