Reservoir Dogs (1992). Quentin Tarantino

Seis criminales profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para un trabajo. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker). Preparan minuciosamente el robo a un almacén de diamantes, pero la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre que tiene como resultado las muertes de algunos policías, empleados y también del señor Azul y del señor Marrón. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite.

Reservoir Dogs fue el estreno de Quentin Tarantino como director, y contó con Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen como actores principales. La actuación de Tarantino es de menor trascendencia, como también la del escritor exconvicto, Eddie Bunker. Reservoir Dogs incorpora muchos temas y estéticas que se transformarían y se darían a conocer como sellos propios de Tarantino, como director y guionista.
Tarantino, quien en sus inicios trabajó como empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a sus amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, un formato de 16 mm y el productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot". Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, la cual entregó una copia del guion a Keitel, quien estuvo no sólo de acuerdo en tener un papel en el film, sino también en coproducirlo. Con la ayuda de Keitel, los realizadores fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1,2 millones de dólares para la realización del film, demasiado extenso para una película realizada de forma independiente, pero una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood. La película desde entonces es vista como un importante y muy influyente hito del cine independiente.

"Para muchos -entre los que se incluye este cronista-, estamos ante la mejor ópera prima de los noventa y una de las mejores películas "independientes" del cine americano de las últimas décadas. Un desconocido Quentin Tarantino sorprendió con un violento thriller sin apenas acción, de trama apasionante, ingeniosos diálogos, contundente banda sonora, puesta en escena calculada y un montaje espacio-temporal diferente. Un film genial que rebosa talento." (Pablo Kurt en Film Affinity)

 

"Insólita y violenta ópera prima, donde se mezclan la sangre, el talento y una apasionante estructura." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

 

"Sin duda, poderosa." (Luis Martínez: Diario El País) 

 

"Guión perfecto (...) gran puesta en escena." (M. Torreiro: Diario El País)

 

"Una de las sorpresas más agradables del cine americano de los primeros 90, que consagró a su director. Propone un original thriller estilizado hasta la abstracción. Su dinámica narrativa se articula a través de un gran sentido de la atmósfera, construida con una notable violencia y una tensión contenida que se va desvelando progresivamente. El resultado de la operación es prácticamente redondo." (Fotogramas)

Reparto: Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney, Michael Madsen.

 

Duck Soup (1933). Leo McCarey

La historia principal del film es un problema político entre dos naciones. Groucho Marx es Rufus T. Firefly, un extraño personaje que llega a ser presidente de Libertonia, un extraño país de Europa, o probablemente una metáfora de Estados Unidos. El antiguo presidente es destituido del cargo por problemas en la administración y desavenencias con los aristócratas del lugar. Hay amenazas de guerra con el país vecino, Sylvania, y aunque se trata de hacer la paz, Rufus, en situaciones hilarantes, la rechaza.

Los encargados de espiarlo, como sucede en muchas de sus películas, son Chico y Harpo; Chicolini y Pinky (el italiano y el mudo). Ellos hacen todo lo que pueden, pagados por el país rival, para secuestrarlo o robarle las estrategias de guerra. Pero al final, tras el delirante juicio por traición a Chicolini, son persuadidos de unirse al ejército de Libertonia. Ganan la guerra en situaciones demasiado absurdas como para reseñar aquí.
Son destacables en esta película la actuación de los tres hermanos, así como los diálogos y los "efectos especiales". Para adentrarse en las teorías marxianas es necesaria esta película como base. Hay dobles sentidos con alusiones sexuales, cuestiones censuradas por muchos años en esta película (pues hay que recordar que fue de los años treinta). Es más, hasta los musicales tienen gracia, y eso es de notar. Esto fue logrado, tal vez, por la libertad creativa que los Marx gozaban aún. Cuando se unieron a la MGM disminuyó su intervención drásticamente, pasando a ser meros actores. En resumen: una oportunidad para apreciar la belleza en la expresión y el humor marxiano puro.

“Duck Soup” es una frase en argot que significa 'algo fácil de hacer'. La expresión continuaba con la tradición de poner títulos relacionados con animales, como sucedió en las tres películas anteriores de los Hermanos Marx: Animal Crackers (El conflicto de los Marx), Monkey Business (Pistoleros de agua dulce) y Horse Feathers (Plumas de caballo).

En su día la película no obtuvo el favor de la crítica ni de la taquilla, lo que causó la salida de los Marx de Paramount Pictures. Esto pudo ser debido a que la presentación musical de Groucho es muy similar en esta película y en El conflicto de los Marx y Plumas de Caballo, por lo que la audiencia pudo creer que la película era un refrito. Años más tarde, Arthur Marx, el hijo de Groucho, describió la evaluación del productor Irving Thalberg del fracaso de la película durante una entrevista en la radio, en la que contaba: "[Thalberg] dijo que el problema con Sopa de ganso es que hay un montón de chistes en ella, pero no hay ninguna historia y no hay nadie a quien apoyar. No puedes apoyar a los Hermanos Marx porque ellos son un manojo de tipos estrafalarios. Tienes que poner una historia de amor en tu película para que haya alguien a quien poder apoyar y tienes que ayudar a los amantes a reunirse".
La ciudad de Nueva York se quejó de las posibles implicaciones negativas que la película podría ocasionar, mediante el retrato que se hace de ella a través de la ficticia "ciudad de Libertonia". Los Hermanos Marx, con su agudo estilo habitual, replicaron: "Cambien el nombre de su ciudad: Hace daño a nuestra película".
Con el tiempo, la reputación de la película ha sido rehabilitada. La historia de amor supuestamente necesaria, incluida más tarde en varias películas de los Hermanos Marx, a menudo es vista como una intrusión, y las primeras películas son vistas como comedia "pura". Sopa de ganso es vista ahora como una farsa política clásica. El American Film Institute la incluyó en el número 85 de las mejores películas estadounidenses del siglo XX, así como la quinta mejor comedia, por lo que ha sido seleccionada para su conservación.

"Groucho y compañía dirigen la república más desternillante de la historia del cine en la, para muchos, mejor comedia de los hermanos Marx, lo cual es decir la comedia más delirante y el humor surrealista más divertido del séptimo arte. Definirla como magistral es quedarse corto, pues "Duck Soup" es la quintaesencia de unos cómicos geniales que, a pesar de no tener apenas éxito en su estreno, supuso el primer clásico de una serie de legendarios títulos como "A Night at the Opera, 1935", "A Day at the Races, 1937", "Room Service, 1938", "At the Circus, 1939" y "Go West, 1940". Casi nada." (Pablo Kurt en Film Affinity)

"Posiblemente este sea el mejor vehículo cinematográfico con que contaron los hermanos Marx. La experiencia de McCarey en el cine cómico mudo, muy especialmente con Laurel y Hardy, se evidencia en una estructura que equilibra coherentemente la homogeneidad y la anarquía, lo verbal y lo visual. Su corrosivo contenido -la delirante visión de la política y la guerra- le confiere un notable valor añadido." (Fotogramas)

Título español: Sopa de ganso.

Reparto: Groucho Marx, Chico Marx, Harpo Marx, Zeppo Marx, Louis Calhern, Margaret Dumont, Raquel Torres.

The Adventures of Robin Hood (1938). Michael Curtiz, William Keighley

Inglaterra está devastada. El usurpador Juan Sin Tierra ha ocupado el trono tras la desaparición del rey Ricardo Corazón de León cuando regresaba de la Segunda Cruzada. Ha sido hecho prisionero por Leopoldo V de Austria.
Cuando la noticia llega a Inglaterra, Juan decide usurpar el trono con el apoyo de la nobleza normanda y usa el falso pretexto de pagar el rescate de Ricardo para imponer nuevos tributos que los más pobres no pueden pagar. Sir Guy de Gisbourne, partidario del príncipe Juan, intenta un día arrestar a un campesino que, llevado por la necesidad, ha cazado un ciervo en el bosque de Sherwood, acto penado con la muerte. Pero se lo impide Robert de Locksley, un caballero que desafía la autoridad de Juan y trata de proteger al pueblo sajón de los abusos de los nobles y que defiende los derechos de Ricardo.
Proscrito por el usurpador, Robert de Locksley toma el nombre de Robin Hood y forma una banda de hombres proscritos como él con los que hostiga a los nobles que apoyan al usurpador. El malvado sheriff de Nottingham abusa de la población. Sólo Robin Hood vela por los pobres.
Cuando Sir Guy y su prometida, Lady Marian, que le ha sido asignada por el príncipe Juan, transportan un tesoro en marcos al castillo de Kenworth, son asaltados por Robin Hood, que humilla de nuevo a Sir Guy.
Lady Marian descubre la verdad acerca de Robin y sus hombres y del usurpador. Se enamora del proscrito y decide ayudarle. Mientras, Sir Guy decide tenderle una trampa a Robin. Convoca un concurso de arqueros y el vencedor será declarado el mejor arquero de Inglaterra y recibirá un flecha de oro de manos de Lady Marian. Robin acude disfrazado de calderero.

La película costó más de 2 millones de dólares y fue una de las pocas películas de la década de los 30 filmada en color. Fue una producción inusualmente extravagante para el estudio de Warner Bros, que hasta ese momento se había caracterizado por producir películas de gangsters de bajo presupuesto, pero las películas de aventuras con Errol Flynn habían tenido éxito y esta película fue pensada para aprovechar el momento de éxito.

La película tuvo una buena acogida y se convirtió en la sexta más taquillera del año, con unos 4 millones de dólares de ganancias en una época en la que la entrada costaba menos de 25 centavos. Warner Bros quedó tan encantada con el resultado que filmó otras dos grandes epopeyas en color antes de que llegara la siguiente década: Dodge City y La vida privada de Elizabeth y Essex, ambas dirigidas por Michael Curtiz en 1939.

Contiene uno de los duelos de espada más espectaculares de la historia del cine: entre el villano, interpretado por Basil Rathborne, y Errol Flynn, en el papel de Robin Hood. Basil Rathborne era uno de los mejores espadachines en el Hollywood de la época, capaz de ganar a cualquier contrincante en un enfrentamiento real. Pero, dado que solía interpretar papeles de villano, de manera sistemática debía dejarse ganar en la pantalla.
Warner Bross invirtió más de dos millones de dólares cuando el presupuesto inicial era de un millón seiscientos mil. Se convirtió de esta manera en la película más cara rodada por la Warner. Se vieron obligados a renunciar a rodar una espectacular escena de torneo, dado que se disparaba el presupuesto. Utilizaron todas las cámaras de technicolor disponibles en ese momento, un total de once.
También cuenta con varios récords como el del mayor número de dobles empleados en el filme, la película más taquillera de 1939, así como el hecho de que estableció definitivamente la popularidad del personaje Robin Hood en la nueva etapa sonora.

"Un título mítico del cine de aventuras, lleno de espectacularidad. Curtiz supo darle a la historia un ritmo sin igual y unas dosis de humor realmente divertidas que la elevan muy por encima de las diversas versiones de este clásico." (Fernando Morales: Diario El País)

"Un clásico del cine de aventuras, que se apoya en un sugestivo reparto y un considerable esfuerzo de producción. A su impecable narración sólo le falta un mayor grado de inspiración para acceder a la categoría de lo magistral. Sin llegar a ser una obra maestra, se trata de un excelente relato de aventuras." (Fotogramas)

Título español: Robin de los bosques.

Reparto: Errol Flynn, Olivia De Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains, Eugene Pallete.

Fried Green Tomatoes (1991). Jon Avnet

Evelyn (Kathy Bates), una mujer madura que vive frustrada por su gordura y por la insensibilidad y simpleza de su marido, conoce casualmente en un asilo a Ninny (Jessica Tandy), una anciana que le va contando poco a poco una dramática historia ocurrida en un pequeño pueblo de Alabama. El relato se hace cada vez más fascinante: gira en torno a la gran amistad entre dos mujeres (Mary Stuart Masterson y Mary-Louise Parker) y al misterioso asesinato del marido de una de ellas. Adaptación de una novela de Fannie Flagg (n. 1944) publicada en 1988 (Fried Green Tomatoes at the Whistle Stop Cafe).

Entretenidísima historia que, cual salsa hogareña con receta de la abuela, mezcla con gran acierto pequeñas dosis de melodrama, humor, ternura e intriga para conseguir uno de los grandes éxitos "boca a boca" del cine norteamericano de los años noventa -recaudó en Estados Unidos más de 80 millones de dólares-. Tomates verdes fritos iba a ser una cinta de mujeres destinada a una audiencia femenina adulta, pero conquistó igualmente a todo tipo de público. Con mucho encanto. (Pablo Kurt en Film Affinity)

Adaptación de una novela de Fannie Flagg que se convirtió en uno de los éxitos más inesperados de los 90. Fue la primera realización de un veterano productor y director televisivo, en la que demostró una evidente pericia para narrar una historia donde el presente estará marcado por los fantasmas del pasado. Su aparente resolución no impide que sus recursos no siempre tengan la suficiente prestancia. (Fotogramas)

Título español: Tomates verdes fritos.

Reparto: Kathy Bates, Jessica Tandy, Mary-Louise Parker, Mary Stuart Masterson.

Doctor Zhivago (1965). David Lean

Rusia, revolución bolchevique (1917). La guerra civil que sigue a la revolución mantiene al país profundamente dividido. En medio del conflicto, asistimos al drama íntimo de un hombre que lucha por sobrevivir. Este hombre es Zhivago, poeta y cirujano, marido y amante, cuya vida trastornada por la guerra afecta a las vidas de otros, incluida Tonya, su esposa, y Lara, la mujer de la que se enamora apasionadamente.

Se trata de un drama épico, basado en la novela homónima que publicó el ruso Borís Pasternak en 1957 y que le valió el Premio Nobel de Literatura un año más tarde. La película obtuvo cinco premios Óscar y fue nominada a otros cinco. Además, fue galardonada con cinco premios Globo de Oro, incluyendo los correspondientes a las categorías de mejor película dramática, mejor director y mejor guion. Fue una película muy popular durante décadas, y a partir de 2010 se la consideró en los Estados Unidos la octava película más taquillera de todos los tiempos, ajustadas las cifras por el índice de inflación.

Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid, Soria y Salamanca, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer.
En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto. Se construyó un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias.
En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso.

"Aunque su portentoso drama histórico se evapora cuando sales al aire libre, verlo puede resultar interesante". (Bosley Crowther: The New York Times)

"Inolvidable cinta. Lujosa superproducción en la que Lean borda su trabajo. Todo un clásico" (Fernando Morales en El País)

Aparatosa adaptación de la famosa novela de Boris Pasternak que funciona en su vertiente inmediata pero que no acaba de funcionar en su totalidad por un exceso de pretensiones y una deficiente dosificación de sus elementos. Como en otras ocasiones, Lean demostró su habilidad para el espectáculo con cierto mensaje, pero también su tendencia a la dispersión. (Fotogramas)

Peccato che sia una canaglia (1954). Alessandro Blasetti

Paolo conduce en su taxi a la encantadora Lina y a sus tres amigos a la playa, pero se da cuenta de que lo que ellos pretenden es robarle su vehículo. Ella le enreda con explicaciones confusas y le lleva a conocer a Sopriano, su padre. Paolo piensa que se trata de una familia honrada, hasta que descubre que la pitillera de oro que ella le ha dado había sido sustraída, que Sopriano se ha apropiado de una maleta en la estación y que padre e hija son carteristas en los autobuses. Paolo los denuncia a la Policía, pero ellos se las arreglan para distorsionar los hechos y parecer que son inocentes. Desesperado, Paolo propone a Lina que abandone la vida de ladrona.

Sin duda uno de los títulos más importantes de la época dorada de la comedia italiana. Un guión lleno de frescura -obra de dos figuras tan importantes como Suso Cecchi y Ennio Flaianno-, una dirección plena de aciertos y un trío protagonista que ha alcanzado la categoría de mítico son algunas de las bondades de esta exquisita producción que se mueve entre el costumbrismo tradicional y la picaresca más imaginativa. Todo un lujo al alcance de los espectadores que decidan volver a ver esta exitosa cinta. Muy divertida. (Fernando Morales: Diario El País)

Blasetti, cuya otra obra más conocida es "La Corona de Hierro", logró aquí su película más popular con esta divertida historia de enredo entre un taxista y una peculiar familia de ladrones. Pródiga en situaciones cómicas, algunas muy bien resueltas, como los constantes embotellamientos y accidentes que sufre el taxista en su persecución de los ladrones, o la soberbia secuencia de la comisaría, verdaderamente genial e hilarante. Las virtudes de estos filmes se basan, aparte del humor en sí, en su facilidad para conectar con aspectos populares de la sociedad de su tiempo, y a la hora de concebir personajes a un tiempo entrañables y divertidos, que enganchan absolutamente al espectador. (Quatermain80 en Film Affinity)

Título español: La ladrona, su padre y el taxista.

Reparto: Vittorio de Sica, Sophia Loren,  Marcello Mastroianni.

Chinatown (1974). Roman Polanski

Los Ángeles, 1937. El detective Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Al mismo tiempo, Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente revelación.

"Una de las películas más interesantes de Polanski (...) homenaje al cine negro, film sólido, de guión modélico y lleno de nervio." (Javier Rioyo: Cinemanía)

 

Todo lo que envuelve a "Chinatown" está hecho con inteligencia y coherencia, llegando casi a la fascinación. Sin embargo, a la hora de compararla con títulos de oro del género como "Retorno al pasado" o "Sed de mal", "Chinatown" aguanta sobradamente el tipo, pero no llega a las inigualables cotas de tristeza y fatalidad que emanaban esos fims, aunque la escena final es una de las más desoladoras que ha brindado el cine negro. Una película brillante. (GVD en Film Affinity)

Un ejercicio estilístico tan ambicioso como arriesgado: reconstruir el espíritu del cine negro de los años cuarente desde una mayor permisividad, sin las cortapisas de la censura de la época. El resultado fue tan brillante como discutible, creando una atmósfera convincente pero descubriendo a menudo su propio artificio. Juega en exceso a la audacia fácil, anteponiendo impacto a coherencia. (Fotogramas)

Reparto: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry López, Burt Young.