Army of Darkness (1992). Sam Raimi

Inglaterra, siglo XIII. Las fuerzas del Mal ejercen su reinado en la Edad Media. Valerosos caballeros se disponen a entrar en desigual batalla, mientras los atemorizados campesinos se refugian tras los muros del castillo. Todo cambia con la inesperada llegada de un nuevo héroe, provisto de sofisticadas armas y que dice provenir del siglo XX.

Tercera parte de la trilogía Evil Dead.

La película fue producida a inicios de 1989 y se rodó en el año de 1991 en distintos lugares de California. Contó con un presupuesto de 11 millones de dolares, que fue invertido mayoritariamente en marionetas, numerosos actores, maquillaje y efectos especiales. El estreno de la película se retrasó hasta 1993 debido a dos conflictos por parte de Universal Studios, que estaba peleando con Dino De Laurentiis Communications por los derechos del personaje cinematográfico de Hannibal Lecter, y al mismo tiempo porque Universal no quería que fuese una película de terror, sino una película de acción, obligando a Sam Raimi a que cambiara varios elementos que él quería colocar; esto, más el retraso de su estreno, provocó la frustración de Raimi con la compañía.

La duración vuelve a ser de unos ajustados 80 minutos, ideal para el disfrute pleno de este tipo de productos sin mayores pretensiones, aunque es en los últimos cuarenta donde el relato se hace más interesante, pues Ash desata de forma divertida a esos ejércitos de las tinieblas a los que hace referencia el título y la locura se desata en forma de batalla, con ese asalto al castillo, que sin ser la batalla del abismo de Helm, es una secuencia de acción muy bien rodada, bien montada y de gran ritmo. Hasta entonces es una película de altibajos que no llega a enganchar del todo pese a contar con grandes momentos, hoy ya míticos. Como curiosidad comentar que la película llegó a estrenarse con dos finales, el segundo, mucho más apocalíptico, podréis encontrarlo en el DVD. (Cinemascomics)

Bruce Campbell es la película. Un verdadero dibujo animado, que en nada debe envidiar al gran Jim Carrey, una fuerza de la naturaleza capaz de combinar la ruindad y la mezquindad con la nobleza y la valentía, sin perder el sentido del humor, desdoblándose en el malvado Ash que comanda a los muertos, siendo el artífice de que la tercera y última parte de la película (la más endeble de ritmo, ideas e imágenes) se sostenga algo mejor. Raimi pone lo mejor de su parte, con algunas imágenes pesadillescas, pero a los arrolladores primeros minutos les sustituyen unos últimos mucho menos interesantes. No importa, nos lo hemos pasado en grande. (Adrián Massanet en Espinof)

Estamos pues ante una aventura colosal, divertidísima, que no se toma en serio a sí misma, ni falta que hace, con cientos de referencias a la cultura “pop” y que supo convertirse, ella misma, en una referencia para muchos otros. Ideal para niños que quieren hacerse grandes y grandes que quieren volver a ser niños. Puro cine de entretenimiento. (Enrique Dueñas en El cine en la sombra)

'El ejército de las tinieblas' rezuma puro encanto camp. Está llena de aventuras y explota el humor que el director ya había introducido en las dos partes anteriores.  Para el recuerdo, queda la escena de Ash luchando contra un ejército de esqueletos, todo un homenaje al maestro de los efectos especiales Ray Harryhausen. (Virginia Montes en Sensacine)

Es diversión al viejo estilo hasta la batalla del clímax, que aparece como un rutinario apilamiento de huesos después de todos los vuelos de la fantasía. (Jonathan Rosenbaum)

El "Ejército de las Tinieblas" de Sam Raimi es una parodia hiperventilada de  las películas de terror y guerra medieval, tan llena de acción que a veces parece menos una película que un entrenamiento cardiovascular para sus estrellas. (Roger Ebert)

Sam Raimi nunca antes había hecho una película completamente redonda, pero Army of Darkness supera sus esfuerzos anteriores por pura extravagancia. Aquellos a los que les gusta este tipo de cosas (mucha acción y gore, diálogo tonto, actuación exagerada y una burla autorreferencial que impregna todos los ochenta y un minutos) les encantará esta película. Cualquiera que prefiera una película más "tradicional" probablemente hará mejor manteniéndose alejado. Por otra parte, nunca se sabe ..
(James Berardinelli)
 
Película estrenada es España el 30 de julio de 1993.

Título español: El ejército de las tinieblas.

Reparto: Bruce Campbell, Embeth Davidtz, Marcus Gilbert, Ian Abercrombie, Richard Grove, Bridget Fonda.

The Ghost Writer (2010). Roman Polanski

Un escritor (McGregor) acepta a regañadientes el encargo de terminar las memorias del primer ministro británico Lang (Pierce Brosnan), tras la muerte de la persona que lo estaba haciendo. Para ello, se instala en una isla de la costa este de Estados Unidos. Al día siguiente de su llegada, un exministro acusa a Lang de autorizar la captura ilegal de presuntos terroristas y su entrega a la CIA, hechos que constituirían un crimen de guerra. El escándalo atrae a periodistas y manifestantes a la mansión donde se alojan Lang, su mujer (Olivia Williams) y su ayudante personal (Kim Cattrall).

"Un relato plagado de suspense, humor cáustico, alérgico a los tópicos, imprevisible, malicioso, con poderío visual y diálogos mordaces, en el que no sobra ni falta nada." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Polanski traduce con solvencia y talento la intriga de esta historia que se retuerce de forma turbadora (...) Todos los actores comprenden sus personajes y los interpretan notablemente." (Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC)

La base literaria de ‘El escritor (The Ghost Writer)’ sirve a Polanski para hacer lo que le motiva, que no coincide con las intenciones del novelista. Si se busca en la película un transcurso de thriller político conspirativo, la experiencia será insatisfactoria y se verá interrumpida, antes casi de haber despegado, con un brusco final. Si se trata de ver, sin embargo, el espíritu del director, reflejado en la opresión y el encierro, o un retrato de interesantes personajes; todo, incluso esa conclusión precipitada, cobrará sentido para componer una propuesta que, si bien no está entre las mejores de Polanski, no carece de ninguna de las constantes que hacen su cine tan fascinante. (Beatriz Maldivia en Espinof)

Polanski ha resumido todo el filme, toda la inutilidad de un trabajo, la imposibilidad de sacar a la luz lo que el público no debe saber, en estos planos finales perfectos, elocuentes. No se sabrá nada, no queda nada, los grandes poderes han dictado un veredicto. Ellos seguirán existiendo, ordenando, utilizado a hombres inexistentes para que, al fin y al cabo, sean los depositarios, sin saberlo, de su trasfondo político. (Adolfo Bellido López en Encadenados)

Muy por encima de la posterior e histérica ‘Un Dios salvaje', ‘El escritor' pone de manifiesto el inmenso talento de Roman Polanski a través de un thriller de apariencia convencional que acaba desplegando una apasionante intriga sobre los lados oscuros del poder y de la política contemporánea. La película cuenta con un punto de partida muy hitchcockiano, un hombre común se ve convertido de forma inesperada en investigador de una trama criminal, que Polanski traslada a uno de sus habituales ambientes claustrofóbicos: la isla de Martha's Vineyard, un paisaje de sofisticada frialdad donde se refugia el ex primer ministro británico para el que trabaja el protagonista. ‘El escritor' no solo encuentra ese difícil equilibro entre el buen cine de género y el comentario certero sobre las intrigas que mueve la política de altos vuelos sino que, con esa pizca añadida de elegante comicidad, es una de las pocas películas contemporáneas que pueden permitir citar el cine de Alfred Hitchcock sin que el maestro se revuelva en su tumba. (Eulàlia Iglesias en Sensacine)

La cinta exhibe con rigor y contundencia un suspense mayúsculo que en muchos lugares comunes ─tramas conspiratorias, aislamiento de los personajes, entornos opresivos─ encaja con títulos clave de la filmografía del realizador, abiertamente crítico pero solapadamente capaz de seducir al espectador con la libertad de sus interpretaciones; ambientada en unos imposibles Estados Unidos, sostenida por un reparto sencillamente brillante en sus registros y elecciones ─Kim Catrall, Olivia Williams, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, un chocante James Belushi o el eterno Eli Wallach─, y mimada por una palpitante banda sonora del ya imprescindible Alexandre Desplat, “El escritor (The ghost writer)” baila con delicadeza una danza de dobles lecturas, de trampas lógicas, de sinsabores vitales ocultos en caracteres férreos. Y abofetea nuestra percepción de la ficción con un velo de alucinación fascinante y sostenido que dibuja en el palco la sonrisa de la más gruesa de las ironías. Polanski sigue en forma. (José Arce en La butaca)

"Atractiva, fluida y convincente (...) Polanski, a sus 76 años, recuerda a los directores del pasado que destacaron por su artesanía, no por sus trucos." (Roger Ebert)

The Ghost Writer es un recordatorio de que, independientemente de sus problemas en la vida real, Roman Polanski todavía puede crear fascinantes thrillers. (James Berardinelli)

Mucho más inteligente que una simple acción de denuncia, es un compendio de la descomposición de lo Humano, gobernada casi exclusivamente por la guerra. (Jean-Sébastien Chauvin en Cahiers du Cinéma)

Este thriller obviamente seduce por su aspecto lúdico (...) Este trasfondo de política contemporánea (...) rinde homenaje a los clásicos de Alfred Hitchcock y Fritz Lang. (Pierre Eisenreich en Positif)

Sobre todas las cosas, El Escritor es una película sobre el aislamiento. En sus planos no hay ninguna diferencia entre el interior y el exterior: la playa inhóspita y el mar de invierno que se recortan en los ventanales de la casa de Adam Lang carecen de profundidad de campo, son trampantojos ilusorios que se ponen al mismo nivel que la fría decoración de esa mansión que es también una cárcel. El Fantasma sin Pasado que es representación vicaria del espectador en la ficción se mueve, huye, busca, pero no hace más que viajar de cárcel en cárcel sin darse cuenta de que está predestinado a desaparecer del mundo en un elegante fuera de campo que es toda una declaración de principios. Es así como Polanski se anticipa, una vez más, a su propia vida, y 'El Escritor' se transforma en un hermoso documental sobre el linchamiento de un cineasta vidente. (Sergi Sánchez en Fotogramas)

Película estrenada en España el 26 de marzo de 2010.

Título español: El escritor.

Reparto: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall, Olivia Williams, John Bernthal, Robert Pugh, Timothy Hutton, Tom Wilkinson, Eli Wallach, James Belushi.

Rear Window (1954). Alfred Hitchcock

Un reportero fotográfico (Stewart) se ve obligado a permanecer en reposo con una pierna escayolada. A pesar de la compañía de su novia (Kelly) y de su enfermera (Ritter), procura escapar al tedio observando desde la ventana de su apartamento con unos prismáticos lo que ocurre en las viviendas de enfrente. Debido a una serie de extrañas circunstancias empieza a sospechar de un vecino cuya mujer ha desaparecido.

La ventana del apartamento es una segunda pantalla de cine en la que el Jeff ejerce como espectador (y, como todo espectador, tiene una marcada actitud de voyeur) de las distintas historias que se le presentan, fragmentadas y simultáneas (modernidad absoluta), en los pisos de sus vecinos. Hasta que una de ellas, la perteneciente al género predilecto del maestro, la criminal, se cuela en su mente y él, el pobre Jeff, empieza a no ser capaz de diferenciar entre ficción y realidad, invención y asesinato. Una de las películas más bonitas (y, a su modo, oscura) sobre el cine que se pueden haber concebido.(Diana Albizu en Sensacine)

Una obra maestra por la que no ha pasado ni un ápice de tiempo, poderoso juego cinematográfico con un crescendo dramático tan conseguido que sus momentos de tensión —el plano antes comentado o el clímax del relato— funcionan a la perfección siempre. Y un plano final que particularmente me parece glorioso. Lisa cambiando su libro de viajes por una revista de moda cuando Jeff, escayolado de dos piernas, se queda dormido. La verdadera belleza y el poder son femeninos. (Alberto Abuín en Espinof)

"Hay principios de películas –escribe José María Latorre– que marcan indeleblemente, y la obra de Alfred Hitchcock es pródiga en tales principios. Quizá el de La ventana indiscreta sea uno de los más memorables. Estamos ante un ventanal de tres cuerpos provistos de sus correspondientes persianas. Durante los títulos de crédito, cada una de las persianas va subiendo lentamente, una después de otra, hasta mostrar la fachada interior de un edificio, con sus ventanas y balcones. La cámara se aproxima despacio al cuerpo central de la ventana y hace un primer recorrido superficial por el patio de la comunidad que termina con un primer plano de Jeff (James Stewart) dormido y sudoroso. Sigue un inserto del termómetro indicando que la temperatura es, en efecto, elevadísima. (...) Sin una sola palabra de diálogo, Hitchcock nos ha dado ya muchos datos sobre el personaje, así como sobre la comunidad en la que vive".

 La tensa narración hitchcockiana con una puesta en escena en un reducido espacio, la magnífica utilización del tempo como expositor de la situación de suspense o la brillante fotografía de Robert Burks hacen de este título uno de los mejores trabajos del autor inglés. (AlohaCriticón)

"Impecable realización (...) Toda una lección cinematográfica." (Fernando Morales: Diario El País)

"Este nivel de peligro y suspense está tan por encima de las emociones baratas del slasher moderno que 'La ventana indiscreta', prevista como entretenimiento en 1954, se revela ahora como arte." (Roger Ebert)

"Un ejercicio tenso y emocionante (...) expone muchas facetas de la soledad de la vida de ciudad y tácitamente demuestra el impulso por la curiosidad morbosa."  (Bosley Crowther: The New York Times)

Es una obra impresionante. La ventana indiscreta es sin duda la película más exquisitamente artesanal de su autor, porque Hitchcock domina las coordenadas espaciales y de comportamiento de su universo elegido pulgada a pulgada. (Jonathan Rosenbaum)

En verdad, La ventana indiscreta presenta un centro inmediato de interés: (...) que es en sí mismo suficiente para hacerla encajar en la categoría de las obras serias, más allá del mero entretenimiento policial. (Claude Chabrol en Cahiers du Cinéma)

Nada de nuevo. Los héroes, siempre iguales, son igualmente repulsivos, y sus situaciones, siempre las mismas, son perpetuamente dudosas. (Louis Seguin en Positif)

Adaptación de un relato de Cornell Woolrich, convertido en un apasionante ejercicio que toma la mirada como constante referencia. Con talante de "voyeur", Hitchcock articuló una historia cuyo protagonista es el simple testigo de una realidad más o menos cercana. Al margen de su mecánica, milimetrada hasta la perfección, reflexiona sobre su propia condición. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 5 de octubre de 1955.

Título español: La ventana indiscreta.

Reparto: James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Thelma Ritter, Raymond Burr.

Paycheck (2003). John Woo

Michael Jennings (Ben Affleck) es un ingeniero brillante y muy bien pagado que realiza importantes proyectos para una empresa de alta tecnología. Cada vez que termina un trabajo se lo borran de la memoria para que no pueda divulgarlo. Jennings espera ganar 90 millones de dólares por su último proyecto, en el que ha invertido tres años de trabajo. Sin embargo, en esta ocasión ni siquiera le pagan, aunque vuelven a borrarle la memoria. Con la ayuda de su compañera y amante Rachel (Uma Thurman), tratará de averiguar qué ha sucedido durante todo ese tiempo del que no recuerda nada.

"Hay que reconocerle la limpieza de su ejecución, un vehículo para pasar un buen rato con una acción sin pausas (...) Es directa como un puñetazo, elegante como todas las de Woo, y también, en ocasiones, un poco pasada de rosca. Es una recomendación segura para los amantes del cine de aventuras." (M. Torreiro: Diario El País)

 

"El filme es de acción casi a secas y se le ha añadido un toque intelectual que puede despertar la admiración o hundir en el aburrimiento. En cierto sentido, 'Paycheck' es una versión superficial y monótona de 'Con la muerte en los talones'. El trabajo de John Woo es competente en sus límites." (Manolo Marinero: Diario El Mundo)

 

Lo mejor de todo es el oficio del director, haciendo una película muy efectiva, sin grandes aspavientos, pero que gana con el tiempo por su sencillez y por sus pocas ambiciones. De esas que con el tiempo termina convertida en una pequeña cinta de culto. (Miguel Blanco en Sensacine)

“Paycheck” no es una completa pérdida de tiempo. Su idea central y algunos momentos de su desarrollo resultan de interés, aunque su ejecución general sea simplemente correcta. No llega a aburrir, pero decepciona por sus escasas ambiciones conceptuales y el potencial desaprovechado por productores y director al empeñarse en vestir a la historia de Dick de lo que nunca debió ser: una película de acción. (Manuel Rodríguez Yagüe en Un universo de ciencia ficción)

 

"Comienza con una idea interesante de Philip K. Dick, y el argumento explota su potencial en lo que a acción se refiere, pero realmente nunca llega a desarrollarla. Hay un sinnúmero de posibilidades fascinantes involucradas en la historia, y estoy triste porque las que ocupan el lugar más alto en la mente del realizador son la oportunidad de tener escenas de persecución y hacer explotar cosas realmente buenas." (Roger Ebert)

 

Paycheck es tan mala que puede convencer a algunos cinéfilos de no ir a otra película sólo porque fue dirigida por John Woo. (James Berardinelli)

 

Un pequeño tema para John Woo (...), pero una gran lección de puesta en escena. (Yannick Dahan en Positif)

En Paycheck, Woo paga al contado su ligereza. Llega a un punto en que la caricatura misma desaparece (...) para dejar sitio a un puro producto de serie. (Stéphane Delorme en Cahiers du Cinéma)

A pesar de una excelente idea inicial, una vez más tomada del autor de ciencia ficción Philip K. Dick, la aventura de Paycheck se empantana en la pesadez visual y las inconsistencias del guión. (Stéphane Benaïm en L'Ecran Fantastique)

Película estrenada en España el 23 de enero de 2004.

Reparto: Ben Affleck, Aaron Eckhart, Uma Thurman, Paul Giamatti, Colm Feore, Joe Morton, Ivana Milicevic.

The Magnificent Ambersons (1942). Orson Welles

A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella.

"Maravillosa película, en la que Orson Welles no fue el responsable del montaje final, manipulado por la productora RKO con cortes y añadidos no previstos por el autor. Las imágenes de Welles son tan fascinantes que, aún así, quedó intacta la magia de esta reflexión acerca de la decadencia de la aristocracia, la aparición del progreso en una sociedad anquilosada y la ascensión de una nueva estructura social." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Así describe Welles su impresión al ver la versión final de su obra, reducida a los 88 minutos de su metraje definitivo: "Fue muy desagradable. Hubiera sido más feliz sabiendo de oídas sin conocer personalmente lo que habían hecho con ella. Durante cinco o seis rollos las cosas no fueron tan malas. ‘Bien -pensé-, la cosa no está tan mal. No han hecho demasiados estropicios, sólo unos pocos pequeños cortes estúpidos.’ Y entonces se abrió el infierno..." (Ciudadano Welles, Peter Bogdanovich, citado por David Vericat en Cinema esencial)

Una de las ideas en que Welles insistía más en el guión y que se eliminaron del montaje final era el progreso tecnológico que acaba destruyendo y contaminando el entorno. Nadie quería mensajes tecnófobos en los años 40. También se eliminaron detalles sobre las causas exactas que arruinan la familia, de modo que esta subtrama aparece de forma algo precipitada. Peor aún, destruyeron la evolución en el tono de la película que Welles había perfilado con sumo cuidado: esa melancolía inicial en forma de amable nostalgia que se acababa volviendo más amarga hasta oscurecerse, de ese bonito recuerdo de los tiempos pasados al presente oscuro caracterizado por la decadencia de los Amberson y la invasión del automóvil. (El gabinete del doctor Mabuse)

Los Amberson trata de oportunidades perdidas, de lo que pudo ser. Todo está cambiando y cada cambio es señal de que el mundo se aleja irremediablemente de lo que fuimos porque lo que fuimos está fijo en el tiempo. Eugene dice en el baile: “Los viejos tiempos no existen. El pasado está muerto. ¡Sólo hay tiempos nuevos!”, pero ni el resto de los protagonistas –salvo acaso su hija– ni la película misma parecen compartir esa visión optimista. (Alonso Ruvalcaba en Letras libres)

La penetrante, agridulce historia decimonónica de amores imposibles, intensos vínculos familiares (con una hipnótica relación entre tía y sobrino), abolengo y decadencia aristocrática, cambios de época y actitudes, progreso humano y emocional… a la que Welles otorga su abigarrada mirada cinematográfica, está dotada de una complejidad en la composición de escenas, un soberbio uso de la profundidad de campo, un extraordinario manejo narrativo del espacio, una revolucionaria utilización del sonido, una fascinante y expresionista disposición atmosférica, un poderío formal en sus encuadres, un arrebatador dibujo de personajes, una perfecta dirección de actores…. (Antonio Méndez en AlohaCriticón)

Incluso en su forma truncada es increíble y memorable. (Pauline Kael)

Al contar esta historia, vacilante y torpemente, la película va de gravosa a pesada y de aburrida a mala. Tartamudea y tropieza cuando Welles sumerge la historia de Tarkington en un desastre de radio y técnica escénica. (Manny Farber)

El sentido emocional de América a fines del siglo XIX y principios del XX es tan palpable que puedes saborearlo. (Jonathan Rosenbaum)

Debo decir que la prefiero a Citizen Kane (1941). Entonces ya podéis demandarme. (Andrew Sarris)

Incluso con tantos cortes que reducen el tercio final a una mezcla frustrante de segmentos inconexos, retiene su poder ocasional para hipnotizar y sorprender. (James Berardinelli)

Pese a que Welles renegó de un montaje en el que no se le permitió intervenir, este film constituye una apasionante adaptación de la novela de Booth Tarkington. La decadencia económica de la vieja aristocracia americana, suplantada por los nuevos industriales, es el pretexto de un fresco social lleno de significaciones. Su autor adopta una postura ambivalente pero generosa, saludando los nuevos tiempos al mismo tiempo que mira los viejos con nostalgia. (Fotogramas)

Película estrenada en España en octubre de 1944.

Título español: El cuarto mandamiento.

Reparto: Joseph Cotten, Dolores Costello, Anne Baxter, Tim Holt, Agnes Moorehead, Ray Collins, Erskine Sanford, Richard Bennett.