Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett.
La principal virtud de "Lo que el viento se llevó", estrenada anoche en el Palacio de la Música, y ofrecida aquí privadamente hace años, es la de su fuerza de permanencia y el no desmerecer, sino sobrepasar las producciones de última hora reputadas magistrales. De este modo cabe afirmar que la cinta de Víctor Fleming marca un instante trascendente en la Historia fílmica universal. (Donald en ABC del 18 de novembre de 1950)
Lo que el viento se llevó da lo que prometía, pero también cosas no esperadas, cosas que uno podia lícitamente suponer arrinconadas y envejecidas por el tiempo transcurrido. Da, en pocas palabras, una técnica realizadora rigurosamente actual, que en su tiempo marco un ápice y que hoy continúa en legítima primera línea, aun no superada en su clasicismo y en sus innovaciones por el propio cine americano. (H. Sáenz Guerrero en La Vanguardia del 18 de noviembre de 1950)
Una de las películas más famosas y mitificadas de la historia, en cuya azarosa gestación participaron guionistas como Ben Hecht, Jo Swerling y Francis Scott Fitzgerald, y directores como George Cukor, Sam Wood y William Cameron Menzies, cuyo diseño de producción marcó las pautas de la realización. Su mito supera a su propia entidad, pero posee una notable factura y una auténtica garra melodramática. (Fotogramas)
A pesar de resultar bastante maniqueo abordando asuntos impregnados de
las peculiariades y valores del territorio sureño estadounidense: el
honor, el orgullo, la familia, la tierra, la propiedad, sin eludir el
tema de la esclavitud… “Lo Que El Viento Se Llevó” siempre permanecerá
con su valor incólume, incrustando en el subconsciente cinéfilo
memorables escenas y diálogos. (Aloha Criticón)
La grandeza épica y el encanto romántico de Lo que el viento se llevó encapsulan una era del cine de Hollywood, pero eso no puede excusar una perspectiva ciega que se encuentra en el lado equivocado de la historia. (Rotten Tomatoes)
La subestimación también tiene sus usos, por lo que la crítica de esta mañana sobre el evento de anoche comenzará con la anotación casual de que fue un gran espectáculo. Funcionó, y seguirá funcionando, durante unas 3 horas y 45 minutos, que todavía son unos días y horas menos que lo que dura el tiempo de lectura de la novela y es un período en el que la columna vertebral puede quejarse antes que el ojo o el oído. Es pura narrativa, como lo fue la novela, antes que un gran drama, como no lo fue la novela. Con esto queremos decir que dejarás el film, no con la sensación de haber vivido una profunda experiencia emocional, sino con el cálido y agradecido recuerdo de una interesante historia bellamente narrada. ¿Es la mejor película jamás realizada? Probablemente no, aunque es el mural en movimiento más grandioso que hemos visto y la aventura cinematográfica más ambiciosa en la espectacular historia de Hollywood. (Frank S. Nugent en The New York Times del 20 de diciembre de 1939)
Su estereotipo de esclavos felices y amos amables induce más que nunca a una mueca de dolor (los escritores afortunadamente eliminaron las referencias pro-Ku Klux Klan de la novela). Pero nadie ve 'Lo que el viento se llevó' por su precisión histórica. Lo que nos mantiene sentados en la butaca son cuatro horas de romance épico en hermoso Technicolor. La esclavitud, la Guerra Civil, el incendio de Atlanta, una calle llena de soldados muertos: todo es sólo un telón de fondo para el evento principal, Scarlett y Rhett. El jurado feminista todavía está deliberando sobre la belleza sureña Scarlett O'Hara (Vivien Leigh). ¿No es nada más que un ladrona de maridos en serie? ¿O una mujer moderna resistente que hace lo que puede para sobrevivir? Tú decides. Rhett (Clark Gable) es el playboy bebedor que, cuando mira a una mujer, ve a través de sus enaguas. Scarlett: 'Alimaña de corazón negro' (guarde esa expresión para usarla en el futuro). Rhett: "Nunca significarás nada más que miseria para un hombre". Francamente, tendrías que tener el corazón negro como Rhett para que todo eso no te importe un carajo. (Cath Clarke en Time Out)
Lo menos que se puede decir es que la película es indulgente con la Confederación (sus oficiales son llamados repetidamente "caballeros") y también, de paso, con la idea de la imposición de los derechos conyugales de un caballero. El texto del principio se refiere con franqueza a la "civilización" perdida basada en "el Amo y el Esclavo", como si estuviéramos hablando de los antiguos egipcios, en lugar de algo que existe en la memoria viva. Retratar a los esclavos como seres dóciles y felices parece grotesco ahora, aunque podría decirse que no es más insidioso que la producción actual de Hollywood, y no se puede negar la pura fuerza que vertebra la narración de la película. En la pantalla grande, los enormes exteriores y los horizontes en llamas tienen una calidad expresionista de ensueño. Es un film extraño, loco y operístico. (Peter Bradshaw en The Guardian)
"Lo que el viento se llevó" presenta una visión sentimental de la Guerra Civil, en la que el "Viejo Sur" toma el lugar de Camelot y la guerra se libra no tanto para derrotar a la Confederación y liberar a los esclavos como para dar su merecido a la señorita Scarlett O'Hara. Pero eso lo hemos sabido durante años; la nostalgia contaminada viene añadida. Sin embargo, a medida que "Lo que el viento se llevó" se acerca a su 60 aniversario, sigue siendo un hito imponente como película, simplemente porque cuenta una buena historia, y la cuenta maravillosamente bien. (Roger Ebert)
Una película a prueba de críticas, si alguna vez hubo una: no es tan buena, pero de alguna manera es genial. La primera parte, en la que la graciosa cámara en movimiento de George Cukor (que pronto será reemplazado) establece el ordenado mundo de Tara en elegantes términos visuales, es realmente muy buena. Pero la última mitad es un desenlace lento e inconexo, y la muerte de la niña es el truco más sucio de un guionista. Nadie que yo sepa ha resuelto aún el secreto del atractivo aparentemente atemporal de esta película de 1939, aunque supongo que tiene algo que ver con los elaborados mecanismos del destino, la historia y el sexo soportados por Scarlett, cuya arrogante líbido debe ser castigada tan magníficamente como ha sido celebrada. Las superposiciones de colores llamativos, que son la única excentricidad estilística de la película, fueron la contribución de su autor secreto, el diseñador de producción William Cameron Menzies. Víctor Fleming la firmó, aunque hubo muchas, muchas manos en este pastel. (Dave Kehr en Chicago Reader)
Nunca podré explicar a mis estudiantes de cine más serios por qué los árboles retorcidos y las majestuosas mansiones de William Cameron Menzies, la partitura melódica y malhumorada de Max Steiner y la inefable belleza y crueldad de Vivien Leigh pueden ejercer un hechizo tan hipnótico incluso en los cinéfilos que deberían apreciar esto de manera más adecuada. Es mucho, mucho más fácil analizar las profundidades antisépticas de Potemkin y Persona que las banalidades infecciosas de Lo que el viento se llevó. Digamos simplemente que hay algo en la mayoría de nosotros que siempre respetará el talento de Selznick para la narración pasada de moda y con mucho cuerpo, incluso cuando ahora rendimos homenaje a las formas más anémicas del intelectualismo en el cine moderno. Y, en última instancia, está la sonrisa de Vivien Leigh en la pantalla, que es como un rayo de sol que atraviesa el corazón. (Andrew Sarris)
La adaptación de una obra romántica, cuando se hace con el cuidado, la escala, la inteligencia que aportó Victor Fleming a Lo que el viento se llevó (…) es todo cine. (André Lang en France Soir del 6 de agosto de 1955)
Una pintura monumental de un país que oscila entre la prosperidad y el apocalipsis, Lo que el viento se llevó es una de esas obras maestras que te sorprenden por su belleza y densidad. Cautivado por este romance torturado y por la calidad incomparable de este inmenso clásico, solo puedo confirmar su condición de pieza central del séptimo arte. (Quentin Coray en À la rencontre du septième art)
Lo que el viento se llevó se inspira donde menos se esperaba: el expresionismo. Al igual que el movimiento nacido en Alemania en la década de 1920, la película utiliza la geometría y la inmensidad de los decorados para traducir la existencia de espacios que desafían la comprensión humana. En la mítica escena que precede a la "violación" de Scarlett por Rhett, la parte superior de las gigantescas escaleras por las que sube el personaje se sumerge en la oscuridad, marcando así la entrada de los dos héroes en una dimensión desconocida e irracional, que los supera a ambos. Distorsionados por juiciosos juegos de luces, los rostros de los personajes muestran un lado de su personalidad que quisieran ocultar o traducir sentimientos indecibles. Lo que el viento se llevó es una película donde las emociones nacen de las sensaciones en bruto, ligadas directamente al dinamismo de la puesta en escena, enlazando primeros planos y panorámicas con una facilidad y fluidez formidables, donde no se desperdicia ningún metro de película. (Ophélie Weil en Critikat)
Película estrenada en Madrid el 17 de noviembre de 1950 en el cine Palacio de la Música; en Barcelona, el mismo día en el cine Windsor.
Reparto: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Thomas Mitchell, Hattie McDaniel, Butterfly McQueen, Harry Davenport, Jane Darwell, Ona Munson, Laura Hope Crews.
Un título mítico en la historia del cine.
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