Un infeliz gendarme, fiel cumplidor de su trabajo, se enamora
perdidamente de una prostituta a la que detiene en una redada. Por ella
dejará su trabajo, se enfrentará al chulo que la explota y, gracias a un
golpe de suerte, se convertirá en el nuevo matón del pintoresco barrio
de "Les Halles", el mercado de abastos de París. A partir de ese
momento, aunque con ciertos escrúpulos, vive de la chica, que lo
considera su nuevo protector, y él por amor la deja hacer.
Lemmon en estado puro y la maravillosa MacLaine en su mejor época
dirigidos por el maestro Wilder. Así sólo podía salir una divertida,
genial y gozosa comedia. (Pablo Kurt)
"Amores difíciles para una cinta llena de encanto. Imprescindible" (Fernando Morales: Diario El País)
Adaptación de una comedia musical de Alexandre Breffort y Marguerite
Monnot, que Peter Brook había estrenado en 1960. En la versión
cinematográfica, Wilder respetó la estructura original -aunque el
personaje de Jack Lemmon no fuera un gendarme sino un estudiante- pero
eliminó la mayor parte de sus números musicales. El resultado fue una
comedia brillante dentro del peculiar registro agridulce de su director.
Su secreto estriba en saber mantener el equilibrio entre lo emotivo y
lo sarcástico.(Fotogramas)
Reparto: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi.
Título español: Irma la dulce.
Charlie Davis es un chico de familia humilde que aspira a conseguir la
fama en el mundo del boxeo. Aunque su madre y su novia desaprueban su
decisión, Charlie se asocia con Robert, un promotor de combates de
boxeo, y va perdiendo los escrúpulos poco a poco, llegando a dejarse
vencer en un combate amañado.
"Obra asfixiante, desoladora y brutal que retrata una sociedad
corrompida que convierte en dioses al poder y el dinero por medio de
unas sombras llamadas boxeadores." (Miguel Ángel Palomo: Diario
El País)
En "Cuerpo y Alma" se conjugan felizmente la eficacia narrativa, de la
mano de un espléndido guión de Abraham Polonsky, y la brillantez formal, tanto
en la elegante realización, como en la hermosa fotografía y veraz
ambientación, que recrea garitos, clubes, casas y barrios muy creíbles.
Los personajes están bien concebidos, desde Davis (buen Garfield) a Peg
(magnífica interpretación de Lilli Palmer), pasando por Ben Chaplin
(Canada Lee), que encarna el arquetipo del boxeador derrotado y de
destino trágico, así como los demás secundarios. (Film Affinity)
Excelente melodrama sobre el mundo del boxeo que fue el precursor de una
serie de films que, en los años siguientes, denunciarían la corrupción
del medio. Rossen contó con un admirable guión de Abraham Polonsky, que
plasmó con singular pericia. Supo combinar el tono cortante y duro del
género negro con otro más suave, lo que le confiere una gran fuerza.(Fotogramas)
Reparto: John Garfield, Lilli Palmer, Hazel Brooks.
Título español: Cuerpo y alma.
Nacido en 1856 en Freiberg, en una familia judía -cosa que, como muestra una escena clave del film, tuvo una gran importancia-, Freud se traslada con su familia a Viena, donde se doctora en 1881.
El film examina la vida del padre del psicoanális a través de la lente de sus propias teorías. Cuestionando el carácter de Sigmund Freud en puntos integrales de su desarrollo, el director Axel Corti y el guionista Georg Stephan Troller invierten el modelo psicoanalítico y sitúan al analista en la posición del analizado.
Desde la temprana infancia de Freud, donde su familia se enfrenta a un agresivo antisemitismo, hasta los años de estudiante en Viena, donde estudia la facultades reproductivas de las anguilas, el film sondea profundamente en la manera en que las propias experiencias de Freud y los procesos inconscientes pueden haber inspirado sus ideas tan influyentes y controvertidas. Una atmósfera de conversación íntima, creada por Corti a base de usar espacios cerrados y ricamente texturizados y precisas interrupciones narrativas, permite hacer un retrato de Freud que es provocativo y refrescantemente humano a la vez.
Más allá de los espacios íntimos del modelo psicoanalítico y del propio desarrollo de la psique de Freud, el film explora las relaciones de éste con famosos colegas, como Breuer y Charcot, la oposición entre las escuelas de psiquiatría de París y Viena, y la gestación del primer libro de Freud, Estudios sobre la histeria, sin concepciones conflictivas acerca de la naturaleza de la hipnosis y la histeria. Este extenso ámbito sitúa la vida, ideas y personalidad de Freud dentro de un interesante contexto histórico y sugiere que una de sus más famosas pacientes, Anna O., definió el alfa y el omega, el principio y el fin de sus investigaciones psicológicas.
Reparto: Karlheinz Hackl, Karl Merkatz, Marianne Nenwich.
Título español: El joven Freud.
El término Hundstage es como llaman en Austria a la época más cálida del año. La historia sigue a varios personajes de una zona residencial de Viena a lo largo de dos días de calor: un jubilado y una señora que se ocupa de su casa, una joven y su novio, que es muy temperamental y está obsesionado con su coche, una profesora que tiene una relación sadomasoquista con su compañero, un amante de la cerveza muy parlanchín, una pareja separada que sigue viviendo bajo el mismo techo y, por último, Anna, una maniaca del autostop que se suele cruzar en el camino del Señor Hruby, un especialista en sistemas de alarma que tiene que salir de un oscuro asunto de vandalismo.
"Dog Days tiene fuerza, desestabiliza al espectador y, también, abre la puerta al prudente abandono de la sala de proyección, pero peca tanto por exceso que Seidl parece lo que no es: un Michael Haneke de serie B." (Jordi Costa: Diario El País)
Reparto: Maria Hofstätter, Erich Finsches, Alfred Mrvas.
Título español: Día de perros.
Uno de los mejores trabajos de Corti es esta historia que, partiendo de hechos reales y alternando la reconstrucción dramática con testigos directos, analiza el caso de un objetor de conciencia por motivos religiosos a quien los nazis condenaron a morir decapitado. Jägerstätter es un campesino austríaco que considera injusta la guerra comenzada por Hitler y se niega a ser reclutado. "La actitud de de Jägerstätter no fue la del rebelde ni la del revolucionario; como diría Shakespeare, fue un hombre fiel a si mismo. Hay que remarcar que, de hecho, no rechazó toda violencia; su objeción fue ideológica y se formuló en el ámbito de la individualidad. Estamos tan lejos de una épica como de la figura de un héroe símbolo de una ideología o jefe de un movimiento colectivo. Él no intenta convencer a nadie ni proclamar ningún mensaje; fue un pasajero que quiso bajarse del tren que Hitler conducía y tuvo el valor de hacerlo, plenamente consciente de las consecuencias, que aceptó una a una en un proceso largo, reflexivo y doloroso". (Arnau Olivar)
Reparto: Kurt Weinzierl, Julia Gschnitzer, Helmut Wlasak.
Título español: El caso Jägerstätter.
Película sobre la difícil reincorporación a la vida civil de los
soldados parapléjicos a causa de las heridas recibidas en la guerra.
Norm es uno de ellos y ha perdido completamente la esperanza y las ganas
de vivir. Cuando se enamora de una muchacha y decide casarse con ella,
recupera la ilusión y la esperanza de la recuperación.
Marlon Brando, ya una revelación como actor de teatro en Broadway,
debuta en la gran pantalla interpretando a un soldado de la Segunda
Guerra Mundial postrado en una silla de ruedas en un hospital de
veteranos de su hogar natal. Los primeros fotogramas ya se enamoraban de
este "hombre" de atractivo excepcional, inigualable actor, quizá el más
grande -al menos en cuanto a fuerza interpretativa- que jamás impregnó el celuloide. Con "The Men" el cine mostró al mundo por
primera vez a uno de sus futuros mitos.
El primer film interpretado por Marlon Brando fue un melodrama producido
por Stanley Kramer, dentro de la línea verista que le caracterizaba.
El problema de los soldados cuyas heridas habían dejado secuelas
insuperables fue abordado con pudor y sin cargar las tintas. La mayoría
de los figurantes eran verdaderos heridos de guerra, lo cual le
confería una especial credibilidad. Pese a ello, su formulación
resultaba algo blanda.
Reparto: Marlon Brando, Teresa Wright, Everett Sloane.
Titulo español: Hombres.
Pat Brennan es un veterano vaquero que ha decidido establecerse por su cuenta en una granja. Un día se cruza con la diligencia que conduce su amigo Ed; en ella viaja el peculiar matrimonio formado por Doretta, hija de un rico hacendado y el antipático Willard. Poco después, un grupo de bandidos ataca la diligencia. Considerada el mejor western de Boetticher.
Es imposible rodar un western de tanta calidad con menos elementos: un puñado de actores y una cueva. Es cierto que al principio del film se hace un despliegue de medios más aceptables, y que se permite un registro humorístico que tienen todas las películas de Budd Boetticher, y que es bastante de agradecer. Pero al cuarto de hora el film sufre un giro dramático que transforma lo que parecía un ludico western en un minimalista y angustioso western psicológico, austero y personalísimo.
Los tiempos cambian, la épica se acabó y los pistoleros ya no son héroes sino hombres solitarios y sin rumbo. Para mostrarnos esa decandecia del género se desnuda la puesta en escena, interesa mas ahondar en la psicología de los personajes que en las grandes hazañas. Boetticher es un pilar básico en la historia del western, igual que lo fueron John Ford o Anthony Mann.
Reparto: Randolph Scott, Richard Boone, Maureen O'Sullivan.
Título español: Los cautivos.
Eddie Felson (Newman) es un joven arrogante y amoral que frecuenta con
éxito las salas de billar. Decidido a ser proclamado el mejor, busca al
Gordo de Minnesota (Gleason), un legendario campeón de billar. Cuando,
por fin, consigue enfrentarse con él, su falta de seguridad le hace
fracasar. El amor de una solitaria mujer (Laurie) podría ayudarlo a
abandonar esa clase de vida, pero Eddie no descansará hasta vencer al
campeón sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.
Adaptación de la novela de Walter Tevis que Paul Newman volvería a
interpretar para Martin Scorsese en "El color del dinero" (1986). Constituye
una reflexión tan lúcida como amarga sobre la impostura y el fracaso,
resuelta en un tono sombrío hasta la desesperanza. La excelente labor de
Scorsese no consiguió superar la intensidad dramática y la profundidad
moral de este ilustre precedente.(Fotogramas)
"Incontestablemente genial, una de las películas de mi vida" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
"El mejor catálogo sobre la perdición de siempre" (Javier Ocaña: Cinemanía)
"Todo un clásico del séptimo arte. Una de las mejores radiografías que
se han rodado sobre la filosofía norteamericana del éxito"
(Fernando Morales: Diario El País)
Reparto: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie.
Título español: El buscavidas.
Parrish es un honrado, valiente y atractivo joven. Un día su madre recibe una oferta de trabajo para convertir en una señorita a una joven malcriada, que es la heredera de un importante productor de tabaco. Parrish se traslada con su madre a la mansión de la acomodada familia y no tardará en ser el centro de atención de todas las jovencitas del lugar.
"Simplona historia, típica adaptación de un best-seller" (Fernando Morales: Diario El País)
Culebrón de lujo en el que el apolíneo Troy Donahue causó estragos entre las quinceañeras de la época. (FILMAFFINITY)
Adaptación de una novela de Mildred Savage que sirvió para encumbrar a Troy Donahue como efímera estrella, antes de hallar refugio en la televisión y, más tarde, en todo tipo de subproductos. Es un melodrama sólido y desacomplejado que juega con el tono rosado sin rehuir la cursilería. Con todas sus limitaciones, y a riesgo de sonrojo, constituye un espectáculo agradablemente obsoleto, manufacturado con gran pericia. (Fotogramas)
Después de haber pasado tres años en un centro psiquiátrico, Jack
Andrus, un actor acabado, vuela a Roma invitado por Maurice Kruger, un
director amigo suyo, que le ofrece cinco mil dólares y un pequeño papel
en una película que está rodando en los estudios de Cinecittà. Andrus
acepta la oferta con la esperanza de recuperar la fama. Lo malo es que
en Roma se encuentra con su ex mujer Carlotta, la responsable de su
crisis artística y personal.
"Amarga y desesperada, llena de imágenes dolientes que se ocultan entre
los pliegues del melodrama (...) Una obra maestra absoluta."
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Adaptación de una novela de Irwin Shaw que constituye uno de los títulos clave de su director, donde el melodrama se convierte en fastuoso espectáculo. Llevando hasta sus últimas consecuencias la visión del
mundo del cine que ya propusiera en "Cautivos del mal", recrea un
universo inicialmente artificioso para depurar sus elementos de manera
que el artificio devenga arte.
Esta película constituye un nuevo y mejorado retrato que del mundo del
cine hizo Vincente Minnelli tras la famosa “Cautivos del Mal”. Parece ser que Minnelli la repudió al no permitírsele montarla como él había querido y estrenarse amputada.
Incomprensiblemente se ha denostado este film en favor de la conocida y a
la vez laureada por la crítica “Cautivos del Mal”, sin embargo, y sin
que sirva de precedente, en este caso el technicolor gana al B/N.
El Jack Andrus interpretado por Kirk Douglas y con reminiscencias del
Van Gogh que personificó en “El loco del pelo rojo” y al igual que éste
con inclinaciones depresivas y homicidas y que necesita cuidados
psiquiátricos, resulta más interesante y emocionalmente intenso que el
Jonathan Shields de "Cautivos del mal".
Con “Dos semanas en otra ciudad” Minnelli trató de realizar su
particular versión de “La Dolce Vita” de Fellini como se atestigua por
las numerosas similitudes argumentales , y también cronológicas (apenas
dos años de diferencia entre los dos films).
El actor rebelde e impulsivo y con inquietudes artísticas tan bien
interpretado por George Hamilton encajaría perfectamente en la compleja
personalidad de por ejemplo James Dean y su comportamiento irreverente
fuera de los platós de rodaje. De igual forma el personaje de Edward G Robinson , el de la joven actriz
que se cree una Diva (Rosanna Shiaffino) y el de Kirk Douglas se
inspirarían en otras famosas leyendas del cine que probablemente
Minnelli tenía en mente al hacer esta película sobre la otra cara de
Hollywood.
Las situaciones límite tan bien plasmadas en esta película con el
personaje de Douglas, desembocan en escenas finales tan vertiginosas que
rivalizan con cualquiera de las más efectistas y brutales de films
recientes.(Gary Owen en Film Affinity)
Reparto: Kirk Douglas, Edward G. Robinson, Cyd Charisse, George Hamilton.
Título español: Dos semanas en otra ciudad.
Se producía el debut de Robert Rossen en la gran pantalla con este “Johnny O´Clock”, un noir bastante interesante y en el que es palpable la experiencia previa del director como guionista en films de gangsters durante la década de los treinta (“Marked Woman” de 1937, “Racket Busters” de 1938, y “The Roaring Twenties” de 1939). Concebida por la Columbia para seguir con el relanzamiento de la figura de Dick Powell, recordemos que venía de un gran éxito interpretando al detective Philip Marlowe en “Murder, My Sweet”, “Johnny O´Clock” se terminó convirtiendo en una muestra más del inconformismo existente y del aire de denuncia con el que muchos autores envolvían su obra y que les valió, a muchos de ellos, entrar a formar parte de la blacklist. Rossen, a finales de los cuarenta, tampoco se libró de ello.
Dick Powell vuelve a repetir el registro con el que triunfara en la recreación cinematográfica de la novela de Raymond Chandler ya mencionada anteriormente; Johnny es un personaje frío, de cierta ambigüedad moral y que se siente orgulloso de su cinismo con el que se mueve como pez en el agua en los ambientes lúdicos de la ciudad de Nueva York. Allí, corregenta un casino con su socio, el pez gordo Marchetti, que ejerce de jefe criminal ayudado por la connivencia de las autoridades. Sin embargo, uno de los policías comprados por Marchetti es asesinado junto con su ex novia lo que dará lugar a una investigación por parte del inspector Koach, interpretado magníficamente por Lee J. Coob. Dicha investigación destapará, además, un trío amoroso que centrará buena parte del film; la otra punta del triángulo estará formada por la femme fatale Nell, esposa de Marchetti, quien coquetea incansablemente con Johnny para desesperación de su marido.
Aunque el film se dirija irremediablemente hacia la resolución final de ese conflicto amoroso las intenciones de denuncia de la corrupción policial o la mención a ciertos asuntos raciales están presentes y completan la habitual riqueza temática del género. “Johnny O´Clock”, debut de un director que regalaría un par de obras maestras a la historia del cine y que se permitió, en el mismo año en el que rodó este film, 1947, regalar esa joya pugilística llamada “Body and Soul”. No se pierdan ninguna de las dos. (Alfie en Film Affinity)
French Rarebit es un corto de dibujos animados protagonizado por Bugs Bunny, realizado en 1951 y que forma parte de la serie de Warner Bros Merrie Melodies (Blue Ribbon). Lo dirigió Robert McKimson y el guión es de Tedd Pierce. El título es una parodia del nombre del plato inglés Welsh Rarebit, también conocido como Welsh rabbit, que consiste en una salsa de queso mezclada con otros ingredientes y que se sirve sobre rebanadas de pan tostado.
Celestino es un fotógrafo pueblerino que descubre que posee el poder de convertir a la gente en piedra cuando les hace una foto con su cámara, siguiendo las indicaciones de un extraño vagabundo, al que él toma por un santo, pero que resulta ser un diablo. De este modo, comienza a petrificar a las personas que él considera malas, pero a veces no es fácil distinguirlas.
La aproximación de Rossellini a la comedia del arte. Una fábula sobre la desconfianza en el poder de la cámara (o del cine) para reproducir la vida.
Esta peculiar comedia está protagonizada por Gennaro Pisano, actor de escasa trayectoria cinematográfica (tan sólo tres películas en su haber). La película se realizó en 1948 pero no se estrenó hasta 1952.
El film recupera sólo en parte la estructura del cine neorrealista, orientándose hacia la puesta en escena de situaciones vecinas al expresionismo de los films de Murnau o Laughton (deformación de lo real visto a través de los ojos de Celestino), aunque la ilusión onírica y la visión demoníaca (expresionismo) están mitigadas por las imágenes nítidas que muestran una naturaleza solar (la costa de Amalfi) poblada por la espontaneidad y la improvisación de sus habitantes (comedia del arte).
Reparto: Gennaro Pisano, Giovanni Amato, Pietro Carloni.
Wendell Armbruster (Jack Lemmon) es un hombre de negocios americano que se ve obligado a viajar a Italia, donde su padre ha muerto en un accidente de coche. A pesar de que tratan de ocultárselo, se entera de que su padre tenía una amante, que lo acompañaba en el momento del accidente. Cuando entra en escena la hija de la amante (Juliet Mills), la animadversión entre ellos es instantánea, pero la embarazosa situación se complica todavía más cuando los cadáveres desaparecen misteriosamente.
Una de las comedias menos comprendidas de su director, por cuanto combina dos registros aparentemente antagónicos. Por una parte, una estructura trepidante que enlaza con el más tradicional vodevil. Por otra, una atmósfera inequívocamente romántica, digna del mejor Leo McCarey. La presumible contradicción no se produce y el resultado es tan armonioso como brillante.
(Fotogramas)
Reparto: Jack Lemmon, Juliet Mills, Clive Revill.
Título español: ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?
Cortometraje escrito por Isabella Rossellini como tributo a su padre fallecido -el aclamado director italiano Roberto Rossellini- en el centenario de su nacimiento. Isabella también interpreta cada papel de la película a excepción del gran vientre que habla como si fuese su padre mismo. Es una película intensamente personal y de una clase que raramente se filman y se exhiben en público y es claramente de Isabella Rossellini por los cuatro costados. Sin embargo, las técnicas inmediatamente reconocibles de Maddin lo convierten también en un film de Maddin por los cuatro costados. Cómo estos dos talentos se unen y entremezclan es una fascinante experiencia visual.
El guión de Isabella tiene una parte de memoria infantil, una parte de confesión y finalmente es una carta a un padre muerto y una defensa de su obra. A veces ella habla directamente a la cámara como hija, otras narra en tercera persona o aparece intepretando a toda una colección de contemporáneos de su padre -Selznick, Hitchcock, Fellini y Chaplin- para un diálogo imaginario entre estos famosos cineastas sobre la naturaleza y el propósito del cine. Isabella incluso hace una aparición como su propia madre. La hija desnuda sus sentimientos aquí, exponiendo su nostalgia por el padre muerto y las emociones confusas y conflictivas relacionadas con cualquier padre.
A primera vista Maddin parece una elección extraña para esta clase de trabajo pero fue elegido expresamente por Isabella para dirigirlo. Su padre, el hombre al que va dirigido el homenaje, era famoso por su odio al artificio en el cine, un hecho que se trae a colación repetidamente en la película. Maddin, por otra parte, es conocido en todo el mundo precisamente por su amor al artificio, su cuidadosa reconstrucción del expresionismo de los años 30, por manejar las cámaras con manivela y el uso de lentes emborronadas. Existe un conflicto inmediato y obvio entre el director y el tema de su película, al que se alude directamente en un aparte muy divertido, pero la elección tiene sentido si pensamos un poco. Si empieza siendo una película acerca del padre de Isabella, termina siéndolo acerca del recuerdo del padre y el recuerdo es una cosa elusiva, siempre cambiante. Quién mejor para capturar la forma cambiante del recuerdo, quién mejor para intentar capturar un fantasma, que Maddin, un hombre que ha dedicado su carrera a capturar imágenes de décadas pasadas.
Hermosamente rodada a partir de un guión sincero y sentido, My Dad Is 100 Years Old es la clase de película que podría haber caído fácilmente en el ensimismamiento almibarado. En lugar de eso, el espectador acaba deseando que hubiese sido un film mucho más largo.
Chicago 1929. Ewan Williams, convicto del asesinato de un policía, espera en la cárcel el momento de su ejecución. Mientras tanto, en la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia. Hildy Johnson, el cronista de sucesos del Chicago Examiner, que tendría que cubrir la información, está a punto de contraer matrimonio y abandonar su trabajo; pero Walter Burns, el maquiavélico director del periódico, empeñado en retenerlo, tratará de impedir su boda por todos los medios.
Obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles MacArthur, que ya había sido llevada a la gran pantalla por Lewis Milestone en 1931 (con el título "Un gran reportaje") y por el gran Howard Hawks en la también magistral "Luna nueva" (His Girl Friday) en 1940. (Pablo Kurt)
Tercera de las cuatro versiones cinematográficas que ha tenido la célebre comedia de Ben Hecht y Charles MacArthur, rodada por Lewis Milestone (1931), Howard Hawks (1940) y Ted Kotcheff (1988). Fiel al espíritu brillantemente cínico de la obra original, Wilder consiguió un film con un ritmo trepidante y una considerable dosis de ingenio. El perfecto reparto acaba de redondear sus atractivos.(Fotogramas)
Reparto: Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon.
Título español: Primera plana.
En una ciudad costera del norte de España, a la que el desarrollo industrial ha hecho crecer desaforadamente, un grupo de hombres recorren cada día sus empinadas calles, buscando salidas de emergencia. Son funambulistas de fin de mes, sin red y sin público, sin aplausos al final; viven en la cuerda floja del trabajo precario y sobreviven gracias a sus pequeñas alegrías y rutinas.
"Luminosa, sombría, genial (...) una armonía y un ritmo magistrales." (Carlos Boyero: Diario El Mundo) "Javier Bardem alcanza la genialidad en una magnífica película (...) Divierte, emociona, libera, embauca, hace reír, crea solidaridad, despierta las raíces de la amistad y la simpatía, el infortunio de estas gentes expulsadas de sus raíces y sin conexiones con la norma de la sociedad en que flotan sin destino." (Ángel Fdez. Santos: Diario El País) "Una película inteligente que transpira emoción" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia) "Conmueve, arranca sonrisas y remueve la conciencia." (Carlos Marañón: Cinemanía)
"Intensa, interesante, verdadera" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
Nuestros padres construían grandes barcos que atravesaban los mares, y estaban orgullosos. Hoy tienen miedo, afirmaba Clim, un personaje de "De todo corazón", la espléndida película de Robert Guédiguian, recordando en una sola frase el ocaso de una cierta ética, la del trabajo bien hecho, el único patrimonio cierto del proletariado industrial. De personajes como los padres de Clim, de antiguos obreros de astilleros habla también el último film de Fernando León de Aranoa, sin duda alguna, la mejor inmersión en las interioridades de un fenómeno tan poco cinematográfico, convencionalmente hablando, como es el paro obrero, realizada en el cine español. También, del forzado final de la ética del trabajo, destrozada por las estrategias empresariales, pero no solo de ello: del lento discurrir de un tiempo sin ocupación, de la implacable erosión que va minando hasta los amores más tenaces (espléndida, la escena entre Tosar y De Medina, brillante revelación), de las patéticas estrategias que personas que pasan de los 40 tienen que construir para intentar no perder comba...León se zambulle en la vida de un grupo de parados cuyo pasado inmediato está dado por las imágenes documentales que abren la película, pero las consecuencias de cuyos actos se arrastran hasta el presente. Sin duda, han estado juntos en las barricadas, pero luego el destino los ha empujado por senderos distintos: al inmovilismo, a la compra de un bar, a realizar tareas de guardia jurado... o a la nada, al vegetar sin noción del tiempo.Y lo hace con las mismas herramientas a que recurriera en su ejemplar Barrio: a una estructura coral que, en realidad, bascula alrededor de un personaje⁄eje, Santa, la voz del autor en la ficción (Bardem, excelso); un tipo que, como el Rai de Barrio, está dispuesto a comerse el mundo, aunque todo conspire en su contra; a unos diálogos cargados de intención, pero también de humor, de fina ironía, que dan respiración y vida a una vivencia terrible, que bordea en ocasiones la pura tragedia. Alrededor de Santa se mueve una constelación de otros personajes, todos cuidadosamente elegidos en uno de los elencos más sorprendentes, y mejor cohesionados, del reciente cine español. Y el resultado es un film modélicamente construido, sin ninguna vacilación, en un imparable crescendo rítmico que deja al aire las siniestras entrañas de un mundo del trabajo cada vez más despersonalizado, siniestro, intolerable. (Mirito Torreiro. Fotogramas)
Reparto: Javier Bardem, Luis Tosar, José Angel Egido, Nieve de Medina.
Una mujer acude a una entrevista laboral. El entrevistador disfruta con su situación de superioridad, procurando hacerla sentir incómoda.
Un excelente trabajo de interpretación de Nieve de Medina y Andrés Lima sobre un guión redondo del propio Rodríguez Melcón. Una entrevista de trabajo que pone los nervios a flor de piel con un final que tensa aún más la historia. Una entrevista encima de otra, las interminables pruebas que todos tenemos que pasar, las que nos van desgastando, las que nos van haciendo ovejas de redil.
Sherlock Holmes (Robert Stephens) y el doctor Watson (Colin Blakely) parten hacia Escocia, tratando de investigar la desaparición del marido de una bella mujer. Una vez allí, descubren que en el caso está involucrada una sociedad que pertenece al Servicio Secreto de su Majestad. Pero, antes de que pueda aplicar sus extraordinarias dotes de deducción para resolver el asunto, Holmes comete un error que, además de arruinar su reputación, podría también poner en peligro la seguridad de Gran Bretaña.
"Comedia divertida y romántica, llena de diálogos de un humor irónico" (Francisco Marinero: Diario El Mundo)
"Un compendio de la maestría narrativa y visual del realizador (...) Esta obra maestra resultó en su día un fracaso crítico y comerical. Hoy queda como una de las obras más arriesgadas e innovadoras de un cineasta inigualable" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Uno de los films más curiosos de su director, en el que fijó su sarcástica mirada en el célebre personaje creado por Arthur Conan Doyle. Partiendo de una trama tan imaginativa como ingeniosa, esbozó una serie de certeros apuntes sobre el complejo personaje y su cerrado entorno. La brillante resolución formal acaba de redondear sus atractivos (Fotogramas).
Título español: La vida privada de Sherlock Holmes.
Reparto: Robert Stephens, Colin Blakely, Geneviève Page, Christopher Lee.
Una atractiva abogada de un prestigioso bufete aparece asesinada. Pronto las sospechas recaen en otro letrado con el que la víctima había mantenido una relación... y hasta aquí puedo -se debe- contar. Además de a Harrison Ford, "Presumed Innocent" tiene suspense, calculadas dosis de erotismo, controversia feminista y sorpresa final. El discutido -pero casi siempre efectivo- Alan J. Pakula adapta el best-seller de Scott Turow y consigue otra intrigante, entretenida y taquillera película sobre un misterioso asesinato y el desarrollo judicial de la historia. Un reparto muy solvente y una excelente factura para un film comercial pero que "engancha" al espectador desde el comienzo. Muy recomendable. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
"Intriga con interés que, aunque daba para muchísimo más, resulta muy entretenida" (Fernando Morales: Diario El País)
Adaptación de un best-seller de Scott Turow, en la que se sigue la tradición del cine de ambiente judicial. Su planteamiento no carece de habilidad, pero no deja de resultar capcioso, lo que confiere al conjunto una enojosa sensación de ambigüedad. La realización es eficiente, pero no va más allá de las convenciones del género, asemejándose a un telefilm realizado con más medios de los que son habituales (Fotogramas)
Título español: Presunto inocente.
Reparto: Harrison Ford, Brian Dennehy, Raul Julia.
Película costumbrista que sigue los pasos de una patrulla de policía durante una noche de servicio. Andrés Martín (Adolfo Marsillach) es un inspector de policía que realiza su servicio en un coche patrulla Z-10. Su trabajo principal se desarrolla de noche, y consiste en atender todas las llamadas urgentes. Sin embargo, el policía está atormentado por la reciente muerte de su hija, atropellada por un coche que se dio a la fuga.
El guión de Pedro Masó, Antonio Vich, Vicente Coello y José María Forqué consigue mantener la tensión en todo momento, y resulta enriquecido por la impecable factura lograda por Forqué. Destacan las actuaciones de ilustres actores españoles, como Tony Leblanc y José Luis López Vázquez.
Reparto: Adolfo Marsillach, Tony Leblanc, Susana Campos.
Harry Hinkle, un cámara de televisión, está transmitiendo un partido a pie de campo, cuando sufre una conmoción cerebral a raíz de un choque fortuito con un futbolista. A pesar de que se trata de una lesión sin importancia, su cuñado Willie Gingrich, un abogado sin escrúpulos, le propone fingir una grave lesión con el fin de cobrar una substanciosa indemnización. Al principio, Harry se muestra reacio, pero acaba aceptando la propuesta porque alberga la esperanza de reanudar la relación con su ambiciosa y oportunista ex-esposa.
"El maestro despliega todo su afán corrosivo en una película tan agresiva como divertida, una inolvidable muestra de la capacidad del cineasta vienés para husmear en los entresijos de la realidad y desmenuzar sus miserias sin compasión. (...) delirante sucesión de secuencias que atacan a dentelladas la doble moral que preside el culto al triunfo (...) Y entre carcajadas, el espectador, en más de una ocasión, siente cómo se le congela la sonrisa" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
La perfecta química entre sus dos protagonistas fue utilizada con talento por Billy Wilder en una de sus más corrosivas comedias, posiblemente la que ha retratado con mayor precisión la mezquindad humana. El secreto de su funcionamiento radica tanto en el extraordinario juego interpretativo como en un sórdido entorno que parece querer devorar a los personajes, y también en la perfecta combinación de los registros ácido y brillante.
Título español: En bandeja de plata.
Reparto: Jack Lemmon, Walter Matthau, Ron Rich.
Modesto, un hombre honrado y trabajador, dirige una sucursal bancaria en la Costa del Sol. Un día, unos atracadores entran en el banco, revientan las cajas de seguridad y lo dejan atrapado dentro. Casualmente, al mirar el contenido de la caja 507, descubre que la muerte de su hija, ocurrida hace algunos años, no fue accidental. Del contenido de esa caja depende también la vida y la seguridad de Rafael, un ex-policía corrupto y sin escrúpulos, que tratará de recuperar esos documentos como sea.
"Una buena película. Un buen argumento, muy bien rodada, con Resines y Coronado absolutamente veraces" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) "Notable película (...) cautivadora (...) un guión de alta precisión y una dirección expertísima (...) que abren una vía enérgica e inédita al cine español (Ángel Fdez. Santos: Diario El País) "Ilustre thriller español (...) un filme en el que sobresalen la precisión de una planificación inspirada, que sitúa cada elemento a la distancia y a la velocidad idóneas, y un relato dinámico, equilibrado con la emoción y razón de los personajes" (Alberto Bermejo: Diario El Mundo) "Espléndido thriller, un devastador retrato de corrupciones y personajes al límite (...) El brío con el que el director acomete el relato se ha visto pocas veces en los últimos años en el cine español. Las interpretaciones de Resines y, en especial, un contundente y sobrio José Coronado redondean una película magnífica." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Enrique Urbizu sigue apostado como francotirador de la modestia. Mientras muchos jovenzuelos quieren ser grandes autores con su primer corto, la experiencia y los logros no han servido a Urbizu para crecerse desde la posición del trabajador de serie B que tanto le gusta. Y ahora ha demostrado que desde su peculiar territorio, que nadie quiere ocupar con él, se puede triunfar y hacer una película que posee una mirada firme y consigue hacer del thriller y el género policíaco en el cine español algo creíble, serio, impactante. Un thriller en el que hay un atraco, corrupción política, mentiras y asesinatos, sin que la acción sea protagonista y dejando que la tensión acumulada y una minuciosa concatenación de acontecimientos se haga dueña de la película por encima de los habituales golpes de efecto y las imágenes explosivas. O sea, Urbizu recorre con seguridad el camino que hay entre Don Siegel y Jean-Pierre Melville, logrando que ese lenguaje seco, escueto, algo distante, poderosamente atractivo, de razón de ser a una trama insólita, con unos actores como el durísimo Jose Coronado, que aguantan el tipo sin pestañear. El banquero Modesto (el nombre de pila no es casual), inocente y de vida ordenada, se interna involuntariamente en un submundo de perversión que no le deja indemne, mientras va aflorando la España del chanchullo a gran escala, la costa de los gilygiles, el enriquecimiento rastrero. Nada folclórico, desde luego, más bien aterrador. Con detalles o frases demoledoras (la dedicada a la prensa es una perla) Urbizu y el coguionista Michel Gaztambide consiguen eso tan difícil que es contar la globalidad desde la experiencia personal y humilde, planteando interrogantes nada simples sobre la realidad de hoy. Y trazan el camino desolador de un héroe anónimo golpeado por la difusa frontera entre el bien y el mal. (Ricardo Aldarondo: Fotogramas)
Reparto: Antonio Resines, José Coronado, Goya Toledo.
Rosa Martín (Petra Martinez) recibe, un día, en su casa a Simón Romero (Eduardo Noriega) y Pablo Gómez (Pepón Nieto)
dos vendedores ambulantes que la ofrecen regalos porque supuestamente
la han tocado en un sorteo por una encuesta que hizo para su empresa
hace algunos años. Intentan convencerla para que les de dinero por parte
de uno de los "regalos". En realidad estos dos hombres son timadores
que intenta convencerla para que les de una suma de dinero.
Reparto: Eduardo Noriega, Pepón Nieto, Petra Martínez.
En el inmenso ejército de la sociedad humana, Pepe, un barrendero, ocupa
uno de los últimos lugares: anónimo, gris, impreciso. Pepe es un
miembro de esa fantasmal brigada del amanecer que, a golpe de manguera,
limpia las calles de madrugada. Un día Pepe encuentra un millón de
pesetas en un cubo de basura. La necesidad económica del pobre
barrendero le hace pensar en quedarse con el dinero, pero su esposa le
aconseja que cumpla con su deber cívico y devuelva el dinero.
Un apólogo moral que dosifica, con una notable fluidez, ingredientes melodramáticos y de sainete, y que se apoya en grandes actuaciones.
Reparto: José Luis López Vázquez, Julia Gutiérrez Caba, Juanjo Menéndez.
Un veterano de la guerra civil llamado Josiah Grey (Joel McCrea) llega a
una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos para ejercer su
ministerio como pastor religioso. Grey tiene una familia y muchos
amigos, pero pronto encuentra la fricción con algunos de sus feligreses.
En seguida se crea una disputa entre su ministerio y el del joven
doctor del lugar, que busca el tratamiento científico para curar a sus
pacientes. La aparición del Ku-Klux Klan y una epidemia de fiebres
tifoideas soliviantarán los ánimos de la población...
"Es la vida en una pequeña ciudad, hecha de cosas pequeñas que cobran una gran importancia" (Jacques Tourneur).
Reparto: Joel McCrea, Ellen Drew, Dean Stockwell.
Título español: Estrellas en mi corona.
El incidente es un film inquietante. Aunque realizado hace 45 años, aún retiene su capacidad para sobresaltar. Filmado casi enteramente en un vagón del metro de Nueva York, su atmósfera es sofocante, clautrofóbica y desolada. La película comienza con una secuencia antes de los créditos en la que conocemos a Artie Connors y Joe Ferrone, una pareja de psicópatas gritones, jugadores de billar y que se ríen a carcajadas, interpretados por Martin Sheen y Tony Musante, los dos apareciendo en la gran pantalla por primera vez. Después de que Artie y Joe hayan demostrado su comportamiento violento e impredecible, les dejamos y aparecen los títulos de crédito. La película procede luego a presentarnos a una serie de ciudadanos de Nueva York, la mayoría parejas, que han alcanzado casualmente un estado de particular vulnerabilidad. Filmada de noche en un hermoso blanco y negro, que captura el resplandor de las calles húmedas como sólo la cinematografía en blanco y negro puede hacerlo, la película tiene la apariencia clásica de un film negro de los años 50, así como el sentido de la alienación urbana evocada por la mayoría de esos films. Conscientes, por supuesto, de que la película ha elegido a Artie y Joe para ser sus antagonistas, vemos con anticipación y pavor como el metro va recorriendo su camino, recogiendo a los participantes en una u otra subtrama en cada parada, sabiendo que Artie y Joe llegarán una vez que todas sus víctimas potenciales se hayan presentado. Cuando finalmente llegan, la crueldad abyecta con que dominan a sus ya heridos compañeros de viaje es casi tan horrible como la pasividad de tales pasajeros, su renuencia a unirse solidariamente contra Artie y Joe.
Reparto: Tony Musante, Martin Sheen, Beau Bridges. Título español: El incidente.
Considerada como "Fellini y Bergman envueltos en un cuerpo gloriosamente poseído", Maya Deren (1917-1961) podría decirse que es la más importante e innovativa directora en la historia del cine americano. Usando localizaciones que van desde las colinas de Hollywood a Haití en los años 40 y 50, Deren hizo películas tan fascinantes como At Land, Ritual in Transfigured Time y su obra maestra Meshes of the Afternoon, que ganó un prestigioso premio internacional de cine experimental en el Festival de Cannes de 1947. Comenzando con fragmentos de estos films, el documental entremezcla a la perfección y eficazmente imágenes de archivo y declaraciones de acólitos y contemporáneos como Stan Brakhage y Jonas Mekas, con una partitura original del músico de jazz experimental John Zorn. Martina Kudlácek ha hecho no sólo un retrato fascinante de una artista innovadora e influyente, sino también una introducción en tono perfecto a su obra sorprendentemente hermosa y poética.
Maya Deren no es avariciosa. Está satisfecha "si en esas raras ocasiones cuya verdad puede ser sólo declarada por la poesía, quizá recuerdes una imagen o incluso sólo el aúra de una de mis películas".
El documental de 103 minutos de duración, empieza en los archivos Anthology Film en Manhattan, donde han sido descubiertas algunas latas con películas en 16 mm de Maya. Continúa con los recuerdos de Sasha Hammid, un director checo pionero del cine experimental, que se casó con Maya en la primavera de 1943. Fragmentos y reflexiones sobre Meshes of the Afternoon, At Land y Ritual in Transfigured Time, conducen a un debate sobre los cuatro viajes que hizo a Haití. Estuvo 21 meses allí, entre 1947 y 1955, documentándose sobre las fiestas religiosas del pueblo de Haití.
Aunque mucho de la estancia en Haití fue filmado, el mayor fruto de este intenso período de estudio fue el libro de Maya Divine Horsemen: the Living Gods in Haiti, editado por Joseph Campbell y publicado en 1952. También en ese año, Maya conoció a su segundo marido, Teiji Ito, hijo de un artista de las artes marciales que aparecía en su película Meditation On Violence de 1948. Se casaron en el mar en 1960, a pesar de una diferencia de edad entre ellos de 18 años.
En 1961, Maya Deren muere como resultado de una hemorragia cerebral a la edad de 44 años. Será recordada largamente por trabajar por completo fuera de la industria del cine comercial. Su propia experiencia interior fue el centro de su cine. Im Spiegel der Maya Deren cuenta su dramática historia de una manera que excita y perturba. Este documental irresistible debe ser considerado de visión obligatoria para todos los amantes del cine de vanguardia.
Época de la Guerra Fría. C.R. MacNamara, representante de una
multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia desde hace
tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin embargo, en contra
de sus deseos, lo que su jefe le encarga es cuidar de su hija Scarlett,
que llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una díscola y alocada
joven que, con dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro
ocasiones. Pero lo peor es que, eludiendo la vigilancia de MacNamara, la
chica se enamora de Otto Piffl, un joven comunista que vive en la
Alemania Oriental.
"Magistral, divertida, con algunos de los mejores momentos de la comedia
americana de todos los tiempos. Un clásico" (Fernando Morales:
Diario El País).
Una de las comedias más ácidas e inteligentes de su director, en la que
supo burlarse de la guerra fría manteniéndose en un envidiable punto
equidistante ante las dos posturas en juego. La estupidez se convertirá
en el punto de unión entre ambos bloques, a los que maltrata con sano
cinismo. Todo ello viene dado por una estructura calculada al milímetro,
donde cada elemento funciona a la perfección en un conjunto casi
frenético.
Reparto: James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz.
Título español: Uno, dos, tres.
En julio de 1936, después de una revuelta de campesinos, un grupo de la Guardia Civil se refugia, juntamente con 350 civiles, en el santuario de la Virgen de la Cabeza, donde resisten el ataque durante siete meses y en unas condiciones penosas hasta que la acción conjunta de la aviación rusa y las tropas francesas de las Brigadas Internacionales acaban venciéndoles. Sobre este fondo histórico se narra como Luis de Aracil, en contra de sus ideales y por salvar la vida de su amada, se encierra con sus enemigos y hasta llega a hacer suyas las ideas de ellos. Aún con este argumento tan claramente propagandístico, el director Arturo Ruiz Castillo dijo del film: "A medida que el tiempo pasaba, el guión iba cambiando, e hice más protagonistas a las piedras que a los personajes. En aquel momento fue una película audaz, porque por primera vez no había buenos ni malos. Los atacantes eran tan buenos como los defensores del santuario".
Reparto: Alfredo Mayo, Beatriz de Añara, Tomás Blanco.
El audaz Charles A. Lindbergh se propone cruzar el Atlántico sin
escalas, en un vuelo sin precedentes. Desde Nueva York a París, el
piloto vive en su avión treinta y seis horas de soledad que suponen una
hazaña histórica.
Uno de los films menos interesantes de su director, en el que se propone
la reconstrucción del famoso vuelo transatlántico de Charles Lindbergh,
con una serie de flashbacks biográficos del personaje. Wilder utilizó
una narrativa excesivamente premiosa, sin llegar a delimitar sus
verdaderas intenciones, ya que no llegamos a saber si nos hallamos ante
la crónica de una soledad o de una epopeya.
Reparto: James Stewart, Murray Hamilton, Patricia Smith.
Título español: El héroe solitario.
Año 2000, un día cualquiera en una pequeña y hermosa ciudad de
provincias. La primavera queda cerca y se nota en los árboles y en las
colinas y en los prados del alrededor. Como cada día, atravesando el
ordenado entorno, dos hombres, el parlamentario socialista vasco
Fernando Buesa y su escolta Jorge Díaz, caminan hacia su lugar de
trabajo. Cuando avanzan entre árboles centenarios son asesinados por
miembros de la banda terrorista ETA. ¿Por qué? ¿Para qué?
"Una joya de nuestro cine" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
Hemos procurado hacer un trabajo riguroso, dice Querejeta, que ha
escrito el guión que ha dirigido Eterio Ortega. No pretendíamos hacer
una película política, sino hablar de una realidad que está ahí delante.
Nadie está legitimado para condenar y ejecutar a nadie y eso es lo que
pasó con Buesa y Jorge y con muchos más. Estoy totalmente en contra de
la pena de muerte, ni con juicio ni sin él. Curiosamente, en la
película, que cede el protagonismo a los familiares de los dos
fallecidos para que expresen su amor, su angustia o su rabia ante las
injustificables muertes, no se nombra a ETA en ningún momento. No hacía
falta, está ahí, sentencia Querejeta al tiempo que asegura no haber
presionado ni manipulado en ningún momento a quienes dan su testimonio.
Se integraron perfectamente en el proyecto. Sin su visto bueno no se
habría exhibido la película. También asegura no haber presionado a
Eterio Ortega. Hemos trabajado muy estrechamente, concluye, pero él era
el director.
Biografía de Paul Julius Reuter (1816-1899), el fundador de la agencia internacional
de noticias, que empezó empleando palomas mensajeras para llenar los vacíos de la red de telégrafos que se extendía por Europa. Reuter tenía dificultades para encontrar suscriptores para su agencia de noticias. Finalmente logró convencer a los banqueros de que podía suministrarles información financiera más rápidamente que cualquier otro medio. Cuando la red de telégrafos finalmente llenó los vacíos que la empresa de Reuter había estado explotando, éste se dio cuenta de que podía utilizar a los empleados que tenía en toda Europa para reunir noticias y venderlas a los periódicos. El episodio final de la película muestra el contencioso de Reuter con una empresa rival, la Anglo Irish, resuelto en el Parlamento británico.
Reparto: Edward G. Robinson, Edna Best, Eddie Albert.
Melanie, una joven rica y snob de la alta sociedad de San Francisco,
conoce casualmente en una pajarería al abogado Mitch Brenner, que ha
ido a comprar un regalo de cumpleaños para su hermana Kathy. Mitch, que
conoce por la prensa la alocada vida de Melanie, la trata
despectivamente y se va de la tienda dejándola bastante irritada. Ella,
que no está acostumbrada a que la traten así, encarga unos periquitos y
los lleva a casa del abogado, pero Mitch se ha ido a pasar el fin de
semana a casa de su madre. Entonces, Melanie decide ir a Bodega Bay y
presentarse en casa de los Brenner con el pretexto de regalar los
periquitos a Kathy. En cuanto ella llega, los pájaros, enloquecidos,
empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar. La situación
se agrava a medida que avanzan las horas.
"Maravillosa cinta, uno de los filmes más surrealistas y personales del
maestro" (Fernando Morales: Diario El País).
"Arrebatadora obra, una de las narraciones más complejas y revulsivas
del cineasta más perverso de la historia" (Miguel Ángel Palomo:
Diario El País).
Adaptación de un relato de Daphne Du Maurier que supuso la primera y
última incursión de Hitchcock en un cine abiertamente fantástico. Pese a
ello, abordó la historia con una mirada racionalista y nada propensa al
delirio. La agresividad de las especies ornitológicas más inofensivas
se presenta con una mezcla de placidez y pervensión angustiantes (Fotogramas).
“La única incursión de Hitchcock en el fantástico puro y su película más angustiosa, en tanto su premisa es irracional. Al mismo tiempo la obra de un moralista implacable y de un técnico en la cima de su maestría. Audacias técnicas para convertir la crítica social en una reflexión metafísica” (Joël Magny).
Reparto: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette.
Título español: Los pájaros.
