Una herencia de miedo (Scared Stiff, 1953). George Marshall

Una joven hereda un castillo, situado en una isla, que según la leyenda está habitado por fantasmas cuyos gritos se oyen todas las noches. Pese a todo, la joven decide visitar la propiedad en compañía de un cantante y un camarero, pero éstos quedan atrapados en el interior del castillo y tendrán que vérselas con unos muertos vivientes.

La actuación de estos actores, cuyo auténtico lugar parece ser el “sketch” de revista o de sala de fiestas, permite que se les aplauda por el derroche de facultades, el ansia de agradar, el celo por no dejar un instante de provocar la hilaridad del público, cuando menos. (P. Voltes en La Vanguardia de 14 de agosto de 1954)

Debe de ser, sin duda, una labor decepcionante para quienes se emplean en ella, intentar una película cómica, acumular, para conseguir los efectos hilarantes, lances y tipos, y a lo largo de la duración del empeño que ha de servir de base de un programa cinematográfico, no dar con la apetecida comicidad un solo instante. Esto es lo que sucede con “Una herencia de miedo”, invención encaminada a regocijar, pero que no regocija. (…) Hemos visto muchos caricatos desfilar por las pantallas, pero pocos nos han parecido tan insípidos, tan faltos de intención como Jerry Lewis. (Donald en ABC del 17 de agosto de 1954)

Dean Martin y Jerry Lewis brindan una ronda libre de comicidad slapstick, del tipo que hacen tan bien, en Scared Stiff, la nueva versión de la vieja obra de Paul Dickey-Charles W. Goddard [The Ghost Breakers]. El argumento tiene su ubicación principal en una isla solitaria asolada por zombies, cerca de la costa de Cuba. (Variety)

Scared Stiff es el remake de 1953 del film con Bob Hope y Paulette Goddard de 1940, The Ghost Breakers, remozado por los talentos de Dean Martin y Jerry Lewis. Mientras Martin maneja las escenas de la trama seria, tal como lo hizo Hope en la película anterior, las bromas de Hope se dividen de manera bastante equitativa entre Martin y Lewis. Lewis está casi todo el tiempo relegado al papel secundario, interpretado por Willie Best en Ghost Breakers, con algunas oportunidades para lucir una de sus especialidades: una imitación de Carmen Miranda (quien también aparece en el film). Bob Hope y Bing Crosby hacen apariciones especiales hacia el final de Scared Stiff; devolviendo el favor, Martin y Lewis aparecerían sin figurar en el reparto en Road to Bali (1953). (Rotten Tomatoes)

La mejor parte de la película transcurre en una isla cubana donde se escondió una herencia millonaria por lo que algunos desaprensivos crean una leyenda negra para asustar a visitantes molestos. Todo funciona con corrección, ritmo ágil y simpatía. Una película menor agradecida y agradable de ver.(Salvador Sáinz en Diario de cine)

Película estrenada en España el 13 de agosto de 1954.

Reparto: Dean Martin, Jerry Lewis, Lizabeth Scott, Carmen Miranda, George Dolenz, Dorothy Malone, William Ching.

El perro de los Baskerville (The Hound of the Baskervilles, 1939). Sidney Lanfield

Durante más de doscientos años una maldición parece haber caído sobre la aristocrática familia de los Baskerville. Cuando Sir Charles es hallado muerto en extrañas circunstancias, el legendario Sherlock Holmes y su compañero Watson comienzan a investigar y llegan a la conclusión de que la próxima víctima será Sir Henry, el único miembro vivo de la familia y, por tanto, el heredero universal de la fortuna de los Baskerville.

En 1939 se estrenó con un gran éxito The Hound of the Baskervilles bajo la dirección de Sidney Landfield. No sucedió así en España, donde no fue autorizada, acaso por la alusión a la adicción a las drogas que tiene Holmes –alusión eliminada con posterioridad en las copias de reestreno y no reincorporada hasta una restauración en 1975-. La película no se vería en España, pues, hasta un ciclo televisivo del personaje donde fue exhibida como Sherlock Holmes y el Perro de los Baskerville. El film se muestra aceptablemente fiel a la novela, siendo el cambio más llamativo el del nombre del mayordomo cambiándose por Barryman el original literario Barrymore debido a ser demasiado popular en Estados Unidos por la mítica familia de actores de igual patronímico. (Zona DVD)

The Hound of the Baskervilles puede ser una de las mejores adaptaciones en pantalla grande de una historia de Holmes. La trama difiere del libro en varios puntos (y agrega una sesión de espiritismo, que subraya los temas sobrenaturales), pero la mayoría de los cambios hacen que sea una mejor película. Al durar 80 minutos, su ritmo es rápido sin renunciar a la caracterización (está poblada por maravillosos actores) o estado de ánimo. Y, lo mejor de todo, nos brinda la mayor cantidad posible del Holmes de Rathbone, recortando la larga sección central donde Holmes está ausente. No es la mejor película de Holmes, pero es quizás la primera que legítimamente se puede llamar grande en sí misma. (Nathan Booth en The Other Journal)

Primer film de la serie Rathbone-Bruce-Sherlock Holmes, desgraciadamente haciendo poco caso al perro funesto (Roy William Neill luego proporcionó una dirección mucho más imaginativa). Sin embargo, es muy divertida como thriller de época, con el apreciable apoyo de Carradine y Atwill como un par de personajes falsamente siniestros, y una escena encantadora interpretada por Bruce en la que, incapaz de resistirse a afirmar que él es Holmes al preguntarle un vagabundo, Watson tiene que fingir que sabía todo el tiempo que el vagabundo era Holmes disfrazado. Esta es la única película de la serie que alude a la adicción de Holmes a través de su cansada exclamación: "¡La aguja, Watson!" (Time Out)

Un poco más de Hollywood de lo que Arthur Conan Doyle podría haber imaginado, pero no obstante, entretenida. (Luke Y. Thompson)

Misterio como el público esperaba en ese momento, con niebla, un enigma para resolver y un perro monstruoso. Si quieres vivir, huye del páramo como sea porque, como dice el preámbulo de la película, ningún condado inglés es tan siniestro como la extensión primitiva y desierta de Dartmoor en Devonshire. En una palabra, puro blanco y negro clásico de 20th Century Fox. (Chris Chambers en Allociné)

Primero de los films en que Basil Rathbone encarnó al personaje de Arthur Conan Doyle, en una serie que se interrumpiría al poco tiempo para ser recuperada por la Universal tres años más tarde. Sus virtudes residen en una convincente atmósfera y unas espléndidas interpretaciones, aunque el conjunto sea algo convencional. Film inédito en España. (Fotogramas)

Película estrenada en España por TVE el 6 de julio de 1992.

Reparto: Richard Greeene, Basil Rathbone, Wendy Barrie, Nigel Bruce, Lionel Atwill, John Carradine, Barlowe Borland, Beryl Mercer, Morton Lowry, Ralph Forbes, Eily Malyon.

Amor y amistad (Love and Friendship, 2016). Whit Stillman

Año 1790. La joven viuda Lady Susan Vernon acude a la hacienda de su familia política, con la intención de acallar los rumores acerca de su vida personal y sus flirteos en la élite social. Mientras está viviendo allí, decide buscarse un marido para ella y para su hija Federica, aunque la joven es reacia al matrimonio. Adaptación del relato corto de Jane Austen, "Lady Susan".

Procede de hecho de un texto epistolar que Whit Stillman ha convertido al modo dialogado con ingenio y elegancia, como si hubiera vivido siempre en los salones de la buena sociedad inglesa del siglo XVIII.

El original es una obra primeriza de Jane Austen, poco conocida, que revela una agresividad juvenil que parece menos modulada que en sus novelas posteriores. La versión de Stillman es soberbia, si bien a veces parece que pasa de una escena a otra sin dejarla reposar. (Antonio Weinrichter en ABC del 18 de noviembre de 2016)

Esta comedia de época se revela su película más lograda: efervescente y económica (un conciso metraje estándar), elegante y civilizada, fresca y refrescante, recorrida por un humor inteligente: las alusiones a los diez mandamientos o al rey Salomón o la secuencia de la cena y el comentario sobre los guisantes constituyen momentos de comedia fina e ingeniosa. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 18 de noviembre de 2016).

Que una película basada en un tiempo, lugar y clase social tan lejanos sepa despertar la atención y mantenerla durante 90 minutos es un logro a tener en cuenta. Más aún si, para conseguirlo, se aleja de los tópicos baratos del telefilm. Amor y amistad es una interesante obra lastrada, paradójicamente, por sus propias intenciones. Stillman reproduce parcialmente el estilo descriptivo de Austen con una ambientación bien conseguida, pero sin hacer despegar su película hasta alcanzar un terreno que, además de sorprender y entretener, también pudiera proporcionar algo más fértil al espectador. (Álvaro Casanova en Cine maldito)

Con un humor muy fino, Stillman desarrolla una crítica corrosiva de los que posan, de los que especulan y, sobre todo, de esos nobles que en la flor de su edad no hacen otra cosa que pasear por los jardines -primero con la madre, después con la hija- o recorrer a caballo sus propiedades -trabajadas por otros-. Los hombres de Amor y amistad son inactivos, ingenuos o estúpidos -sobre todo el fantoche pretendiente de Federica (Tom Bennett), un personaje muy logrado que se roba cada escena-, o se mueven según la manipulación que ejercen las mujeres, quienes tienen más clara la situación y saben manejarla con sutileza. (Josefina Sartora en Otros cines)

Amor y amistad se configura así como un personal y valioso acercamiento a la literatura de Jane Austen, pero también como un ejercicio sujeto a una cierta fosilización en las formas. Ésa que viene de la mano de un cineasta mucho más cómodo en la soledad de su escritura que en el barrizal del rodaje. (Alberto Varet en El destilador cultural)

Es la película de Whit Stillman que algunos de nosotros hemos estado esperando durante mucho tiempo, y también una película de Jane Austen que se dirige hacia la corrección del récord del janeismo cinematográfico aburrido y obediente. (A.O. Scott en New York Times)

El lenguaje, una mezcla lírica de Jane Austen y Whit Stillman, hechiza incluso cuando pica. Una sublime Kate Beckinsale profundiza en el papel de su carrera. Puro placer. (Peter Travers en Rolling Stone)

Qué hermoso encuentro, un novelista que se adelantó a su tiempo y un cineasta con determinación, irremediablemente fuera del suyo. Es como dos personas muy diferentes que se encuentran en una cita a ciegas, y de repente saltan chispas.(Mick LaSalle en San Francisco Chronicle)

Está situada seguramente en su momento y lugar apropiados, pero éste es un lado inusual de Austen, más fresco y más astuto. Se siente muy moderna por cierto. (Michael Phillips en Chicago Tribune)

Si bien "Love & Friendship" zumba de forma tan suave que puedes disfrutarla fácilmente con los ojos cerrados (especialmente con la melodía de acompañamiento de Benjamin Esdraffo y la música de piano y cuerdas de Mark Suozzo), es mejor no hacerlo, dado el alto nivel de artesanía visual en exhibición. Los hermosos trajes de Eimer Ni Mhaoldomhnaigh y los exquisitos muebles del diseño de producción de Anna Rackard se ven con un efecto maravilloso en las luminosas imágenes de Richard van Oosterhout. Ya sea que esté siguiendo a los actores caminando y hablando al aire libre u observando el tenue juego de la luz del fuego en sus rostros en el interior, aporta un rico brillo cinematográfico a un proyecto que, cualquiera que sea el estado final de la suerte de Lady Susan, logra dar a Austen y Stillman la unión que se merecen. (Justin Chang en Variety)

Fuera de moda, el cine de Whit Stillman no está en contra de su época, pero ciertamente es un cine del contratiempo (...). ¡Benditos sean los contratiempos, por lo tanto! (Joachim Lepastier en Cahiers du Cinéma)

Una adición muy honorable al considerable cuerpo de versiones de Austen para la pantalla, esta película con traje suntuoso (...) avanza en el drama, condimentado con intrigas y traiciones como un minueto pimpante. (Eithne O'Neill en Positif)

Es gratificante ver que Stillman, un maestro de la observación de grupos sociales cuya impermeabilidad y parálisis parecen ser descendientes lejanos del Imperio Británico, ha logrado deportar su teatro social a la madre patria, para darle nueva vida. Energía y un sentido de la igualdad del todo estadounidense. (Elisabeth Franck-Dumas en Libération)

Película estrenada en España el 18 de noviembre de 2016.

Reparto: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, James Fleet, Jemma Redgrave, Emma Greenwell.

La casa en la sombra (On Dangerous Ground, 1951). Nicholas Ray

Jim Wilson es un policía violento, amargado por la contemplación diaria del mundo del crimen. Su carácter hosco y sus métodos expeditivos para capturar sospechosos le crean constantes conflictos con colegas y superiores. Finalmente, para alejarlo de la ciudad durante un tiempo, le encomiendan un caso de asesinato en una lejana región montañosa. Una vez allí, su personalidad dará un giro imprevisto, debido, por una parte, a su relación con el padre de la víctima, un hombre sediento de venganza, y, por otra, con Mary Malden, la hermana del asesino, una joven sensible, capaz de comprender el temperamento y la soledad de Wilson.

La falta de definición en los personajes es su principal defecto de guión, con Nicholas Ray, quien también dirigió, y A.I. Bezzerides compartiendo la culpa por su adaptación de la novela de Gerald Butler, Mad with Much Heart. No hay mucho que Robert Ryan pueda hacer con el personaje de un policía endurecido por los tipos con los que se pone en contacto, ni Ida Lupino tiene muchas oportunidades como una muchacha ciega que presumiblemente suaviza el carácter de Ryan. (...) Ray se las arregla para inyectar un poco de emoción en el hilo narrativo, y si se hubieran eliminado los toques psicóticos en el guión, la película podría haber calificada como aceptable, incluso si se trata de un sombrío melodrama. (Variety del 31 de diciembre de 1950)

"Un asombroso Ryan y una estilizada puesta en escena, un guión que es un prodigio de progresión dramática y la música de Herrmann ponen la guinda a una obra maestra imprescindible. Poco popular, es una cima del cine negro de los cincuenta." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Injustamente apartada de los títulos más reivindicados y populares de Nicholas Ray, La casa en la sombra es un sobresaliente título negro, de sofisticada puesta en escena y  vibrante tratamiento de la acción, que transita indistintamente por el cine de intriga criminal, el drama social, el thriller y el melodrama romántico, sin resentirse ni perder solidez o trascendencia con el salto entre géneros tan dispares y a pesar de una conclusión marcadamente complaciente con los dictados de la autocensura de Hollywood, un epílogo lleno de esperanza y buenos propósitos un tanto irónico a la vista de lo presenciado en todo el metraje anterior. El plano final de los ojos bañados en lágrimas de Ida Lupino supone uno de los más hermosos instantes de toda la filmografía de Nicholas Ray. (39 escalones)

Prácticamente desconocida, esta cinta de Ray es una de las cimas del cine negro. Excepcional Ida Lupino como ciega. (Decine21)

En realidad, se llega a tal grado de minimalismo y abstracción que recuerda a los paisajes de invierno de las pinturas de Pieter Bruegel El Viejo, especialmente a Cazadores en la nieve (1556), dadas las concomitancias temáticas que guarda con este cuadro; aunque también es fácil rastrear la influencia de la esencialidad espacial de Frank Lloyd Wright, de quien Nicholas Ray fue alumno y aprendiz cuando estudió arquitectura. La delectación en la belleza sobrecogedora e inhumana del entorno hace que la parte que transcurre íntegramente en la ciudad condense varios días de la intriga en treinta minutos, mientras que la que tiene lugar en el campo, pese a durar el doble, no llegue a 24 horas. Ello también explica que se produzcan largos intervalos sin apenas diálogo, lo que permite a la partitura de Bernard Herrmann expandirse en toda su plenitud y dotar de un hálito dramático y misterioso a las imágenes. (El antepenúltimo mohicano)

Una modulación exaltada de dura a lírica y viceversa, la culminación del lado Borzageano de Nicholas Ray. (Fernando F. Croce en Cinepassion)

Virtualmente desconocido para las generaciones actuales, Frank Borzage, sin embargo, ha tenido una influencia decisiva en el cine romántico. Su contribución es inmediatamente perceptible en la hipersensibilidad empujada al extremo con el que Nicholas Ray presenta el amor de sus personajes. Aunque más arraigada en las realidades de su tiempo, la fuerza rectificadora del amor de los ciegos, Mary / Ida Lupino para Jim / Robert Ryan es indiscutiblemente borzagiana. La aparición de un paisaje rural en este excelente film negro de los años 50 significa un escape (o refugio) del entorno claustrofóbico urbano, tanto como las escenas de invierno notablemente presentadas por el director de fotografía George. E. Diskant. Y decir que "En terreno peligroso" permaneció bloqueada durante varios meses antes de sufrir un estreno apenas publicitado. Hoy en día, se ha convertido en una obra importante de Ray (uno de las más famosas también) hasta su final melodramático y nevado. Ryan y Lupino son simplemente inolvidables, convirtiéndose en dos de las principales personalidades del cine negro de la gran época. (ChrisChambers86 en Allocine)

Uno de los títulos menos conocidos de su director, aunque constituye una obra con evidente interés. La resbaladiza historia de las relaciones entre un rudo policía y una joven ciega encuentra el tratamiento adecuado, a medio camino entre el melodrama más desaforado y la atmósfera propia del mejor cine negro. Film inédito en España. (Fotogramas)

 Película estrenada por TVE el 23 de diciembre de 1974 en el espacio Cine Club dentro de un ciclo dedicado a Nicholas Ray. 

Reparto: Robert Ryan, Ida Lupino, Ward Bond, Charles Kemper, Ed Begley, Cleo Moore.

Yo fui el doble de Montgomery (I Was Monty's Double, 1958). John Guillermin

El Servicio de Inteligencia Británico intenta hacer creer a los alemanes que el desembarco aliado se producirá en el Norte de África, cuando, en realidad, el ataque tendrá lugar en el Canal de la Mancha. Así las cosas, el Mayor Harvey asiste a una representación teatral y descubre a Clifton James, un actor que imita al general Montgomery. Pocos días despues, lo reclutan para actuar como doble de Monty en el Mediterráneo y hacer creer a los alemanes que el ataque se producirá desde allí. Adaptación del libro homónimo escrito por el propio Clifton James, que se interpreta a sí mismo en la película.

Intriga la película del principio al fin, (…) la ambientación es rica en acertados detalles, y globalmente considerada, con una ambientación fidelísima, a la que contribuyen, sin duda, los fragmentos de documentales sabiamente empleados. (Donald en ABC del 11 de agosto de 1959).

Este drama del director John Guillermin (quien pasó a dirigir El coloso en llamas) gana credibilidad no sólo porque el papel del título lo desempeña el doble de General Montgomery, ME Clifton James, sino también porque su autobiografía ha sido adaptada con gran habilidad por Bryan Forbes. El resultado es astuto, sencillo y muy hábil.(David Parkinson en Radio Times)

El film tiene algo que decir sobre la personificación, sobre el carácter y la confianza; nos muestra a un hombre misteriosamente parecido a Monty en apariencia que difícilmente podría haber sido más diferente a él por naturaleza. (Isabel Quigly en The Spectator)

Si bien no es una presencia dinámica en la película, [Meyrick Clifton] James ofrece un autorretrato convincente de un actor menor aterrorizado por la escala del papel.(Sean Axmaker en TCM Online)

Agradable película inglesa basada en un hecho histórico real (por cierto, el protagonista del hecho desempeña su propio papel en la película: el doble de Montgomery). Está bien contada en dos partes, el comienzo y los preparativos para el engaño, luego la realización. Es casi documental, pero es una verdadera película con suspense. La realización es bastante común, pero los actores son buenos y hay mucho humor (inglés). Se pasa un buen rato. (JR Les Iffs en Allocine)

Película estrenada en España el 10 de agosto de 1959.

Reparto: M.E. Clifton James, John Mills, Cecil Parker, Patrick Allen, Michaerl Hordern, Marius Goring, Barbara Hicks.

¡Qué viva Italia! (I nuovi mostri, 1977). Mario Monicelli, Dino Risi, Ettore Scola.

En 1964, Dino Risi filmó "I mostri", una película compuesta por varios episodios sobre la vida italiana. Catorce años después, tres conocidos directores (el propio Risi, Mario Monicelli y Ettore Scola) y tres grandes actores italianos (Sordi, Tognazzi y Gassman) se reunieron para mostrar, en catorce episodios, una visión lúcida, crítica y caricaturesca sobre diversos aspectos de la vida italiana del momento.

Una película divertida, quintaesencia de la comedia italiana, revisada y puesta al día. Un auténtico regalo para los amantes del género y para los cinéfilos en general, que muestra bien a las claras la vitalidad de la misma. Un espectáculo y una obra de arte, sin retorcimientos ni ambigüedades. Directa y absolutamente efectiva. (Pedro Crespo en ABC del 20 de enero de 1979).

La comedia estilo italiano es clásica, lo que ocurre es que en esta cinta se ha remozado, demostrando que la inspiración de los creadores no se anquilosa, y que su sentido crítico evoluciona satisfactoriamente. (Ángeles Masó en La Vanguardia del 25 de enero de 1979).

Donde la película original de Risi a menudo perseguía la paradoja en la verosimilitud, para subrayar cómo la verdad era más absurda y trágica que cualquier reconstrucción, los nuevos monstruos presionan el acelerador hacia el exceso, sin buscar la proximidad con la vida cotidiana del espectador. La estructura episódica proporciona un reparto más amplio, con actores y dirección variables. Junto a Dino Risi hay otros dos maestros de la comedia, como Ettore Scola y Mario Monicelli, que agregan colores políticos y grotescos a la paleta original. Estos son los años de plomo, de la violencia del terrorismo y de los extremismos opuestos (ejemplificados por los símbolos recurrentes, dibujados en las paredes de Roma), combinados con el antiguo régimen, inmutable, que no muestra signos de ceder. El cardenal de Gassman o el pijo rico de Sordi son ejemplos de un sistema antiguo capaz de adaptarse a cada viento de tormenta. Pero lo que persiste más que cualquier otra pasión política son los malos hábitos italianos, que unen a los hijos de papá, aprovechados, hipócritas burgueses y temerosos padres de familia, una vez más inmortalizados por Age y Scarpelli, que sumergen sus plumas de escritor en veneno. (Emanuele Sacchi en MyMovies.it)

Una obra coral de 1977, candidata, dos años después, al Oscar, a la mejor película extranjera.
Revisar el film hoy, tiene un efecto extraño, nos sobrecoge el estupor, la maravilla y el embarazo: el estupor porque el espectador se enfrenta a un trabajo que contiene lo mejor del cine italiano, que ofrece un resultado interesante y agradable; maravíllese al ver los rostros de algunos de los mejores actores de nuestro hermoso país, todos juntos, rodando bajo el ojo cinematográfico y retorciéndose en una mueca "monstruosa" de los vicios y malos hábitos italianos; embarazo al pensar en cómo se ha modificado, de manera irreal y errónea, el concepto de "Monstruo" y la risa, esta última hoy increíblemente desenganchada y desconectada de la realidad: no te ríes de lo que eres, se debe reír y basta. (Eleonora Degrassi en Mediacritica)

Como todas las películas formadas por historias variadas, aquí una docena firmada por tres directores, el resultado es irregular, algunas interesan más que otras. Todas tratan de dar un cuadro de cómo es la Italia de la época, con su picaresca, grandezas y miserias, a veces con trazos caricaturescos que pueden ser injustos. (Decine21)

Película estrenada en España el 18 de enero de 1979.

Reparto: Vittorio Gassman, Ornella Muti, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Gianfranco Barra, Giorgio Voyagis, Eros Pagni, Orietta Berti, Paolo Baroni, Luciano Bonanni, Nerina Montagnani, Fiona Florence.