El sheriff Wade Whitehouse es un hombre gris y menospreciado por todos. Su vida cambia cuando se produce la muerte de un sindicalista en una partida de caza. Aunque la mayoría cree que se trata de un accidente, él está convencido de que se trata de un asesinato. Resolver el caso es la oportunidad que estaba esperando para demostrar su valía a su propio padre -un hombre dominante y alcohólico- y a sus vecinos.
No es “Aflicción”, ética ni estéticamente, un melodrama. Es,
sí, una tragedia con elementos de oratorio, tan fría como los paisajes en que
se desarrolla, sin piedad para nadie, incluído el espectador, a quien no se
ofrece un momento de respiro, un asidero, un pretexto para la esperanza. Es, en
suma, una película dura, durísima, poco menos que insoportable. Y, al propio
tiempo, muy hermosa. (César Santos Fontenla en ABC del 11 de mayo de 1998)
Schrader explora el itinerario vertical (caída al infierno, ascenso
a la redención) de ese personaje al límite, entre la agonía y la ansiédad,
sirviéndose, como es habitual en él, de la tensión entre lo físico y lo
espiritual y exponiéndolo con una austeridad formal inflexible, impresionante:
sin filtros en el personaje, escrutando cuerpo y alma, tomándose el tiempo necesario
para que sus flaquezas entren en nosotros hasta su cabal comprensión. (Jordi
Batlle Caminal en La Vanguardia del 20 de mayo de 1998)
Aflicción, con una fuerza amarga como la hiel, hace preguntarse al espectador por qué todo sale mal, por qué la familia (padres y hermanos) no te entiende, por qué la religión parece no ofrecer respuestas, por qué las ilusiones duran poco, por qué se nos arrebata aquello que queremos más. Un enorme silencio, tan extenso y mudo como los desnudos parajes nevados donde transcurre la historia, es la única respuesta que da este film desgarrador, ahíto de lo que alguien llamó «violencia psicológica». (José María Aresté en Aceprensa)
Aflicción se abre paso con éxito y eficacia por un territorio psicológico complejo y peligroso sin perder el ritmo en ningún momento. Aunque muchos de los detalles de la trama se pueden encontrar en cualquier drama sobre famlias disfuncionales, la viveza del personaje de Wade es lo que hace que esta película sea especialmente cautivadora. La presentación lo es todo, y ésta es mucho más poderosa que cualquier película para televisión sobre los efectos del abuso infantil. Aflicción es para cualquiera que esté dispuesto a emprender el viaje al corazón y al alma de un hombre atribulado al borde del abismo. (James Berardinelli en Reel Views)
Por más personal que parezca Affliction, no es ni solipsista ni arrogante. De hecho, la modesta dirección de Schrader deja mucho espacio para que sus intérpretes se esfuercen (y ellos le recompensan con media docena de magníficas escenas de conjunto). Esta cruda y perturbadora película no es la idea que nadie tiene de un árbol de Navidad, pero de todos modos ilumina la oscuridad: Affliction irradia humildad. (J. Hoberman en The Village Voice)
"Aflicción" transmite una sensación de atemporalidad que recuerda a las parábolas bíblicas, a la tragedia griega y a las crudas películas de Ingmar Bergman. Schrader parece entender a estos personajes de manera implícita, y el resultado es probablemente la mejor película que ha dirigido. (Edward Guthmann en San Francisco Chronicle)
Affliction es una de las películas más oscuras de Schrader, hasta el punto de que cambia la perdición existencial de sus héroes anteriores (Travis Bickle, Mishima, John Le Tour, etc.) por un trauma incurable, que lleva a un hombre a su perdición aunque no merezca este trágico destino. Nick Nolte ofrece una de sus mejores actuaciones, pobre diablo en un drama conmovedor y una vez más despiadado. (Le bleu du miroir)
Rechazando todos los efectos estilísticos un tanto fáciles a los que recurre a veces, Schrader, en perfecta simbiosis con sus actores, representa el lado oscuro que con demasiada frecuencia se oculta en las relaciones neuróticas en el seno de la familia, estándar eterno del ideal americano. Una película de oscuridad absoluta, donde Nick Nolte se afirma como uno de los mayores talentos de su generación, que debería clasificarse junto a la suntuosa “Blue Collar” y la desgarradora “Hardcore”. (Sébastien Miguel en Plans américains)
Aquí encontramos el arte del guionista Schrader (...): los personajes, cada uno con su parte de ficciones, soñadas o no, se mezclan para formar una trama de contornos borrosos, como la nieve que borra las huellas, la visión, la pantalla. (Baptiste Piégay en Cahiers du Cinéma)
Schrader subordina su rodaje a la lógica de los personajes y de las situaciones. Esta moderación en la dirección hace que Affliction, una obra de madurez, sea su mejor película desde Light Sleeper, si no la mejor en suma. (Serge Chauvin en Les inrockuptibles)
Película estrenada en España el 8 de mayo de 1998.
Reparto: Nick Nolte, Sissy Spacek, James Coburn, Willem Dafoe, Mary Beth Hurt, Holmes Osborne, Brigid Tierney, Jim True-Frost.
Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a pasar revista a los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado.
"Giulietta de los espíritus" era a nuestro juicio,
un film más brillante y atractivo. Estaba realizado en color y éste había sido
manejado con suma habilidad. "Ocho y medio" ha sido filmado en un
blanco y negro de poco encanto visual. También resulta más oscura la intención
del film. En "Giulietta" no se necesitaba que el espectador se
convirtiese en un sagaz hermeneuta de lo que estaba viendo. Le bastaba con
seguir atentamente el frágil hilo de la acción dramática."Ocho y
medio" es, por lo que puede deducirse de todo lo anterior, un film
interesante, suscitador de sensaciones muy diversas. Lo que no es en ningún
momento, es entretenido. El conjunto de sus simbolismos y esa desbordante
catarata de barroquismos plásticos más bien terminan por producir fatiga. (A.
Martínez Tomás en La Vanguardia del 11 de abril de 1967)
“Ocho y medio” es la película de la contradicción, una película
hermosa y rara, como sólo un artista mediterráneo podría hacerla. Es, sobre
todo, un acto de autocompasión. Fellini se dice: “Qué pobre eres Fellini, que
sólo estás, cómo te comprendo, cómo se alejan los demás de ti.” Por eso, sin
duda, es una pieza brillante, aislada, sin continuación posible, dentro de la
obra total de este realizador italiano. (...) “Ocho y medio” o la confesión de
un hombre que vacila. Un film sugestivo, bello, que no podrá repetir. (Martínez
Redondo en ABC del 14 de abril de 1967)
Convertido en el alter ego de Fellini, Marcello Mastroianni vivirá las angustias previas a un rodaje y deberá enfrentarse a sus fantasmas personales. En este viaje introspectivo, Fellini consiguió una de sus obras maestras, expresando sus obsesiones y fantasías, pero también la soledad del artista en un proceso creativo donde, paradójicamente, debe contar con numerosos colaboradores. El resultado fascina por su riqueza significativa y su sugestiva formulación visual. (Fotogramas)
Si hay que tener reservas sobre el hermetismo deliberado del
guión, sólo nos queda admirar una puesta en escena potente e inspirada, que da
a cada imagen, a cada escena, su mayor eficacia. (...) Película delirante,
frenética, histérica, increíblemente barroca, película a veces irritante,
película ciertamente imperfecta, pero que contiene demasiadas secuencias
inolvidables. (Robert Chazal en France-Soir del 31 de mayo de 1963 y Le Monde
del 1 de junio de 1963)
Esta obra, inusual y desordenado, confundirá, creo, a la mayoría de la gente. Sin duda, su abundante riqueza sólo será perceptible para aquellos cuyas mentes adopten voluntariamente el mismo enfoque que el de Fellini, practicando la asociación de imágenes más que la asociación de ideas. (Henry Rabine en La Croix del 6 de junio de 1963)
Tras el triunfo de crítica y público de La dolce vita (1960), Federico Fellini obtuvo aún más libertad y dirigió esta película, sin duda la más personal, y una de las más brillantes de la historia del cine. El título ha sido objeto de varias interpretaciones, y Fellini se limitó a afirmar que se trataba del número total de sus películas, incluidos los mediometrajes. Tras la deconstrucción de la historia de La dolcevita, el director revoluciona aún más el lenguaje cinematográfico al ofrecer una narración explosiva, mezclando lo real y lo imaginario, el pasado y el presente, y multiplicando la puesta en abismo, con una rica y compleja reflexión sobre la profesión de cineasta y las dudas del artista. (Gérard Crespo en À vor, à lire)
El crítico Alan Stone, en un artículo del Boston Review, deplora la “tendencia estilística de Fellini a enfatizar las imágenes por encima de las ideas”. Lo celebro. Un cineasta que prefiere las ideas a las imágenes nunca pasará del segundo puesto porque está luchando contra la naturaleza de su arte. La palabra impresa es ideal para las ideas; el cine está hecho para ver imágenes, y las imágenes son mejores cuando son libres para evocar muchas asociaciones y no están vinculadas a propósitos estrictamente definidos. Dice Stone sobre la complejidad de “8 1/2”: “Casi nadie sabía con certeza lo que habían visto después de verlo una vez”. Es cierto. Pero esto es cierto para todas las grandes películas, aunque sabes con certeza lo que has visto después de ver una superficial. (Roger Ebert)
La ironía, por supuesto, es que Fellini está en el proceso de crear el tipo de trabajo radical y despejador que está más allá del talento de sus débiles imitadores. Estructuralmente, la película ha sido muy imitada (por ejemplo, por Woody Allen en "Stardust Memories", que robó su premisa básica), pero ningún otro cineasta (con la posible excepción de Cocteau) ha podido retroceder i avanzar tan fácilmente en el tiempo, desde la infancia hasta el presente, o viajar tan fluidamente entre sueños, fantasías y realidad como lo hace Fellini aquí. (Hal Hinson en Washington Post)
Si La dolce vita
reveló un talento de dimensiones casi dantescas, 8 ½ muestra un gusto por la pirotecnia casi pirandelliana. Lo que
hace a 8 ½ profunda, o al menos
respetablemente oscura, es su frecuente reticencia a señalar las transiciones
de la realidad a la fantasia y viceversa. En un instante estamos en un
balneario para ricos ociosos y en el siguiente dentro de la mente del
director-héroe. ¿Cuál es cuál? La cuestión se complica por el habito de Fellini
de buscar los aspectos más fantásticos de la realidad, así que con frecuencia
sus fantasías ligeramente poéticas parecen más realistas que sus realidades
ligeramente satíricas. (Andrew Sarris en The Village Voice del 19 de septiembre
de 1963)
8½ recibe su nombre por ser la octava película y media de Fellini (la mitad proviene del cortometraje de Fellini incluido en una película antológica conocida como Boccaccio '70). Es una obra reflexiva y pulida que llega en un momento de la vida de un cineasta en el que el público podría creer razonablemente que el propio Fellini se sentía de manera similar al Guido de Mastroianni: asustado, vulnerable, insignificante y simplemente no lo suficientemente bueno. Se sabe a menudo que los artistas pueden hacer odas o piezas que reflejen el proceso creativo, pero pocas son tan subversivamente audaces y tan poderosamente empáticas como 8½. (Steve Pulaski)
Película estrenada en Madrid el 13 de abril de 1967 en los cines Pompeya, Palace y Mola; en Barcelona, el 18 de abril de 1967 en los cines Alexandra y Atlanta.
Durante el período de la Restauración en una sociedad dominada por la hipocresía, por el peso de las apariencias y el dinero, la intriga relata los sobresaltos de una historia de amor sin esperanza, mezcla de pasión y rencor entre el general de Montriveau y la duquesa de Langeais. Adaptación de la novela "La Duchesse de Langeais" de Honoré de Balzac.
Rivette tiene un planteamiento interesante en su película, intentando trasladar «literalmente» -y cuando literalmente, me refiero a la misma estructura de la novela, incluyendo los diálogos, el flashback inicial e incluso las especificaciones de las secuencias- todo el sentido que Honoré de Balzac intentó dar al texto original. El problema -y ya van...- es que la literatura tiene un lengua completamente diferente del cine, y los recursos que en las letras funcionan, no lo hacen con las imágenes. (Federico Casado en ABC del 9 de noviembre de 2007)
Tampoco es cierto que esta película carezca de misterio.
Sólo que, como todo en ella, permanece recluido, circulando de espacio en
espacio, de representación en representación, sin encontrar una salida. Y ésa
es a la vez la mayor belleza y la mayor limitación de La duquesade Langeais.
La belleza de un mundo en descomposición –¿el del propio Rivette, el de los
supervivientes de la nouvelle vague?– que se ofrece al espectador como un viejo
teatro de marionetas, como una novela romántica explicada con sorna y
melancolía. Pero también la limitación de un universo que huele a cerrado, que
acaba convirtiéndose en el fantasma de sí mismo. (Carlos Losilla en La
Vanguardia del 7 de mayo de 2008)
Rivette ha sido fiel a la novela, no sólo manteniendo la época, sino respetando el tono del escritor que conjuga perfectamente el discurso crítico de una sociedad hipócrita, superficial y moralista, con la fascinación por la belleza del momento y el placer de mostrar en todo su esplendor una pasión amorosa cargada de peligros. (...) Rivette disfruta con los misterios, las aventuras y la belleza de esta historia donde descubrimos una nueva forma de acercarse al cine Romántico. (Nuria Vidal en Fotogramas)
Trabajo experimental, en suma, no destinado al gran público, pero de interés para todos los que disfrutan con la estética de época y a los seguidores de la obra de Rivette. (Fernando Gil-Delgado en Aceprensa)
La duquesa de Langeais debería verse como un drama de amor o una alegoría política, pero también como una película sobre piratas que abordan un país desarmado. (Antoine Thirion en Cahiers du Cinéma)
La película, en la que [los personajes] se maldicen entre sí, tiene algo de glacial. Los golpea en frío con esa cualidad metálica que hace que su puesta en escena sea a la vez impresionante y seca, a través de un desapego consciente. Una armadura que dos actores impetuosos llegan a desafiar, hasta el punto de perforarla. (Philippe Azoury en Libération)
Jacques Rivette nos regala sin duda una de sus películas más bellas. (Jean-Loup Bourget en Positif)
Es cierto, estamos más cerca de un universo como el de Manoel de Oliveira que del de Fritz Lang. Eso no impide que La duquesa de Langeais consiga lo que se escapa a muchas grandes producciones de época: la pasión romántica de las grandes películas de aventuras que arrasa con todo a su paso. (Alex Masson en Score)
Una vez más, esto permite a Rivette filmar lo que nunca ha dejado de hacer: la luz. Esta luz extraña e inquietante cuyos candelabros colocados en las cuatro esquinas de la habitación son como otros tantos puntos de vista exteriores que hacen vulnerables a nuestros dos protagonistas. Hay esa magnífica escena donde la duquesa se prepara para recibir a Montriveau. Está sentada en un sofá bajo una luz blanca que todo lo consume. Sus pies están descalzos y claramente expuestos. El marqués, una vez sentado a su lado, permanecerá mucho tiempo a los pies de la duquesa, actuando sobre él como un hechizo demoníaco. Para Rivette, la luz debilita los cuerpos, los expone a las tentaciones más salvajes, transforma a los individuos. En esto su cine es muy nervaliano en su capacidad de hacer más fantasmagórica la cruda realidad. Como suele ocurrir, una película de Rivette es una experiencia y ésta es magistral. (Julien Dufour en La plume noire)
¿Te gustará esta película? El espectador medio la encontrará tan impenetrable como su heroína. Pero si te gustan los matices de estilo, si disfrutas de la tensión que cobra fuerza bajo una terrible moderación, si admiras las grandes interpretaciones, entonces te gustará. También es posible que notes los sutiles toques de diseño de Rivette, con muebles, vestuario y velas. (Roger Ebert)
Para Balzac, Antoinette encarna las cualidades y los defectos de la “casta aristocrática” a la que pertenece. Se abalanza sobre Armand, lo espía en un baile, y comienza un peligroso juego del gato y el ratón, sin saber que ella y su presa eventualmente intercambiarán los papeles. El Sr. Rivette parece más amable con ella, como lo demuestra la interacción sutil entre los protagonistas diferentes en el tono. Un actor constreñido como el Sr. Depardieu no te lleva a la angustia de su personaje como lo hace la Sra. Balibar. Pero el Sr. Rivette no es de los que se regodean en la psicología de sus personajes de todos modos. Mucho se habla de su interés permanente en lo teatral, ciertamente en evidencia aquí, pero esto no excluye su interés por la vida. Lo profundiza. Cuando baja el telón, cae como un hacha. (Manohla Dargis en The New York Times del 22 de febrero de 2008)
En manos de otro director, semejante planteamiento sería desastroso. Sería aburrido, en primer lugar, y el estilo se convertiría en una afectación. Pero Rivette nunca aburre. Tiene un mundo dentro de su cabeza, no sólo una película. Así que cuando esas personas caminan de una habitación a otra, Rivette aprovecha el tiempo para mostrar pequeños detalles interesantes: personajes que entran y salen, fragmentos que dan el sabor de la época y una sensación de atmósfera. Aquí no hay nada forzado, sólo una adhesión a la verdad, de modo que una escena en la playa viene acompañada del sonido de las gaviotas, gaviotas ruidosas, porque también había gaviotas en aquella época. (Mick LaSalle en San Francisco Chronicle del 21 de marzo de 2008)
La película, que está basada en una novela corta de Honoré de Balzac, ha tomado algunas de sus frases textualmente, lo que dificulta aún más el acceso. Porque recuerda: palabra escrita no es igual a palabra hablada. Además, el espectador también tiene que realizar un trabajo de lectura: como en los viejos tiempos del cine mudo, se activan repetidamente intertítulos explicativos. Según el director Rivette, Balzac debería ser retratado de la forma más pura posible. Existe la duda de si la transcripción literal de la novela ofrece realmente la única solución posible a este problema. Una adaptación algo más libre podría haber tenido un efecto menos soporífero. Es cierto que no es muy fácil con esta historia. (Simon Eberhard en Outnow)
Película estrenada en España el 30 de abril de 2008.
Reparto: Jeanne Balibar, Guillaume Depardieu, Bulle Ogier, Michel Piccoli. Anne Cantineau, Mathias Jung.
Isla de Wight (Gran Bretaña). Tras un siglo de funcionamiento, el hospital infantil de Mercy Falls está a punto de cerrar sus puertas. Amy, una enfermera americana, contratada para cubrir el turno de noche mientras se lleva a cabo la evacuación de los niños a otros centros, detecta algo extraño: los niños están muy asustados y hablan de algo invisible y aterrador: la niña mecánica, y aseguran que vive en una planta del edificio que fue clausurada hace más de cuarenta años. Poco a poco, esa criatura se irá haciendo más evidente y agresiva. Para descubrir la verdad y proteger a los niños, Amy tendrá que enfrentarse a los que no la creen y a los miedos de su propio pasado.
Sabe Balagueró encerrar la trama, enclaustrarla en espacios
confusos, borrosos, oscuros, propicios a la aprensión y al espanto. (...) Pero
ocurre que hay que darle solución a aquéllo, y ahí se embarranca la película (o
al menos, el argumento) y sale del apuro por donde puede: si los huesos saltan
hechos astillas, por qué no también la lógica. Aunque la pregunta clave en el
género suele ser: pero, ¿da o no da miedo?... Y la respuesta es que hay algunas
escenas de desván que, si uno no se las toma a risa, pues puede pillarle algun respingo
desprevenido. (E. Rodríguez Marchante en ABC del 14 de octubre de 2005)
Le ha salido una película más enjundiosa que Darkness, de mayor empaque y hechizo
visual, en la que la sobria realización anda pareja con un diseño de producción
exquisito y una fotografía muy creativa. (...) Pero Frágiles no es una película redonda. Por un lado, falla, como
siempre en premisas de este tipo, el desenlace, la explicación racional a un
hecho de naturaleza fantástica. Por otro, el perfume de operación prefabricada,
de producto para la exportación, el mismo perfume de Darkness, por muy lícito
que sea, tiende a devaluar sus virtudes, algo que todavía no sucedía en Els
sense nom. (Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia del 16 de octubre de 2005)
Con un valiente y plausible estilo depurado que se acerca a los personajes, vivos o traspasados, de forma calmada (los espejos en los que revelan secretos Calista Flockhart y Richard Roxburgh), Balagueró recrea La Bella Durmiente y el mejor cine de misterio parapsicológico británico con princesas, hadas maléficas enamoradas, impagables espiritistas y una clave secreta para resolver el quid argumental digna de Agatha Christie. (Fausto Fernández en Fotogramas)
Especializado en el género, a Balagueró se le da bien crear una atmósfera oscura y sugerente, mantener el suspense y asustar en un par de ocasiones al espectador. Le ayuda en su cometido la excelente fotografía de Xavi Giménez, colaborador habitual del cineasta y responsable también de este apartado en la inquietante El maquinista. (Decine21)
Frágiles sigue un camino cinematográfico muy trillado, ofreciendo sólo una ligera progresión en cada escena para salvar la revelación del enemigo al final, al igual que los recientes e icónicos horrores japoneses The Ring y Dark Water. No te hará estremecer tanto como aquellos, sin embargo evita los peligros de caer en el exceso de las interminables secuencias de muerte que arruinaron muchas de las películas de Hollywood del género. El guionista y director Balagueró (The Nameless, Darkness) hace hincapié en mantener su historia muy específica y utiliza colores apagados junto con una banda sonora espeluznante para proporcionar una atmósfera tensa, a pesar de que los entornos hospitalarios han sido utilizados durante mucho tiempo como escenario para thrillers a lo largo de la historia del cine. (Mike Barnard en Future Movies)
La localización elegida para el antiguo hospital es ciertamente evocadora. El segundo piso en particular está bellamente iluminado y tiene un aspecto aterrador. Los efectos de sonido hacen un excelente trabajo de apoyo, pero en las tres cuartas partes de Frágiles hay demasiadas inverosimilitudes y la película ya no se puede tomar en serio. El final alargado es más ridículo que aterrador, sin mencionar la última escena. El escenario es adecuado y los niños enfermos siempre son una buena base para un ambiente espeluznante, pero después de la sólida primera hora es imposible suspender más la incredulidad. Resulta un film entretenido hasta el final, pero éste pide demasiado sentido común para dejar una buena impresión. (Ronald Simons en The Cult Corner)
Balagueró sabe crear suficiente tensión con una atmósfera oscura, pasillos oscuros y sonidos aterradores para mantener la atención del espectador. La escena del ascensor en la que Amy se queda atrapada con un paciente es especialmente emocionante. Desafortunadamente, la película está llena de clichés y hay pocos giros sorprendentes en la historia. El clímax en particular no es satisfactorio. Luego veremos a la "chica mecánica", una mujer de aspecto aterrador con metal alrededor y a través de su cuerpo. Tiene un aspecto tan extraño que no despierta mucho miedo. Aunque no llega al nivel de Darkness (2003), el director Balagueró ha hecho una película de terror entretenida y suficiente para una velada de terror. (Marvin Heineman en Cinemagazine)
La película, contada de forma bastante tranquila y silenciosa, resulta muy rápida: no se detiene en trivialidades. El objetivo aquí es asustar, confundir y escandalizar al espectador y normalmente lo consigue de forma incruenta. Balagueró sabe en qué puede confiar si quiere conseguir su objetivo. Por eso, las dislocaciones y fracturas de huesos pueden impactarte mucho más que cualquier efecto sangriento. Y la simple dosis dentro de esta historia atmosférica es igual de correcta. Frágiles es, por lo tanto, una pequeña recomendación adicional sin ser un gran film dentro del género. En cualquier caso, siempre se agradecen los aportes que logran asustarnos. (Schlombies Filmbesprechungen)
Más clásica que sus películas anteriores, Frágiles quizás decepcione a los fans de Balagueró, porque no podemos evitar hacer referencias a Session 9 de Brad Anderson, a Saint Ange de Pascal Laugier o incluso a El Reino de Lars Von Trier. Pero esta nueva variación tiene bastante éxito. Porque Balagueró explota conscientemente su entorno, con un clásico segundo piso en desuso y pasillos inquietantes. Sin embargo, nunca se entrega al exceso de sensacionalismo, ni en el uso de luces ni en el de las apariciones. (Olivier Bachelard en Abus de ciné)
Tras Darkness, Jaume Balagueró no cambia de opinión y con Frágiles entra en el camino de una fantasía clásica y exigente, donde se abandona la frivolidad del descubrimiento en favor de la perfección de una historia refinada hasta sus fundamentos primeros. Por el momento, ahogada en medio de la fuerte presencia de películas de fantasmas principalmente asiáticas, Frágiles se consolidará sin duda a lo largo de los años como una gran obra dedicada a la figura del fantasma. Volveremos a hablar de ello dentro de diez años. (Eric Dinkian en DeVilDead)
Película estrenada en España el 14 de octubre de 2005.
Reparto: Calista Flockhart, Richard Roxburgh, Elena Anaya, Gemma Jones, Colin McFarlane, Ivana Baquero, Yasmin Murphy.
Alan Gaskell (Clark Gable) es el capitán de un barco experto en cruzar los mares de China. Es un hombre experimentado, fuerte y aguerrido, al parecer de vuelta de todo. En cierta ocasión, el barco debe transportar un importante cargamento de oro desde Hong Kong hasta Singapur. Gaskell teme algo más peligroso que un tifón; el ataque, frecuente en la zona, de los piratas para hacerse con el botín.
La cinta es —insistimos—una de las más notables de cuantas nos han sido presentadas esta temporada. Estos mares lejanos, cuajados de piratas y de bandidos, en los que la aventura es siempre un riesgo y un riesgo peligroso, han sido reflejados con toda la belleza de sus juncos y el abigarramiento de sus marinerías. La parte puramente sentimental de la cinta ha sido tratada con un acierto innegable, porque no llega a imponerse nunca por si sola y, en cambio siempre aparece estrechamente relacionada con la acción. La actriz es Jean Harlow. y no tenemos inconveniente alguno en reconocer que su labor, en esta cinta, es de lo mejor de su carrera. (Alberto Gracián en La Vanguardia del 14 de marzo de 1936)
Mares de China pudo ser una gran película, pero se ha quedado
en intento por la poca habilidad de los escenaristas; Furthman y
McGuiness, atentos sólo al interés de episodio y a la velocidad,
han dejado sin resolver muchos de los problemas que se plantean en un
escenario que quiere conseguir el ritmo a justificar la continuidad.
Con todo, Tay Garnett logra bellos fotogramas cuando depende
exclusivamente de él la conducción de la cámara, (…) Pero cuando
el escenario vuelve a imponerse y dicta el camino a seguir Tay
Garnett no es más que un realizador discreto. Dentro del mismo tono
de discreción que envuelve casi continuamente a la película, salvo
en los momentos señalados, por parte del animador, o en los que se
deben a la iniciativa personal de los magníficos intérpretes.
(Antonio Barbero en ABC del 12 de abril de 1936)
En su afán por complacer, la película incluye todo lo que hay en el repertorio en su descripción del viaje del carguero desde Hong Kong a Singapur. Se puede recomendar como un espectáculo ruidoso y alborotador, que convierte en una distracción pasable temas bastante familiares. (...) Pero "China Seas" contiene tal abundancia de comedia y melodrama que sigue siendo entretenida incluso después de haber señalado sus defectos. (André Sennwald en The New York Times del 10 de agosto de 1935)
Todos parecen estar disfrutando enormemente haciendo esta película llena de diálogos chispeantes y acción ingeniosa, gracias al ágil guión de Jules Furthman y James Kevin McGuinness (basado en la novela de Crosbie Garstin) y la habitual producción de MGM de los años treinta. El productor Irving Thalberg quería una película que generara dinero y ésta lo era. (Derek Winnert)
Las escenas de acción abundan, incluido el obligatorio tifón que se precipita sobre el barco y envía olas que se estrellan contra la cubierta, lo que permite episodios de heroísmo y cobardía. Los piratas atacan y disparan y buscan el oro en la caja fuerte mientras Wallace Beery juega sutilmente con ambos bandos. Y estos efectos, debo admitirlo, me recuerdan cuánto prefiero el viento y la lluvia artificiales al viento y la lluvia creados por el ordenador. El material generado por el ordenador parece real. El material creado por el hombre se siente real. No es que importe tanto, ya que los efectos son meramente relleno entre las bromas de Harlow, Gable y Beery, que, como sabemos, triunfan sobre cualquier tempestad. (Nick Prigge en Cinema romántico)
Si bien esta película en su conjunto sigue siendo menor, tiene especialmente el mérito de confrontar a tres figuras clave del Hollywood de los años 30: Clark Gable, un exigente capitán con un corazón de oro; Wallace Beery, una cara increíble para hacer de embaucador; y Jean Harlow, cuya carrera fue demasiado corta, que aparece como descarada, buena chica y siempre vestida con atuendos increíbles. (À voir, à lire)
Fue en 1935, tras regresar de un viaje de dos años alrededor del mundo en su barco, cuando Tay Garnett firmó China Seas. Mezclando hábilmente romance y aventura, comedia y melodrama, se lanza a esta increíble historia de piratas en el Mar de China, interpretada por magníficos actores, Clark Gable, Jean Harlow y Wallace Beery. Aquí encontramos felizmente al mismo cineasta que filmó para la televisión a principios de los 70 de forma subrepticia, casi de contrabando, algunos capítulos maravillosos de LosIntocables, Caravana o Bonanza. (Louis Skorecki en Libération)
Esta es una de las últimas películas de Jean Harlow: la Rubia Platino interpreta a China Doll, una aventurera que se enamora de Clark Gable, mientras viaja en un barco cargado de oro. La película es bonita, el exotismo perfectamente falso y la dirección de Tay Garnett es cuidada. Pero es evidentemente Jean Harlow quien llama la atención. (François Forestier en Le Nouvel Obs)
Esta exótica aventura en el Mar de China es divertida, dramática y bastante improbable. Jean Harlow, la chica celosa y mal educada y Clark Gable, el capitán gruñón, son los pilares de la película. El barco lleva una apisonadora que espera a caer por la borda durante una tormenta y también un cargamento de oro. Vivimos un tifón y la nave es secuestrado por piratas malayos. Los papeles secundarios están esbozados con humor. Encontramos al eterno borracho que no se da cuenta de nada y las posturas afectadas de las mujeres de la alta sociedad. En definitiva, una buena peli para disfrutar en paz. (L'Oeil sur l'Ecran)
Estrenada en Barcelona el 13 de marzo de 1936 en el cine Fémina; en Madrid, el 11 de abril de 1936 en el cine Callao.
Reparto: Clark Gable, Jean Harlow, Wallace Beery, Lewis Stone, Rosalind Russell, Cecil Aubrey Smith, Robert Benchley, Dudley Digges.
