Uno de los mejores trabajos de Corti es esta historia que, partiendo de hechos reales y alternando la reconstrucción dramática con testigos directos, analiza el caso de un objetor de conciencia por motivos religiosos a quien los nazis condenaron a morir decapitado. Jägerstätter es un campesino austríaco que considera injusta la guerra comenzada por Hitler y se niega a ser reclutado. "La actitud de de Jägerstätter no fue la del rebelde ni la del revolucionario; como diría Shakespeare, fue un hombre fiel a si mismo. Hay que remarcar que, de hecho, no rechazó toda violencia; su objeción fue ideológica y se formuló en el ámbito de la individualidad. Estamos tan lejos de una épica como de la figura de un héroe símbolo de una ideología o jefe de un movimiento colectivo. Él no intenta convencer a nadie ni proclamar ningún mensaje; fue un pasajero que quiso bajarse del tren que Hitler conducía y tuvo el valor de hacerlo, plenamente consciente de las consecuencias, que aceptó una a una en un proceso largo, reflexivo y doloroso". (Arnau Olivar)
Reparto: Kurt Weinzierl, Julia Gschnitzer, Helmut Wlasak.
Título español: El caso Jägerstätter.
Película sobre la difícil reincorporación a la vida civil de los
soldados parapléjicos a causa de las heridas recibidas en la guerra.
Norm es uno de ellos y ha perdido completamente la esperanza y las ganas
de vivir. Cuando se enamora de una muchacha y decide casarse con ella,
recupera la ilusión y la esperanza de la recuperación.
Marlon Brando, ya una revelación como actor de teatro en Broadway,
debuta en la gran pantalla interpretando a un soldado de la Segunda
Guerra Mundial postrado en una silla de ruedas en un hospital de
veteranos de su hogar natal. Los primeros fotogramas ya se enamoraban de
este "hombre" de atractivo excepcional, inigualable actor, quizá el más
grande -al menos en cuanto a fuerza interpretativa- que jamás impregnó el celuloide. Con "The Men" el cine mostró al mundo por
primera vez a uno de sus futuros mitos.
El primer film interpretado por Marlon Brando fue un melodrama producido
por Stanley Kramer, dentro de la línea verista que le caracterizaba.
El problema de los soldados cuyas heridas habían dejado secuelas
insuperables fue abordado con pudor y sin cargar las tintas. La mayoría
de los figurantes eran verdaderos heridos de guerra, lo cual le
confería una especial credibilidad. Pese a ello, su formulación
resultaba algo blanda.
Reparto: Marlon Brando, Teresa Wright, Everett Sloane.
Titulo español: Hombres.
Pat Brennan es un veterano vaquero que ha decidido establecerse por su cuenta en una granja. Un día se cruza con la diligencia que conduce su amigo Ed; en ella viaja el peculiar matrimonio formado por Doretta, hija de un rico hacendado y el antipático Willard. Poco después, un grupo de bandidos ataca la diligencia. Considerada el mejor western de Boetticher.
Es imposible rodar un western de tanta calidad con menos elementos: un puñado de actores y una cueva. Es cierto que al principio del film se hace un despliegue de medios más aceptables, y que se permite un registro humorístico que tienen todas las películas de Budd Boetticher, y que es bastante de agradecer. Pero al cuarto de hora el film sufre un giro dramático que transforma lo que parecía un ludico western en un minimalista y angustioso western psicológico, austero y personalísimo.
Los tiempos cambian, la épica se acabó y los pistoleros ya no son héroes sino hombres solitarios y sin rumbo. Para mostrarnos esa decandecia del género se desnuda la puesta en escena, interesa mas ahondar en la psicología de los personajes que en las grandes hazañas. Boetticher es un pilar básico en la historia del western, igual que lo fueron John Ford o Anthony Mann.
Reparto: Randolph Scott, Richard Boone, Maureen O'Sullivan.
Título español: Los cautivos.
Eddie Felson (Newman) es un joven arrogante y amoral que frecuenta con
éxito las salas de billar. Decidido a ser proclamado el mejor, busca al
Gordo de Minnesota (Gleason), un legendario campeón de billar. Cuando,
por fin, consigue enfrentarse con él, su falta de seguridad le hace
fracasar. El amor de una solitaria mujer (Laurie) podría ayudarlo a
abandonar esa clase de vida, pero Eddie no descansará hasta vencer al
campeón sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.
Adaptación de la novela de Walter Tevis que Paul Newman volvería a
interpretar para Martin Scorsese en "El color del dinero" (1986). Constituye
una reflexión tan lúcida como amarga sobre la impostura y el fracaso,
resuelta en un tono sombrío hasta la desesperanza. La excelente labor de
Scorsese no consiguió superar la intensidad dramática y la profundidad
moral de este ilustre precedente.(Fotogramas)
"Incontestablemente genial, una de las películas de mi vida" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
"El mejor catálogo sobre la perdición de siempre" (Javier Ocaña: Cinemanía)
"Todo un clásico del séptimo arte. Una de las mejores radiografías que
se han rodado sobre la filosofía norteamericana del éxito"
(Fernando Morales: Diario El País)
Reparto: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie.
Título español: El buscavidas.
Parrish es un honrado, valiente y atractivo joven. Un día su madre recibe una oferta de trabajo para convertir en una señorita a una joven malcriada, que es la heredera de un importante productor de tabaco. Parrish se traslada con su madre a la mansión de la acomodada familia y no tardará en ser el centro de atención de todas las jovencitas del lugar.
"Simplona historia, típica adaptación de un best-seller" (Fernando Morales: Diario El País)
Culebrón de lujo en el que el apolíneo Troy Donahue causó estragos entre las quinceañeras de la época. (FILMAFFINITY)
Adaptación de una novela de Mildred Savage que sirvió para encumbrar a Troy Donahue como efímera estrella, antes de hallar refugio en la televisión y, más tarde, en todo tipo de subproductos. Es un melodrama sólido y desacomplejado que juega con el tono rosado sin rehuir la cursilería. Con todas sus limitaciones, y a riesgo de sonrojo, constituye un espectáculo agradablemente obsoleto, manufacturado con gran pericia. (Fotogramas)
Después de haber pasado tres años en un centro psiquiátrico, Jack
Andrus, un actor acabado, vuela a Roma invitado por Maurice Kruger, un
director amigo suyo, que le ofrece cinco mil dólares y un pequeño papel
en una película que está rodando en los estudios de Cinecittà. Andrus
acepta la oferta con la esperanza de recuperar la fama. Lo malo es que
en Roma se encuentra con su ex mujer Carlotta, la responsable de su
crisis artística y personal.
"Amarga y desesperada, llena de imágenes dolientes que se ocultan entre
los pliegues del melodrama (...) Una obra maestra absoluta."
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Adaptación de una novela de Irwin Shaw que constituye uno de los títulos clave de su director, donde el melodrama se convierte en fastuoso espectáculo. Llevando hasta sus últimas consecuencias la visión del
mundo del cine que ya propusiera en "Cautivos del mal", recrea un
universo inicialmente artificioso para depurar sus elementos de manera
que el artificio devenga arte.
Esta película constituye un nuevo y mejorado retrato que del mundo del
cine hizo Vincente Minnelli tras la famosa “Cautivos del Mal”. Parece ser que Minnelli la repudió al no permitírsele montarla como él había querido y estrenarse amputada.
Incomprensiblemente se ha denostado este film en favor de la conocida y a
la vez laureada por la crítica “Cautivos del Mal”, sin embargo, y sin
que sirva de precedente, en este caso el technicolor gana al B/N.
El Jack Andrus interpretado por Kirk Douglas y con reminiscencias del
Van Gogh que personificó en “El loco del pelo rojo” y al igual que éste
con inclinaciones depresivas y homicidas y que necesita cuidados
psiquiátricos, resulta más interesante y emocionalmente intenso que el
Jonathan Shields de "Cautivos del mal".
Con “Dos semanas en otra ciudad” Minnelli trató de realizar su
particular versión de “La Dolce Vita” de Fellini como se atestigua por
las numerosas similitudes argumentales , y también cronológicas (apenas
dos años de diferencia entre los dos films).
El actor rebelde e impulsivo y con inquietudes artísticas tan bien
interpretado por George Hamilton encajaría perfectamente en la compleja
personalidad de por ejemplo James Dean y su comportamiento irreverente
fuera de los platós de rodaje. De igual forma el personaje de Edward G Robinson , el de la joven actriz
que se cree una Diva (Rosanna Shiaffino) y el de Kirk Douglas se
inspirarían en otras famosas leyendas del cine que probablemente
Minnelli tenía en mente al hacer esta película sobre la otra cara de
Hollywood.
Las situaciones límite tan bien plasmadas en esta película con el
personaje de Douglas, desembocan en escenas finales tan vertiginosas que
rivalizan con cualquiera de las más efectistas y brutales de films
recientes.(Gary Owen en Film Affinity)
Reparto: Kirk Douglas, Edward G. Robinson, Cyd Charisse, George Hamilton.
Título español: Dos semanas en otra ciudad.
Se producía el debut de Robert Rossen en la gran pantalla con este “Johnny O´Clock”, un noir bastante interesante y en el que es palpable la experiencia previa del director como guionista en films de gangsters durante la década de los treinta (“Marked Woman” de 1937, “Racket Busters” de 1938, y “The Roaring Twenties” de 1939). Concebida por la Columbia para seguir con el relanzamiento de la figura de Dick Powell, recordemos que venía de un gran éxito interpretando al detective Philip Marlowe en “Murder, My Sweet”, “Johnny O´Clock” se terminó convirtiendo en una muestra más del inconformismo existente y del aire de denuncia con el que muchos autores envolvían su obra y que les valió, a muchos de ellos, entrar a formar parte de la blacklist. Rossen, a finales de los cuarenta, tampoco se libró de ello.
Dick Powell vuelve a repetir el registro con el que triunfara en la recreación cinematográfica de la novela de Raymond Chandler ya mencionada anteriormente; Johnny es un personaje frío, de cierta ambigüedad moral y que se siente orgulloso de su cinismo con el que se mueve como pez en el agua en los ambientes lúdicos de la ciudad de Nueva York. Allí, corregenta un casino con su socio, el pez gordo Marchetti, que ejerce de jefe criminal ayudado por la connivencia de las autoridades. Sin embargo, uno de los policías comprados por Marchetti es asesinado junto con su ex novia lo que dará lugar a una investigación por parte del inspector Koach, interpretado magníficamente por Lee J. Coob. Dicha investigación destapará, además, un trío amoroso que centrará buena parte del film; la otra punta del triángulo estará formada por la femme fatale Nell, esposa de Marchetti, quien coquetea incansablemente con Johnny para desesperación de su marido.
Aunque el film se dirija irremediablemente hacia la resolución final de ese conflicto amoroso las intenciones de denuncia de la corrupción policial o la mención a ciertos asuntos raciales están presentes y completan la habitual riqueza temática del género. “Johnny O´Clock”, debut de un director que regalaría un par de obras maestras a la historia del cine y que se permitió, en el mismo año en el que rodó este film, 1947, regalar esa joya pugilística llamada “Body and Soul”. No se pierdan ninguna de las dos. (Alfie en Film Affinity)
French Rarebit es un corto de dibujos animados protagonizado por Bugs Bunny, realizado en 1951 y que forma parte de la serie de Warner Bros Merrie Melodies (Blue Ribbon). Lo dirigió Robert McKimson y el guión es de Tedd Pierce. El título es una parodia del nombre del plato inglés Welsh Rarebit, también conocido como Welsh rabbit, que consiste en una salsa de queso mezclada con otros ingredientes y que se sirve sobre rebanadas de pan tostado.
Celestino es un fotógrafo pueblerino que descubre que posee el poder de convertir a la gente en piedra cuando les hace una foto con su cámara, siguiendo las indicaciones de un extraño vagabundo, al que él toma por un santo, pero que resulta ser un diablo. De este modo, comienza a petrificar a las personas que él considera malas, pero a veces no es fácil distinguirlas.
La aproximación de Rossellini a la comedia del arte. Una fábula sobre la desconfianza en el poder de la cámara (o del cine) para reproducir la vida.
Esta peculiar comedia está protagonizada por Gennaro Pisano, actor de escasa trayectoria cinematográfica (tan sólo tres películas en su haber). La película se realizó en 1948 pero no se estrenó hasta 1952.
El film recupera sólo en parte la estructura del cine neorrealista, orientándose hacia la puesta en escena de situaciones vecinas al expresionismo de los films de Murnau o Laughton (deformación de lo real visto a través de los ojos de Celestino), aunque la ilusión onírica y la visión demoníaca (expresionismo) están mitigadas por las imágenes nítidas que muestran una naturaleza solar (la costa de Amalfi) poblada por la espontaneidad y la improvisación de sus habitantes (comedia del arte).
Reparto: Gennaro Pisano, Giovanni Amato, Pietro Carloni.
