The Band Wagon (1953). Vincente Minnelli

Gran éxito de Arthur Freed, el gran productor de musicales de la Metro-Goldwyn-Mayer. Un cantante y bailarín de éxito, a pesar de que atraviesa una etapa muy crítica, está decidido a volver a Broadway, el escenario que le dio la gloria y la fama.

Excelente musical dirigido por Vincente Minelli, conocedor del género, a partir de un guión de Betty Comden y Adolph Green. En la obra se funden las canciones, la coreografía y el baile con la historia que narra la película, de tal manera que ésta es la que da unidad y explica los sucesivos números musicales. El lenguaje cinematográfico asimila el musical, lo incorpora a su estructura narrativa y resulta una película con personalidad propia, con una unidad bien definida, que utiliza los números musicales para explicar los sentimientos de los personajes, su alegría de vivir, sus deseos y ambiciones. (Miquel en Film Affinity)

El film es una delicia y un modo excelente de comprender cómo funcionaban los montajes musicales del Broadway de la época. La música es un primor, con grandiosos temas escritos por Arthur Schwartz y Howard Dietz. La pareja Astaire-Charisse está inconmensurable y ofrece algunos de los mejores números de la historia, como el bellísimo baile en el Central Park "Dancing in the Dark" o el espectacular número final "En busca de la chica", con divertida atmósfera de cine negro. Algunas melodías pasaron a la historia, como la citada "Dancing in the Dark" o las pegadizas y divertidas "That's Entertainment" y "A Shine on Your Shoes". También destaca el diseño de vestuario, obra de Mary Ann Nyberg, que fue nominada al Oscar, al igual que los guionistas y el compositor de la banda sonora, Adolph Deutsch. (Decine21)

The Band Wagon es posiblemente el último musical, el último clásico, que sigue esta formula. Un bailarín en declive se traslada a Nueva York en busca de un lugar en las producciones teatrales. Así comienza la película con Astaire y el número de “Gan Central Station” un prólogo fastuoso que ya nos enuncia lo que veremos: coreografías magistrales, baile de clase y, por supuesto, color y fantasía por doquier.(Carlos Infante en Filomúsica)

Uno de los mejores musicales de Minnelli, que dejó a un lado el acento culturalista para centrarse en la genuina tradición del género y su relación con el music-hall británico (representado por Jack Buchanan). La brillante coreografía de Michael Kidd y canciones tan memorables como "That's Entertainment" o "Dancing in the Dark" son bazas seguras que, en manos de su director, se convierten en un producto redondo. (Fotogramas)

Película estrenada en Barcelona el 20 de septiembre de 1955 y en Madrid el 30 de enero de 1956.

Título español: Melodías de Broadway 1955.

Reparto: Fred Astaire, Cyd Charisse, Jack Buchanan, Nanette Fabray, Oscar Levant, James Mitchell, Ava Gardner.

A Double Life (1947). George Cukor

Tony es una de las grandes estrellas del teatro. Britta, su pareja en los escenarios, lo fue también en la vida real aunque llevan divorciados más de dos años. Ya desde los ensayos de "Otelo", Tony vuelve a transformarse una vez más hasta perder su personalidad y adquirir la del celoso moro veneciano.

Debe destacarse la excelente fotografía de Milton Krasner, tanto en lo que atañe a la creación de ambientes como en la forma de iluminar a Colman, especialmente en sus momentos de mayor confusión mental. El guión desarrolla bien el conflicto dramático central, aunque utiliza a algunos personajes de forma un tanto caprichosa (el personaje de la joven Shelley Winters parece un parche de conveniencia más que una necesidad dramática o argumental). Bien interpretada, aunque destacando inevitablemente sobre todos Ronald Colman en el papel protagonista, la película avanza irremisiblemente hacia un final que no por esperado resulta menos hermoso o consecuente. (Quatermain80 en Film Affinity)

George Cukor no permite que el espectador se distraiga con el impactante discurso de Otelo en el contexto general de su película, así que permanentemente enviará alertas para ratificar que es un filme de drama y suspenso, que se basa en cierto modo en los recursos del cine negro, pero siempre respetando el hilo conductor de las desdichas famosas del dramaturgo inglés, que contemplan: el sufrimiento, la caída y la muerte.

Doble Vida ha sido reconocida por la gran actuación de sus intérpretes y es que Cukor era un genio en la dirección de actores. Destaca sobremanera Ronald Colman, quien ejemplificó con maestría, y con la ayuda de los primeros planos de la cámara, la diferencia entre un buen actor de teatro y un buen actor de cine. (Cine maldito)

Excelente melodrama que propone un brillante juego entre la representación teatral y la realidad a partir del mito de Otelo, en la persona de un actor que acabará embebido por el personaje. Utiliza resortes melodramáticos y de suspense, en un ejercicio de estilo que pone al descubierto el talento de un director no siempre valorado en su justa medida. Sus valores van más allá de lo estrictamente formal. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 13 de noviembre de 1948.

Título español: Doble vida.

Reparto: Ronald Colman, Signe Hasso, Edmond O'Brien, Shelley Winters, Millard Mitchell, Joe Sawyer. 

Amadeus (1984). Milos Forman

Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, conserva sus extraordinarias dotes musicales. Pero, después de la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, Salieri queda relegado a un segundo plano. Enfurecido por la pérdida de protagonismo, hará todo lo posible para arruinar la carrera del músico de Salzburgo. Mientras tanto, Mozart, ajeno a las maquinaciones de Salieri, sorprende a todos con su genialidad como músico, pero también con sus excentricidades.

Impresionante adaptación de la obra de Peter Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -inmenso Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante tanto talento. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Como muestra de inigualable sutileza, atención a la escena en la que Salieri encuentra un manuscrito inédito y sin tachaduras de Mozart... Por lo demás, 8 Oscar consagraron una de las mejores películas de los años ochenta. (Pablo Kurt)

La perfección casi absoluta de la película está, además, envuelta en un diseño de vestuario y una recreación histórica barroca que deja al espectador sin aliento, y que Forman armoniza perfectamente con localiza-ciones en Viena y su sabiduría como director. Un dominio que ha dotado a toda la película de un ritmo magnífico, infatigable durante las tres horas de metraje, de un aroma provocador y polémico tremendamente sugerente y de una espectacularidad visual que convierten a "Amadeus" en una pieza de orfebrería en la Historia del Cine, un gozo absoluto para cinéfilos y melómanos. (Mateo Sancho Cardiel en La butaca)

A pesar del título, la película de Forman no se centra en Wolfang Amadeus Mozart sino en Antonio Salieri, un importante compositor de la misma época. Y aquí radica uno de los mayores aciertos narrativos de ‘Amadeus’, ofrecer un retrato de Mozart, la figura que ha atraído al público, a través de los ojos y los recuerdos de Salieri, que es al mismo tiempo su mayor admirador y su mayor enemigo. La película, basada en una obra de teatro escrita por Peter Shaffer, que él mismo adaptó a guion con la ayuda de Forman, no pretende ser un fiel reflejo de la realidad; para eso mejor un libro o un documental histórico. Como otros trabajos de ficción, ‘Amadeus’ se toma numerosas licencias creativas (con rastros de verdad o apoyados en rumores) pero el recurso de dibujar a Mozart a través de ese otro personaje, que siente emociones tan fuertes hacia él, permite potenciar una serie de aspectos que Salieri considera relevantes o exactos, creando una imagen parcial, y por tanto, más interesante desde un punto de vista cinematográfico. Así, Mozart no queda explicado, es un misterio del que solo descubrimos algunas piezas. (Juan Luis Caviaro en Blog de cine)

Amadeu, la película, sean cuales sean sus virtudes como entretenimiento, resulta ofensiva por injusta hacia Mozart y Salieri y, desgraciadamente, dar al público en general una visión tremendamente equivocada sobre estos dos compositores. De Mozart nos ofrece la imagen de que era un niñato ingenuo y engreído que no se merecía su genialidad. Pero Mozart tenía una madurez artística y una integridad de espíritu de la que no puede dudarse.
Ya entonces, Salieri se dio perfecta cuenta del genio de Mozart; como señal de su sincera admiración, se sumó al pequeño cortejo de amigos y familiares que asistió al funeral de Mozart. (Guía para el visionado de Amadeus de Milos Forman. Ministerio de Cultura)

El enfrentamiento entre Antonio Salieri -el músico esforzado pero sin talento que consiguió el éxito público- y Wolfgang Amadeus Mozart -el genio indiscutible pero incomprendido- ha dado pie a una amplia literatura, en la que se inscribe la obra teatral de Peter Shaffer. En esta aparatosa adaptación, Forman demostró una evidente habilidad visual pero una nula capacidad para captar todos los recovecos de su espíritu. (Fotogramas)

Película estrenada en España en marzo de 1985.

Reparto: F. Murray Abraham, Tom Hulce, Elizabeth Berridge, Simon Callow, Roy Dotrice, Jeffrey Jones.

Dead Reckoning (1947). John Cromwell

Rip Murdock (Bogart), un antiguo soldado, intenta averiguar quién ha tendido una trampa a su amigo Johnny, acusándolo de asesinato y matándolo después. Investigando el oscuro pasado de su compañero durante la guerra, llega hasta Coral Chandler, la novia de Johnny; pero, cautivado por su belleza, se deja atrapar en una maraña de mentiras.

No es ninguna obra magistral dentro de la serie negra ni siquiera una película al nivel del cine de aquellos años, pero este "Callejón sin salida" de Cromwell mezcla títulos míticos y casi coetáneos de su mismo sesgo a fin de lograr esa atmósfera fascinante, oscura y atractiva del cine de intriga de los 40 en USA. Pese a que a veces su cinismo resulte artificial y surgido de la propia inercia del antológico cine negro de su época (el guión fue casi improvisado), la pareja Bogart-Scott tiene química y saben transmitir carisma y fuerza a una película con altibajos pero buena globalmente.(Kafka en Film Affinity)

El guion de Callejón sin salida quizás no es el más vehemente en dotar de solidez y convicción a su intrincado argumento de dudas, traiciones y violencia, aparte incurrir en ciertos lugares comunes del género en su desarrollo. En cualquier caso, el entretenido devenir de los acontecimientos consigue desembocar en un desenlace final beneficiado por un giro tan contundente como consecuente con el clima de la obra, mientras que por su parte la rotunda dirección de John Cromwell infunde con habilidad un notable grado de tensión y crispación a las imágenes, componiendo el escenario y la atmósfera pesimista que requieren la acción y los tiempos en los que se ambienta el filme, acordes asimismo a la naturaleza amarga o torcida de los personajes. (El crítico abúlico)

Si alguno me pregunta que película le recomiendo para hacerse una idea de o que era el cine negro en la época dorada de Hollywood, probablemente le animaría a ver “Callejón sin salida (Dead Reckoning)”. No es la mejor del género, posiblemente la superen “El Halcón Maltés” o “El Sueño Eterno” por decir dos de las mas famosas, pero sí que es la que contiene todos los elementos que caracterizaron este tipo de películas en los años cuarenta en Estados Unidos. (AlohaCriticón)

Una excelente película de cine negro, que desarrolla un original planteamiento con precisión. La minuciosidad tanto en la supervisión del guión como en la dirección de actores, era uno de los rasgos más conocidos de John Cromwell, artífice de El prisionero de Zenda (1937) o Desde que te fuiste (1944). Bogart está imponente, como era habitual en él, y se enfrenta a una cautivadora Lizabeth Scott. Emoción, intriga y poderosos diálogos. Ningún aficionado al cine clásico que se precie debe perdérsela. (Decine21)

"Impecable vehículo de lucimiento de Humphrey Bogart, con el que John Cromwell retorna a los orígenes de su cine. (...) atractiva realización que se suma a los clásicos del cine negro de la productiva década de los cuarenta." (Fernando Morales: Diario El País)

Un vehículo construido a la medida de Humphrey Bogart, en el papel de un condecorado veterano de guerra investigando el asesinato de un compañero, detrás del que se esconde una turbia trama criminal. Resuelto con solidez por un director nada despreciable, cuenta también con una atmósfera inquietante y con un compacto reparto en el que destaca la felina belleza de Lizabeth Scott. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 12 de enero de 1948.

Título español: Callejón sin salida.

Reparto: Humphrey Bogart, Lizabeth Scott, Morris Carnovsky, Charles Cane, William Prince, Marvin Miller, Wallace Ford.