El hombre que pudo reinar (The Man Who Would Be King, 1975). John Huston

Danny Dravot y Peachy Carnehan, dos aventureros que viajan a la India en 1880, sobreviven gracias al contrabando de armas y otras mercancías. Un día, deciden hacer fortuna en el legendario reino de Kafiristán. Después de un durísimo viaje a través del Himalaya, alcanzan su meta justo a tiempo para hacer uso de su experiencia en el combate y salvar a un pueblo de sus asaltantes. Está inspirada en un relato de Rudyard Kipling.

Hay en las aventuras de Carnehan y Dravot, lugar para los sueños, para la imaginación, para la elevación del hombre por encima de su propia circunstancia, para el desprecio por las reglas, para la manifestación, en suma, de los impulsos más primarios del ser humano. También existe un espacio para el humanismo irónico, para la ternura disimulada, para la violència y para la anécdota (...) Huston, además, aprovecha la ocasión para hacer, a la vez, apologia y sàtira del imperialismo británico. Porque, en definitiva, “El hombre que pudo reinar” es un fresco espectacular, no desprovisto precisamente de humor, aunque contenga más de un borrón que impide situarlo entre los mejores firmados por Huston. (Pedro Crespo en ABC del 7 de julio de 1976)

Verdaderamente, nos parece extraño que un veterano del cine tan ilustre como John Huston haya ido a buscar inspiración y tema en esta literatura polvorienta. La historia argumental es bastante pueril, no obstante sus propósitos de hacerse emocionante. (...) John Huston sólo ha podido en esta ocasión demostrarnos una vez más su buena técnica, mientras Michael Caine y Sean Connery, en la encarnación de dos absurdos personajes, no están bien ni mal. Cumplen sencillamente con la corrección que corresponde a su gran rango artístico. (A. Martínez Tomás en La Vanguardia del 12 de agosto de 1976)

La mítica del fracaso constituye la base de un lúcido e irónico relato de aventuras. Basado en un relato de Rudyard Kipling, narra el sueño casi alcanzado de dos perdedores que no se resignan a su suerte. La serena belleza de sus imágenes y el pulso firme de su narración mantienen una tónica impecable a lo largo de todo su desarrollo. (Fotogramas)

Huston, junto a la co-guionista Gladys Hill, retoma sus habituales temáticas de búsqueda en un universo de perdedores, creando una épica aventurera llena de humor que sirve a sus caracteres para hallar su reorientación existencial, además de ofrecer un miramiento crítico al imperialismo; un ligero estudio etnográfico y psicológico; una incisiva mirada a la naturaleza, convicciones y actitudes volubles del ser humano en su ambición y codicia; y un lúdico canto a la camaradería en su condición de ‘buddy movie’. (Antonio Méndez en AlohaCriticón)

"El hombre que pudo reinar" de John Huston es una aventura de capa y espada, pura y simplemente, de la mano de un maestro. Es descarada, emocionante y divertida. La película invita a la comparación con grandes películas de acción como "Gunga Din" y "Mutiny on the Bounty", y con el clásico del propio Huston "El tesoro de la Sierra Madre": obtenemos caracterizaciones fuertes, nos emocionamos e incluso nos reímos. de vez en cuando. (...) Cuando termina no hemos aprendido nada que valga la pena saber y ni siquiera hay una moraleja que sacar, pero nos hemos divertido. Es genial que alguien todavía tenga el don de hacer películas como ésta; incluso Huston, después de treinta años, debió preguntarse si todavía sabía cómo hacerlo. (Roger Ebert)

El hombre que pudo reinar no es una película commovedora y, por otra parte, tampoco es una comedia. Es una película de género hecha con total conciencia del pozo rancio en que puede hundirse si su distancia lacónica falla alguna vez. Huston tiene que dominar las emociones a las que la mayoría de espectáculos aspiran; si hubiese tratado el material para conmover, habría devuelto a la audiencia a la era en que se supone que debíamos sentirnos orgullosos de la gallardía del imperio británico, como lo hacemos a un cierto nivel, a pesar de nuestros yos expertos y disgustados, en películas como Tres lanceros bengalíes (1935). (Pauline Kael en The New Yorker del 5 de enero de 1976)

El resultado, como puede esperarse, es dinámico, totalmente seguro, y ciertamente es una de las películas más vigorosas de Huston, aunque inevitablemente la historia resulta demasiado dilatada, con diferentes énfasis. (...) Desafortunadamente, bajo el peso del espectáculo, la línea argumental básica a menudo se hunde y la narración periódica de Caine (supuestamente el relato del marchito y cansado Carnehan, aunque raramente suena así) se muestra como un refuerzo insuficiente; como en Moby Dick, Huston se mueve en la emoción superficial a expensas del trasfondo espiritual. (Geoff Brown en Sight and Sound de abril de 1976)

Es un gran relato, una leyenda, de firmeza, coraje, camaradería, valentía y codicia, aunque no necesariamente en ese orden. (Vincent Canby en The New York Times del 18 de diciembre de 1975)

Huston nos ofrece una historia de amistad, aventuras, poder y respeto a la palabra. Obviamente, estas virtudes están contaminadas por la historia. Dravot y Carnehan transmiten la supremacía del Imperio Británico, el colonialismo primario. Durante una secuencia en la que Carnehan arroja a un indio del tren, no podemos evitar estremecernos. Del mismo modo, originalmente sólo el beneficio inspira su empresa. Sin embargo, el espectador no guarda ningún resentimiento, Huston consigue magnificar su tema y vuelve a conectar con la película de aventuras de Hollywood. Al adaptar a Kipling, Huston cumple su deseo al tiempo que nos ofrece nuestra parte del sueño, la ascensión de un hombre a un estatus semidivino. El sueño colectivo encarnado. (Dave Garver en DVDClassik)

Gran lector de Kipling desde niño, John Huston ya tenía planes en los años cincuenta de adaptar el cuento El hombre que quiso ser rey. Los dos papeles principales serían interpretados por Clark Gable y Humphrey Bogart. La muerte de este último puso fin al proyecto y sólo veinte años después pudo hacerlo realidad. John Huston enriquece el relato que, si bien es una gran película de aventuras, conserva toda su dimensión filosófica sobre la atracción del poder y la riqueza frente a los sentimientos más nobles de honor, idealismo y lealtad en la amistad. Las imágenes son magníficas (la película se rodó íntegramente en Marruecos) y Michael Caine y Sean Connery forman un dúo perfecto y muy británico, ya que los dos actores se llevaron perfectamente en el set. El hombre que pudo reinar es una película de gran magnitud. (L'oeil sur l'écran)

La total complicidad entre los dos actores, Sean Connery y Michael Caine, y el increíble dominio de la dirección de John Huston, explican en gran medida que esta historia, bastante irreverente sobre los aspectos negativos del imperialismo y no menos irónica con su humor serio, se haya convertido en una obra maestra del género. El hombre que pudo reinar no es un banal film de acción que explota la fotogenia de los paisajes y las grandes escenas con un montón de figurantes: el estudio del orgullo y la vanidad humanas, concretado en la sed de poder –hasta la deificación- y de fortuna de dos aventureros sin escrúpulos, da al relato una dimensión filosófica más universal. Cuando realizó en 1975 El hombre que pudo reinar, John Huston reencontró el espíritu de diversión que había aplicado con intensidad a su película de 1948 El tesoro de Sierra Madre. Estas dos obras esenciales muestran la inclinación del cineasta por los personajes ambiguos, aventureros tragicómicos movidos por ilusiones, que consigue volver simpáticos a pesar de su torpeza. (On-mag.fr)

Pelicula estrenada en Madrid el 5 de julio de 1976 en el cine Capitol; en Barcelona, el 9 de agosto de 1976 en los cines Urgel Cinema y Palacio Balañá.

Reparto: Sean Connery, Michael Caine, Christopher Plummer, Saeed Jaffrey, Doghmi Larbi, Shakira Caine, Karroom Ben Bouih.

Agente 007 contra el Dr. No (Dr. No, 1962). Terence Young

James Bond llega a Jamaica con la misión de investigar los asesinatos de un agente especial británico y su secretaria. Pero, al mismo tiempo, descubre la existencia de una siniestra organización en la isla Crab Key. En esta ocasión, su enemigo es el Doctor No, que, con la ayuda del profesor Dent, se propone ejecutar un siniestro plan: desviar la trayectoria de los cohetes de Cabo Cañaveral.

Esta mezcla de realismo y de sueño le da a nuestro “Agente” un toque confuso por la dificultad en la aleación. Hay un punto en que con risueño talante no sabemos bien a qué carta quedarnos. Pero tampoco el propósito merece, en ningún caso, más minucioso análisis. La película está bien llevada y suntuosamente construida. El buen color y la “marciana” composición de las últimas y atropelladas secuencias llevan con firme seguridad el estupor al ánimo del auditor. (Gabriel García Espina en ABC del 14 de mayo de 1963)

Terence Young ha dirigido la película con su reconocida competencia. Lo que suele llamarse «puesta en escena» reúne aciertos que se revelan tanto en la pericia con que es manejada la cámara como en el estilo sencillo y directo que caracteriza el relato. Lo cándido y arbitrario del tema y de todas y cada una de las situaciones está resuelto con desenfado no exento de humor e ironía hasta el punto de que el espectador se percata de que el tremendismo empleado no es tampoco tomado demasiado en serio por el mismo realizador. (J. Pedret Muntañola en La Vanguardia del 6 de junio de 1963)

Obra germinal que aunque se presenta sumamente inocente en sus planteamientos y algo vaga en su desarrollo, guarda en su interior algunos de los mejores momentos de la saga, como la famosa secuencia de la tarántula en el brazo de Bond, tan imposible en su concepción como magnífica en su realización, dicotomía que se mantendrá, también, a lo largo de una saga que siempre se moverá en los límites de lo razonable. (Beatriz Martínez en Sensacine)

Esta animada y divertida película, que se estrenó ayer en el Astor, el Murray Hill y otros teatros del grupo "premiere showcase", no debe tomarse en serio como ficción realista ni siquiera como arte, como tampoco lo son las obras del Sr. Fleming para ser tomadas como literatura seria. Es estrictamente un thriller de acción adornado con algo de misterio. Y, si eres inteligente, lo verás como una parodia de ciencia ficción y sexo. Porque la aventura de detección de crímenes en la que se embarca el señor Bond es tan tremendamente exagerada, tan evidentemente artificial, que resulta evidentemente tonta y no se debe creer. (Bosley Crowther en The New York Times del 30 de mayo de 1963)

Con la excepción de la gran explosión al final de la película, Dr. No es una aventura discreta. No hay dispositivos, lo que obliga a Bond a confiar en su ingenio (en una escena, cuando necesita respirar mientras está sumergido, usa cañas ahuecadas como tubos de aire). La persecución de un solo coche es razonablemente sencilla. Y, por única vez en la serie, 007 es inequívocamente brutalizado, y como resultado aparece ensangrentado, golpeado y desaliñado. De todos modos, todavía derrota al villano y se queda con la chica. (...) Considerándolo todo, Dr. No es una película exitosa, si no superlativa. Si bien puede parecer aburrida para los estándares de las producciones posteriores, es una entretenida mirada retrospectiva a la historia cinematográfica de un proyecto que se convirtió en un fenómeno mundial. (James Berardinelli en Reel Views)

Gran parte de lo que se suponía que intrigaría y deslumbraría a los espectadores en 1962 puede parecer ahora suave, principalmente gracias a las muchas películas de Bond que siguieron, pero Dr. No se mantiene como algo más que una pieza de época, principalmente gracias a la combinación de interpretaciones frescas y enérgicas a cargo de Sean Connery, Wiseman, Ursula Andress, John Kitzmiller y Jack Lord; un guión cuidadosamente elaborado con sus pies en misterios del viejo y del nuevo estilo; y un trabajo muy sencillo y hábil de Terence Young y el editor Peter Hunt. (Brendon Hanley en Allmovie)

Dr. No es un modesto thriller con un héroe duro, elegante y con cierto encanto que hace su trabajo sin la ayuda de artillería elaborada ni artilugios llamativos. Persigue a las mujeres, pero no las atrae como si poseyera algún poder mágico o un magnetismo irresistible. En su primer papel estelar, Sean Connery se muestra confiado pero no arrogante, un hombre cómodo con un esmoquin pero que no ha nacido para la púrpura. Al igual que Albert Finney y Peter O'Toole, cuyas carreras despegaron casi al mismo tiempo, es un presagio de un importante cambio social en clase, moda y comportamiento que parecía atractivo en ese momento y que luego tomaría formas menos agradables. (Philip French en The Guardian)

Muy anticuada, completamente en sintonía con los tiempos y que le da a los años sesenta un sabor hasta entonces inexplorado, Dr. No marca un hito histórico en la historia del cine de entretenimiento popular. Gracias a su combinación única de ingredientes atrevidos, entre un erotismo suave y una acción trepidante, desde Londres hasta Jamaica, la película sienta las bases sólidas de una fórmula que perdurará durante décadas. De momento, un bonito libro de imágenes, muchas veces copiadas, nunca igualadas y hecho para disfrutar sin moderación. Al final de la película se afirma que James Bond regresará en Desde Rusia con amor: se está gestando un mito. (Julien Léonard en DVDClassik)

Escenas de acción realizadas a gran velocidad, magníficos coches lanzados a un ritmo vertiginoso y chicas Bond cada una más bella que la otra, Dr. No está directamente en la línea de la película de espías de la vieja escuela donde la importancia de la trama sólo se compara con el carisma del famoso agente secreto. Y hay que reconocer que en este asunto Sean Connery representa la elección lógica para cualquier fan de Bond que se precie, ya que fuerza y ​​seducción se funden perfectamente en el personaje gracias al magnetismo del actor. Este último aporta todo su encanto al más legendario de los agentes secretos, definiendo así la pauta para sus sucesores, que, sin embargo, tendrán dificultades para igualarlo. (Ilan Ferry en Ecranlarge)

Lo cierto es que todavía estamos muy lejos de la grandilocuencia de las últimas películas de la franquicia, donde acrobacias, artilugios y explosiones estallan para ofrecer un gran espectáculo. Estamos en los primeros tiempos, en aquellos en los que la modestia de los medios es tanto un límite a la profusión de efectos como permite combinar ingenio y eficiencia. Dr. No es una ópera prima que sienta las bases, yendo a lo esencial, cuidando la presentación del héroe y el desarrollo del misterioso antagonista, en el corazón de una intriga de espías sencilla pero apasionante. (Quentin Coray en A la rencontre du septième art)

Película estrenada en Madrid el 13 de mayo de 1963 en el cine Capitol; en Barcelona, el 4 de junio de 1963 en el cine Tívoli. 

Reparto: Sean Connery, Ursula Andress, Joseph Wiseman, Jack Lord, Bernard Lee, Anthony Dawson, Zena Marshall, John Kitzmiller.

La casa Rusia (The Russia House, 1990). Fred Schepisi

Adaptación de la novela homónima de John Le Carré, ambientada en la época de la Guerra Fría. Barley Scott Blair (Sean Connery), un editor británico que se encuentra en Lisboa, se dedica más a la bebida que a atender a los distribuidores rusos de sus libros. Un día lo aborda un agente de la CIA que le pide que sirva de enlace con una bella espía (Michelle Pfeiffer) que puede proporcionarle unos importantes manuscritos de un disidente ruso. La misión de Scott consistirá en intentar averiguar la veracidad y las claves de esas notas sobre el servicio de inteligencia ruso, pero se trata de una misión que puede poner en peligro sus vidas.

La casa Rusia, filme rutinario, bonito a causa de los incomparables paisajes urbanos donde fue rodado y de sus intérpretes, pero que se derrumba una vez visto. No deja ni una huella en la memoria. (Ángel Fernández-Santos en El País del 18 de marzo de 1991)

No hay villanos -sería además impolítico que los hubiera-, no hay tensión dramática, no hay sentimiento de peligro real, sólo disquisiciones éticas y un puñado de frases ingeniosas. Es curioso observar que una de las más consistentes cartas de triunfo de "La casa Rusia" se vuelve en su contra. El hecho de ser la primera gran producción norteamericana filmada enteramente en la Unión Soviética le permite explotar extraordinarias localizaciones en Moscú y Leningrado, que contribuyen a su veracidad. Pero su empleo decorativo, relamido, acaba creando una fastidiosa atmósfera de postal turís-tica.(José Luis Guarner en La Vanguardia del 31 de marzo de 1991) 

La adaptación que Tom Stoppard ha hecho de la novela, con acomodaticio final feliz sustituyendo al original, es, además de artificiosa, confusa, lo que no ha faci-litado las cosas al tan pretencioso como inhábil realizador Fred Schepisi, que se pierde entre los esteticistas alardes de puesta en escena y el poco menos que documental turístico en que se convierten las secuencias de exteriores, posiblemente fascinado por el hecho de ser el primero en rodar en calle y plazas de, sobre todo, Moscú y Leningrado con toda libertad, aunque dada la escasa en-tidad del filme en sí mismo, acabe, con todo, por ser este aspecto visual uno de sus pocos alicientes. (César Santos Fontenla en ABC del 6 de abril de 1991) 

A juzgar por esta película, la vida de un espía de la Guerra Fría consiste en sentarse durante horas interminables en salas insonorizadas con gente que no te agrada especialmente, esperando que suceda algo. Es como ser un crítico de cine. (Roger Ebert)

La novela de espionaje de la era glasnost de John le Carre se ha convertido en un entretenimiento inteligente para adultos, pero el tono sombrío, la falta total de acción y sexo y la complejidad de la trama le inclinan principalmente hacia la audiencia de alto nivel. (Variety)

Hay evidencia del ingenio del Sr. Stoppard en el diálogo, pero sus frases no son fáciles de pronunciar, lo que no quiere decir que sean inpronunciables. Son torpes. A veces incluso resultan demasiado maduras, como cuando el personaje de Pfeiffer, recordando una historia de amor, le dice a Barley que perdió su inocencia la misma noche que los tanques soviéticos entraron en Praga. La estructura narrativa es un desastre. Si es responsabilidad del Sr. Stoppard, del Sr. Schepisi o de los montadores de la película, que trabajan de forma independiente, no tengo ni idea. Con frecuencia es inescrutable. (Vincent Canby en The New York Times)

La trama se vuelve innecesariamente compleja al mantener las cosas confusas y el final color de rosa es un poco exagerado. Pero a pesar de todos sus puntos bajos, es un film entretenido e insiste en cómo los burócratas de sangre fría con trajes grises mantienen la carrera armamentista por encima del clamor de aquéllos que quieren que el mundo actúe de forma más racional cuando se trata de armas de destrucción masiva. (Dennis Schwartz)

Película estrenada en Madrid el 15 de marzo y en Barcelona el 20 de marzo de 1991. 

Reparto: Sean Connery, Michelle Pfeiffer, Roy Scheider, James Fox, John Mahoney, Michael Kitchen, J.T. Walsh, Ken Russell.

Dragonheart (Corazón de dragón, 1996). Rob Cohen

 

En el año 934, la reina Aislinn solicita la intervención de un venerable y poderoso dragón para salvar la vida de su hijo Einon, herido en una emboscada. El dragón ofrece la mitad de su corazón al príncipe. Tan pronto como asciende al trono, Einon se revela a sí mismo como un tirano. Su tutor, el caballero Bowen, está convencido de que el corazón del dragón ha envenenado a su discípulo. Deja la corte jurando exterminar a esta raza maldita.

Una trepidante, ingeniosa y explícitamente cómica película de caballerías. Una especie de «buddy movie» con tipo violento y socio filosófico, uno con cota de mallas y el otro con piel escamosa y suponemos ardor de estómago, con la voz aguardentosa de Sean Connery en inglés y la de Paco Rabal en español, que nos devuelve a los tiempos gloriosos de la espada y la brujería, con el dulce sabor de la hidromiel bebida mientras se escuchan cantares de gesta. (Jorge Berlanga en ABC del 24 de octubre de 1996)

“Dragonheart” podía haber intentado captar el espíritu fantástico de los cuentos infantiles o haberse constituido en una fábula sobre el poder y la inocencia traicionada o en una elegía por la pérdida de unos ideales caballerescos representados por las ruinas del castillo de Avalon. Todas las opciones para intentar trascender el relato lineal y mantener una doble lectura enriquecedora del mismo han sido orilladas con absoluto desinterés. (...) El cine ha dado una vuelta sobre sí mismo y ha regresado a su primitiva función de maravilla de la técnica en una barraca de feria todo lo lujosa que ustedes quieran. (Manuel Quinto en La Vanguardia del 28 de octubre de 1996) 

Tal vez no hay que pedirle a la película nada más que lo que se propone: hacer creíble al monstruo mitológico por excelencia, hacer fiable la relación que éste establece con su amigo-ex enemigo y atiborrarse de palomitas. Rob Cohen, el director responsable de aquella hagiografía a mayor gloria de Bruce Lee que, cosas del oficio, se llamaba también Dragón, se limita a coordinar un equipo ingente, en el que los muchachos de efectos especiales se llevan, es norma en estos casos, la palma de calle. Luego, ni la historia ni la espectacularidad menguada de los combates servirán para redimir al adulto de la tarde empleada en el filme; pero es que, conviene también decirlo, la cosa no está destinada a él, sino a la platea menuda... Una verdadera lástima, en todo caso, si es así como entra en contacto con el rico, plural, fascinante mundo arturiano que, en el fondo, es la base misma de la existencia de la película. (Casimiro Torreiro en El País del 31 de octubre de 1996)

 Prueba de lo singular del legado de esta película es que hoy día no parece importar lo suficiente para suscitar ninguna nostalgia, pero al mismo tiempo sí ha servido de excusa para propiciar hasta tres secuelas en DVD que nadie conoce. Su caída en el olvido se llevó por delante el hipotético futuro de Dennis Quaid como estrella amortizable, además de poner fin a las fábulas inocentes como ingrediente base de las grandes superproducciones en los noventa. Este quizá sea uno de los daños colaterales con consecuencias más penosas de su fracaso, precisamente porque la concisión y la claridad son cualidades cada vez más escasas en el cine de alto presupuesto. Dragonheart es una exhibición visual que se apoyó plenamente en el vanguardismo tecnológico, pero al mismo tiempo funciona perfectamente como una simple parábola sobre el vínculo entre dos especies que acaba transformado en el vínculo entre dos personas. (Iker Maidagan en Cactus)

Dragonheart nos brinda acción medieval, un Dennis Quaid espléndidamente peinado y Sean Connery como un dragón parlante y, desafortunadamente, una historia que en gran medida no logra enganchar. (Rotten Tomatoes)

Dragonheart de Rob Cohen es una de las películas más sublimemente tontas que he visto. Ya que combina su estupidez con efectos especiales que son, simplemente, sublimes, debo resistir la tentación de dispararle con facilidad. (Roger Ebert)

Película estrenada en España el 16 de octubre de 1996.

Reparto: Dennis Quaid, David Thewlis, Peter Postlethwaite, Dina Meyer, Julie Christie, Jason Isaacs, Sean Connery (voz en versión original), Francisco Rabal (voz en versión española).

Más fuerte que el odio (The Presidio, 1988). Peter Hyams

 

Jay Austin, un policía de San Francisco debe investigar un asesinato cometido en una base militar. Para ello, cuenta con la ayuda del jefe de seguridad, un coronel con el que mantiene una tensa relación, que se agrava desde el momento en el que el policía se enamora de la hija del militar.

La acción, la intriga y la reflexión son las piezas angulares sobre las que descansa el guión, cuya realización se muestra pausada -lo que se agradece en la actualidad- y permite al espectador mirar y disfrutar con sosiego de los aciertos formales de la película.Por contra, escenas fallidas, un desenlace previsible, blando, nostálgico y feliz al lado de cierta frialdad que aparece en la sucesión de sus secuencias desmerecen el interés despertado por la escritura cinematográfica del director y operador, y convierten el proyecto y la película final en un producto menor, aunque poseedor de cierta originalidad, que se deja ver sin fatiga, pero sin despertar en ningún momento el calor necesario para recomendar su visión. (Ángel Luis Inurria en El País del 10 de octubre de 1988)

No es demasiado nueva la idea de partida, aunque sí, en cierto modo, sugestiva. Y da pie para que, a través de un hábil pero a veces farragoso guión de Larry Ferguson, Hyams, que es, además de director del filme,responsable de su fotografía -por otra parte excelente-, monte, basándose fundamentalmente en el trabajo con y de los actores, una película si no admirable sí correcta y, por momentos, brillante, con menores dosis de violencia que las que cabía temer, dada la trama y concienzudamente elaborada, quizá demasiado. Porque, a fuerza de querer ser perfecto, el filme acaba por denotar cierto manierismo, y la frialdad acaba sustituyendo a la pasión que, en todo momento, debió haberlo impregnado. (César Santos Fontenla en ABC del 17 de octubre de 1988)

El caso es que Larry Ferguson, autor del guión de “Superdetective en Hollywood 2”, no parece tener muy claro si nos está proponiendo un “thriller” o un melodrama sentimental. Hyams, ese director que es también el operador de sus películas —como Iquino en su última época—, no ha perdido el tiempo esclareciendo el dilema. Según una estrategia habitual, se ha apoyado firmemente en el carisma de los tres actores protagonistas —cada uno de los cuales defiende con competencia sus personajes— y procura, con alguna pequeña excepción, que las cosas ocurran lo más deprisa posible. Y, medida prudente, carga la mano en las escenas de acción,espectaculares y bien llevadas. (José Luis Guarner en La Vanguardia del 27 de octubre de 1988) 

Es una película que no tiene un pensamiento original en su cabeza y parece que le gusta de esa manera. (Dave Kehr en Chicago Tribune)

Toda la película da la sensación de ser un clon, una película ensamblada con piezas de repuesto de otras películas en el depósito de chatarra cinematográfica. (Roger Ebert)

Más fuerte que el odio es una película de fórmula que ni siquiera puede manejar su propia simple aritmética. Está destinada a ser un thriller de acción con connotaciones cómicas, del tipo en el que un par de policías disparejos acorralan a los malvados mientras nos invitan a un flujo constante de bromas ligeras. Debido a que es una premisa televisiva, medio vivificada por un guión olvidable y una dirección blanda, el pobre argumento aparece muy incómodo en la pantalla grande, como desvaído y avergonzado, ansioso por abandonar las pretensiones y apresurarse hacia su legítimo hogar como película de la semana en un canal de televisión. (Rick Groen en The Globe and Mail)

Película estrenada en España el 7 de octubre de 1988.

Reparto: Sean Connery, Mark Harmon, Meg Ryan, Jack Warden, Mark Blum, Dana Gladstone.