Duel (1971). Steven Spielberg

Cuando David intenta adelantar a un camión cisterna no se imagina que el conductor se lo tomará como una ofensa personal. A partir de ese momento, el diabólico camionero someterá a David a una persecución mortal.

Un viajante de comercio y un misterioso camión que le persigue son los únicos ingredientes de esta historia minimalista que constituye el primer gran trabajo como director de Steven Spielberg. Originalmente filmada para televisión, fue exhibida en cines en Europa en los primeros años 70 pero no tuvo estreno comercial en Estados Unidos hasta 1983, después de que Spielberg se hubiese convertido en un director famoso. El escritor Richard Matheson urdió un ejercicio de paranoia, con Dennis Weaver como el viajante, en el cual el rostro del conductor del camión nunca se muestra y sus motivos quedan poco claros. Por lo tanto la historia tiene un tono kafkiano cuando el viajante es torturado psicológicamente mientras es aterrorizado físicamente. Spielberg muestra un gran entendimiento de lo que es la acción, aunque ocasionalmente pueda volverse algo repetitiva. Es difícil imaginar a partir de este film austero y barato que Spielberg emprendería una carrera dedicada a las superproducciones de gran presupuesto y muchos efectos especiales.

Realizada en un principio para la televisión, su brillantez estética e intrigante pulso narrativo consiguieron que esta primera y barata obra de un jovencísimo Steven Spielberg fuera exhibida en la pantalla grande. Convertida hoy casi en un film de culto, se trata de un trepidante relato que narra la persecución por carretera a la que se ve sometida un conductor con su coche... por parte de un misterioso camión al que no consigue perder de vista. Personalmente prefiero las mandíbulas a los guardabarros, pero ésta es una imprescindible primera lección de un director magistral. (Pablo Kurt)

"Demostración de que el talento tiene más importancia que los medios. El guión es de Richard Matheson, un gran novelista de Ciencia-Ficción y un gran guionista de terror" (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

 

Producido originalmente para la televisión, el primer film oficial de Spielberg sigue contándose entre los mejores de su obra. Su argumento es mínimo: un camión persiguiendo sin tregua a un inofensivo conductor. Esta situación única tiene un tratamiento excepcional, con una graduación progresiva de la atmósfera angustiosa que llega a un climax insuperable. (Fotogramas)

 

Título español: El diablo sobre ruedas.

 

Reparto: Dennis Weaver,  Eddie Firestone, Jacqueline Scott.

H.M. Pulham, Esq. (1941). King Vidor

Harry Pulham, miembro de una destacada y aristocrática familia de Boston, pasa sus primeros años en la Universidad de Harvard. Tras el paréntesis de la guerra, Harry acepta un trabajo en una importante agencia de publicidad de Nueva York, donde conoce y se enamora de la bella Marvyn Miles, pero la muerte repentina de su padre le hace volver a Boston. Decide quedarse a vivir, pero Marvyn no puede soportar el ambiente de puritanismo que se respira en esa ciudad.

La MGM funcionaba tan bien en 1941 que podía permitirse un film de "prestigio" ocasional con poco atractivo para la taquilla. Basado en una novela de J.P. Marquand, está protagonizado por Robert Young en el papel de un hombre de negocios de éxito pero arrastrando el peso del pasado. El brillo de tristeza en los ojos de Young indica que su ascensión hasta la cima ha tenido un precio. En flashbacks vemos cómo Young consideró cambiar su vida casándose con Hedy Lamarr. Sin embargo, después de casarse con su esposa Ruth Hussey, nunca se desvió de su camino. El film utiliza el monólogo interior que oímos en la banda sonora y se anticipa a Citizen Kane (que áun no se había estrenado cuando el film de Vidor se filmó) construyendo su narración entera sobre una estructura de flashbacks. La película contiene la que puede ser la mejor interpretación de Robert Young, aunque pocos aficionados se interesaron lo suficiente para verla en su época.

Adaptación de una novela de John P. Marquand, discreto escritor especialmente recordado por ser el creador del personaje Mr. Moto, en la que se propone un melodrama introspectivo cuyo eje es la relatividad de los conceptos éxito y fracaso. Narrada con una admirable serenidad y un sentido de la contención que permite distanciar lo emotivo de lo sentimentaloide, constituye una pieza de culto. (Fotogramas)

Título español: Cenizas de amor.

Reparto: Hedy Lamarr, Robert Young, Ruth Hussey, Charles Coburn.

Il gattopardo (1963). Luchino Visconti

Película basada en la novela homónima (1958) de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y los protagonistas son Don Fabrizio, Príncipe de Salina (Burt Lancaster), y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de Sicilia por las tropas de Garibaldi (1860). Para alejarse de los disturbios, la familia se refugia en la casa de campo que posee en Donnafugata en compañía del joven Tancredi (Alain Delon), sobrino predilecto de Don Fabrizio y simpatizante del movimiento liberal de unificación.

Obra clave del cine europeo de los años sesenta, y una de las películas más importantes y alabadas de Luchino Visconti.(Film Affinity)

"Obra maestra. (...) profunda reflexión acerca de la decadencia. (...) El magnífico Burt Lancaster ve cómo su mundo aristocrático se derrumba y su clase social desaparece en este tratado de cine tan elegante como moderno." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

 

Con una dirección magistral y una puesta en escena de fuertes influencias pictóricas, “El Gatopardo” se sustenta en un guión rico en detalles y matices de Suso Checci D’Amico y Enrico Medioli entre otros, al que Visconti viste con las mejores galas, arropado por la brillante fotografía de Giuseppe Rotunno, el suntuoso vestuario de Piero Tosi y la inmortal partitura de Nino Rota, -que adaptó una sinfonía suya inacabada, y recuperó un vals inédito de Verdi-, para regalarnos esta hermosa, lúcida y barroca reflexión sobre un mundo que se extingue serenamente en los dulces brazos de la muerte.

En nuestras retinas quedan grabados para siempre momentos de gran cine: La entrada de una deslumbrante Angélica en la cena de bienvenida a Donnafugata; la larga secuencia de la fiesta, -imprescindible para comprender el sentido último de un film irrepetible-, y sobre todo ese momento mágico en el que un Don Fabrizio cansado y una bellísima Angélica, vestida de blanco, bailan un vals como metáfora viva de un pasado que se extingue y un futuro que ya es el presente, y de que efectivamente “todo ha cambiado para que todo siga igual”.

Obra maestra absoluta y lección suprema de cine, no apta para todos los públicos.(Harry Lime en Film Affinity)

 

Espléndida adaptación de la novela de Giuseppe Tomasi Di Lampedusa que, por una parte, constituye un memorable espectáculo histórico y, por otra, se erige en profunda reflexión política, social y moral. La coherencia y rigor con que se enlazan ambas dimensiones la convierte en la obra maestra de su director y en uno de los títulos claves en el cine de las últimas décadas. (Fotogramas)

Título español: El gatopardo.

Reparto: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Romolo Valli, Rina Morelli.

The Spiral Staircase (1945). Robert Siodmak

Una joven muda (McGuire) trabaja en una gran mansión como criada de una anciana enferma. Cuando un asesino en serie empieza a aterrorizar al vecindario, la señora se preocupa por la seguridad de su bella sirvienta. De este film de suspense se dijo que Hitchcock no lo hubiera hecho mejor. (Film Affinity)

Un film gótico eficazmente escalofriante con una atmósfera ominosa y expresionista. La mansión Warren, con su cuestionable grupo de residentes y criados encabezado por la dura matriarca Ethel Barrymore, es ya tan retorcida como la escalera del título, incluso antes de que se sospeche que hay un asesino en la casa. Intensificando la amenaza visual de la mansión vieja y aislada y la noche oscura y tormentosa del clímax, Siodmak revela la siniestra presencia del asesino que acecha a la muda Dorothy McGuire únicamente a través de primeros planos de sus ojos enloquecidos y furtivos, los mismos ojos que ya asesinaros a otras jóvenes con minusvalías físicas. McGuire comunica con destreza una amplia serie de emociones a través de la mímica y su discapacidad acrecienta el suspense, haciendo su reacción más potente ante la amenaza final. Recibido en 1946 como un sólido thriller independientemente de los detalles de que hace uso para explicar una patología, en 1975 se filmó un remake bastante menos escalofriante.

Adaptación de una novela de Ethel Lina White ("Alarma en el expreso", "Misterio en la noche"), que se ha convertido en un clásico del cine de suspense. Pese a que se han buscado semejanzas con Hitchcock, sus resortes de angustia son muy distintos y se basan en la tradición germánica de su director, tanto en la concepción formal, de sobrecogedores claroscuros, como en la densidad anímica. (Fotogramas)

Título español: La escalera de caracol.

Reparto: Dorothy McGuire, George Brent, Ethel Barrymore, Rhonda Fleming, Elsa Lanchester.

The Cotton Club (1984). Francis Ford Coppola

América, años veinte. El Cotton Club es el night club de jazz más famoso de Harlem (Nueva York). Su historia es la historia de la gente que frecuenta el local: Dixie Dwyer (Richard Gere), un atractivo trompetista que busca el éxito y cuya suerte cambia radicalmente cuando salva la vida del gángster Dutch Schultz; Sandman Williams (Gregory Hines), un brillante bailarín negro que sueña con convertirse en estrella, o Vera Cicero (Diane Lane), la novia de Dutch Schultz, una joven bella y ambiciosa cuya vida corre peligro debido a la pasión prohibida que siente por Dixie. Guión de Francis Ford Coppola, William Kennedy y Mario Puzo.

Concebida por el productor Robert Evans como su máximo logro y su debut como director, Evans tuvo que entregar esta complicada producción a Coppola, pero el presupuesto se disparó fuera de control y el guión fue reescrito variasa veces durante un rodaje caótico. El film obtuvo algunas críticas favorables (aunque se remarcó la subordinación de las líneas argumentales referidas a afroamericanos). Sin embargo, no encontró el suficiente éxito de público para justificar el exceso de presupuesto y la controversia, convirtiéndose en otro argumento contra el cine de autor de los 70 en medio de un Hollywood de los 80 que se dirigía cada vez más hacia las grandes superproducciones.

"Excelente cinta en la que Coppola propone un excepcional homenaje a una época, un modo de hacer cine y una forma de entender la música". (Fernando Morales: Diario El País)

El maestro Coppola hace una lujosa evocación de los tiempos gloriosos del jazz a través del famoso club de Nueva York de finales de los años 20. Dado su alto presupuesto y su conocido reparto, fue considerada una superproducción que aspiraba a conquistar premios y taquilla, pero, a pesar de conseguir buenas críticas, no tuvo éxito. (Films Affinity)

Un film moderadamente estimable que bucea en la tradición de los géneros cinematográficos con notable fluidez. Su pretexto unificador es el mítico local en el que actuaron todos los grandes del jazz de los años treinta. Su historia entrelaza melodrama, musical y cine negro con evidente habilidad pero una excesiva tendencia a la dispersión. Su ambición es muy superior a sus resultados. (Fotogramas)

Reparto: Richard Gere, Diane Lane, Gregory Hines, Nicolas Cage, Bob Hoskins, Gwen Verdon, Tom Waits, Laurence Fishburne, Fred Gwynne, Sofia Coppola.