El bosque animado (1987). José Luis Cuerda

Un bandido, un pocero, una niña que trabaja, un chico que no quiere trabajar, una muchacha que emigra, un fantasma que busca compañía... Estos, y muchísimos personajes más, constituyen el diverso panorama que vamos descubriendo entre los árboles de "El Bosque Animado". Frente a un mundo de pobres, otro de ricos: los señores del pazo, las veraneantes llegadas de Madrid y la patrona pueblerina que explota el trabajo de los niños porque su irremediable soltería le ha extremado el amor por el dinero. Entre todos ellos, el tren que bordea los caminos del bosque, que trae y lleva personajes, único nexo que los une y los desune. Adaptación de la novela del mismo título escrita por Wenceslao Fernández Flórez (1885-1964) y publicada en 1943.

Una de las más alabadas películas españolas de las últimas décadas. El excelente guión de Azcona, la dirección de Cuerda y un soberbio reparto encabezado por el magistral Alfredo Landa consiguió arrasar entre crítica y público. Muy buena. (Pablo Kurt)

Visión entre melancólica, ácida y triste de una época y un lugar, el bosque gallego de San Salvador de Cecebre, cercano a La Coruña, en los años 30, que cuenta con un gran reparto coral. Contada con un prisma irónico, se percibe un trato cariñoso a los personajes por parte de Cuerda, con una mezcla de humor negro y surrealista que supone un anticipo o precedente de “Amanece que no es poco” (1988), donde llevará al extremo dicho humor. (Gabriel en Film Affinity)

Una de las sorpresas más agradables del cine español de los 80, que adaptaba con singular tino una narración de Wenceslao Fernández Flórez. En la misma destaca su capacidad de fabulación, a medio camino entre un absurdo radical y un sensato racionalismo. Huyendo por igual del ruralismo trascendente como de la payasada con pretensiones, impone una narrativa tan simple como penetrante. (Fotogramas)

Reparto: Alfredo Landa, Encarna Paso, Fernando Valverde,  Alejandra Grepi, Miguel Rellán, Fernando Rey, Alicia Hermida, Amparo Baró, María Isbert.

Cielo negro (1951). Manuel Mur Oti

Emilia, una modesta empleada de una casa de modas, está enamorada y no duda en sustraer un traje de su empresa para acompañar a su novio a la verbena. Pero todo le sale mal: descubierto el hurto, es expulsada de su trabajo y eso no será lo peor.

Contenida narración cinematográfica de la sumisión, sacrificio, resignación y entrega de las trabajadoras españolas de posguerra (a través de la ceguera de la protagonista), el uso de los elementos simbólicos (el travelling inicial desde el viaducto hasta la jaula, pasando por la lluvia que abre y cierra el drama), el estilo más insinuante que explícito, como la sutil presencia del padre muerto republicano (ella trabaja en el Instituto IBYS, empleador de expresos políticos) y las más que aceptables interpretaciones. (Persona en Film Affinity)

Manuel Mur Oti escoge a una mujer plena de belleza en alma y cuerpo, que alimenta sueños de amor y felicidad, y la coloca en un ambiente destructivo cuyo clima cambia en función de las engañosas ilusiones de la protagonista, de sus alegrías y de sus decepciones. (Vivoleyendo en Film Affinity)

Director de culto donde los haya, Manuel Mur Oti fue un francotirador siempre en el límite de la megalomanía. Esta es una de sus obras más características, basada en una narración naturalista de Antonio Zozaya ambientada en el Madrid popular. Demuestra cómo se puede convertir un melodrama más o menos social en un ejercicio de desmesura tanto significativa como formal, lo que demuestra el famoso y larguísimo travelling con que cierra la historia. (Fotogramas)

Reparto: Susana Canales, Fernando Rey, Luis Prendes, Julia Caba Alba.

Remando al viento (1987). Gonzalo Suárez

Dos poetas ingleses, Shelley y Lord Byron, se ven obligados a huir de Inglaterra. Durante el viaje, Mary Shelley recuerda cómo conoció en casa de su padre adoptivo al joven y apasionado poeta Shelley, cómo lo amó y cómo se fugó con él. También evoca una cita con Byron en Suiza. Pero, sobre todo, rememora una noche de noviembre de 1816 durante la cual, mientras sus amigos contaban historias de terror, ella daba a luz al legendario monstruo de Frankenstein.

Mary Shelley rememora las ideas de los dos poetas más emblemáticos del Romanticismo inglés sobre la primacía de los sentimientos por encima de la razón, la búsqueda de la originalidad frente a la tradición clásica, la apuesta por el liberalismo y el librepensamiento, la creación de mitos y héroes prototípicos de la rebeldía (don Juan, Prometeo, corsarios y piratas), la apuesta por narraciones fantásticas, la justificación del suicidio, el amor a la naturaleza como entidad superior, compendio y símbolo de toda la verdad, la ambición de crear vida artificial. (Miquel en Film Affinity)

La creación literaria del mito de Frankenstein en una reconstrucción imaginativa pero que acaba resultando menos inquietante de lo que pretende. Su exquisita formulación estética y la desapacible atmósfera que logra son sus bazas más positivas, contrastando con cierto tono enojosamente autocomplaciente. Aunque no sea una obra redonda es uno de los títulos más notables del reciente cine español. (Fotogramas)

Reparto: Hugh Grant, Lizzy McInnerny, Valentin Pelka, Elizabeth Hurley, José Luis Gómez.

Viridiana (1961). Luis Buñuel

Don Jaime (Fernando Rey), un viejo hidalgo español, vive retirado y solitario en su hacienda desde la muerte de su esposa, ocurrida el mismo día de la boda. Un día recibe la visita de su sobrina Viridiana (Silvia Pinal), novicia en un convento, que tiene un gran parecido con su mujer.
Única película española que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cannes, aunque durante muchos años la película -una coproducción- "se hizo pasar" por mexicana pues las autoridades españolas, cuyos censores habían dado visto bueno al guión, consideraron irreverente la película una vez vista. De hecho el film no se estrenó en España hasta 1977, tras la muerte de Franco.

“Viridiana es la película que continúa más estrechamente mi trayectoria de cineasta desde que rodé La edad de oro. De toda mi obra, estas dos películas son las que he dirigido con mayor libertad”. Estas palabras de Luis Buñuel ponen de manifiesto que Viridiana es una obra de y por la libertad. Precisamente, estalló en la España franquista, convirtiéndose en un gran escándalo. Con esta obra, el aragonés devuelve al país el esplendor que la dictadura había silenciado o exiliado. Pudo hacer uso de la libertad que tanto apreciaba para hacer lo que más le motivaba: penetrar en el subconsciente colectivo de la tradición española y liberar las profundidades oscuras del pensamiento de los prejuicios tanto sociales como individuales.

"Otra obra maestra de Buñuel. Reparto de ensueño y un guión lleno de irreverencia, naturalismo, surrealismo, humor negro y tragedia, para una historia inolvidable e imprescindible. Magistral". (Fernando Morales: Diario El País)

Una antología de obsesiones buñuelianas conforman el primer film que rodó en España desde la guerra civil. En un conjunto donde priva lo corrosivo y lo esperpéntico, domina en todo momento una irónica lucidez. Secuencias notables, que justificarían por si solas la visión del film: la relación fetichista y no consumada entre Fernando Rey y Silvia Pinal; el banquete de los pordioseros, que parafrasea "La Santa Cena", de Leonardo Da Vinci. (Fotogramas)

Reparto: Silvia Pinal, Fernando Rey, Francisco Rabal, Margarita Lozano, José Calvo, Lola Gaos, María Isbert, Victoria Zinny.

El viaje a ninguna parte (1986). Fernando Fernán-Gómez

Franquismo, años cuarenta. Dentro de un grupo de cómicos de la legua medio emparentados entre sí, aunque no siempre recuerdan con precisión cuál es su parentesco, surgen amores y desamores. Hay separaciones dolorosas y encuentros felices; el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos con los familiares, y el hambre con el sueño de alcanzar el triunfo.

Los premios Goya, recién instaurados por la Academia del Cine Español, no pudieron rendir mejor homenaje al maestro Fernán-Gomez, y a los cómicos en general, que premiando esta obra capital del cine español.

Fantástico homenaje el que realizó Fernando Fernán-Gómez a los actores de teatro que malvivían de modo itinerante por los pueblos para ganarse el pan. Esta adaptación cinematográfica de su propia novela cuenta con un reparto impresionante del cine español, destacando - aparte de su propio autor y director - un espléndido José Sacristán como el protagonista Carlos Galván, Juan Diego en el papel del contable Maldonado y Gabino Diego como el ingenuo Carlitos. El elenco femenino tampoco va a la zaga, sobresaliendo Nuria Gallardo y Laura del Sol.
Una visión que pretende ser cómica como el oficio de sus personajes, pero que muestra al mismo tiempo las miserias y humillaciones que han de soportar unos intérpretes que viven su profesión con todo el esfuerzo y talento del que son capaces. Unos cómicos a los que la gente necesita para reírse y que, paradójicamente, son tratados como un estamento de la más baja clase social. (Luis Miguel en Film Affinity)

"Obra maestra del cine español". (M. Torreiro: Diario El País)

 

"Lúcido retrato de la derrota; la risa puede escocer". (Luis Martínez: Diario El País)

 

El mejor film de Fernán Gómez desde su memorable "El extraño viaje" (1964), donde fija su mirada en el mundo de los cómicos ambulantes. Con un espíritu cercano al Bardem de "Cómicos", contempla este entrañable universo con una acertada mezcla de ternura y sarcasmo. Estructurada con gran habilidad, y con un reparto de lujo, supera felizmente su larga duración sin que el cansancio haga presa en el espectador. (Fotogramas)

Reparto: José Sacristán, Laura del Sol, Juan Diego, María Luisa Ponte, Gabino Diego, Nuria Gallardo, Fernando Fernán-Gómez.

La tía Tula (1964). Miguel Picazo

A la muerte de su hermana Rosa, Tula se va a vivir a casa de su cuñado Ramiro para cuidarlo a él y a sus hijos. La convivencia entre Tula y su cuñado, al principio, no está exenta de roces y tensiones, sobre todo cuando Emilio, que desea casarse con Tula, pretende que Ramiro haga valer su influencia sobre ella para facilitarle sus planes de boda. Pero Ramiro se siente atraído por su cuñada, atracción que se ve favorecida por la vida en común.

El guión, fiel al espíritu de Unamuno pero adaptado a los años 60 -la novela fue escrita en 1907 y publicada en 1921-, es modélico y, como cuenta Picazo, tuvo una elaboración muy compleja. Narra la vida de Tula, una soltera de provincias que convive con su cuñado, que acaba de enviudar, y sus sobrinos. Atractiva y maternal, esta mujer está condicionada por una férrea moral que chocara con las pulsiones sexuales de su cuñado Ramiro y la atracción silenciosa que siente ella.

'La tia Tula' tuvo un gran éxito en el Festival de San Sebastián de 1964. El presidente del jurado, Nicholas Ray, director estadounidense de clásicos como 'Johnny Guitar' o 'Rebelde sin causa', reconoció en muchas ocasiones el impacto que le provocó esta película, admiración que comparte Pedro Almodóvar, un cineasta que siempre se ha sentido atraído por la complejidad del mundo femenino. (El Mundo)

"Buena adaptación cinematográfica de la obra homónima de Unamuno. Brillante recuadro de la sociedad provinciana de la época" (Fernando Morales: Diario El País)

 

"Toda una conmoción para el cine español de los sesenta (...) asombrosa adaptación de la novela de Unamuno que alcanza un rigor dramático y una solidez formal inaudita". (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Perceptiva adaptación de la novela de Miguel de Unamuno, en la que la figura de una solterona -un personaje casi trágico que encontró en Aurora Bautista a la intérprete ideal- servía como detonante para trazar un agudo retrato de la mediocridad y las represiones provincianas. Pocas veces en la historia del cine español se ha conseguido una atmósfera tan opresiva como en este film, que supuso el prometedor debut de un director cuya obra posterior no sería tan afortunada. (Fotogramas)

Reparto: Aurora Bautista, Carlos Estrada, Irene Gutiérrez Caba, Laly Soldevila, Enriqueta Carballeira, José María Prada.