lunes, 18 de febrero de 2019

Vuelta a la vida (Back to God's Country, 1953). Joseph Pevney


A finales del siglo XIX, en un pequeño pueblo de un remoto y helado paraje de Alaska, el capitán Peter Keith tendrá que defenderse de dos astutos villanos que han asesinado a un esquimal para robarle los planos de una mina de oro, y que además acechan a su esposa, Dolores.

Una aventura en Technicolor situada en el desierto ártico, Back to God's Country, se sitúa en la intersección de tres de los géneros de películas más reconfortantes; el Western pre-revisionista, la historia de supervivencia en el desierto y la historia de perro fiel patentada por Jack London. El autor del relato, James Oliver Curwood era un contemporáneo de London, y aunque su ideas políticas no era tan preocupantes como las de Jack, sufrió una dramática conversión de cazador a conservacionista. La tensión de esa transición subyace en la narrativa y el tono de la película de Joseph Pevney, un realizador tradicional a tope, que tiene matices sorprendentemente reflexivos y modernos. (...) Pevney nunca fue un director de primera fila de Hollywood; (...) pero su Ártico filmado en estudio es sorprendentemente persuasivo, incluso si claramente no es real. La debilidad principal de la película reside en la floja caracterización de sus villanos, interpretados por Steve Cochran y Hugh O'Brian, una decepción en un momento en que directores como Raoul Walsh y Nicholas Ray inyectaban una verdadera complejidad psicológica en el Oeste. Pero esto forma parte del atractivo regresivo de la película. Ocurre en una época en la que los villanos eran malvados, los héroes eran apuestos, las damas eran duras y los perros leales, y es difícil resistirse a sus encantos. (Graham Williamson en The Geek Show)

Obviamente, la película tiene más de medio siglo, pero vale la pena frente a las producciones de hoy. Por supuesto, algunos aspectos están completamente obsoletos, pero la historia es fácil de seguir, es interesante, los paisajes son hermosos y los efectos especiales son de estar por casa, lo que deja espacio para la naturalidad. Joseph Pevney nos ofrece un espectáculo entretenido donde la acción, la infamia y la venganza se mezclan. Buena película de aventuras para ver en familia, una tarde de domingo en un clima sombrío. (Sinefil44 en Allocine)

La pareja protagonista (Rock Hudson y Marcia Henderson) contribuye al buen hacer general de una película que entretiene y se ve con agrado. (Marius en Film Affinity)

Adaptación de una de las más populares novelas de James Oliver Curwood, que cuenta con innumerables versiones cinematográficas, como las de David M. Hartford (1919), Irwin Willat (1927) o Robert Tansey (1946), entre otras. Plantea una tradicional trama de aventuras, resuelta de manera más bien discreta. Su ritmo es excesivamente premioso y su formulación visual deja entrever el cartón-piedra del decorado en demasiadas ocasiones. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 24 de diciembre de 1963 en los cines Amaya y Bulevar de Madrid

Reparto: Rock Hudson, Marcia Henderson, Steve Cochran, Hugh O'Brian, Chubby Johnson.

lunes, 11 de febrero de 2019

Fatalidad (Dishonored, 1931). Josef von Sternberg



Una viuda (Marlene Dietrich), que para sobrevivir ha tenido que dedicarse a la prostitucion, es requerida por el Servicio Secreto Austriaco para que se convierta en un agente especial. Gracias a su extraordinaria belleza, la mujer descubre secretos del enemigo, salva miles de vidas y altera el curso de la guerra. Su debilidad es un agente ruso llamado Kranav (Victor McLaglen), que continuamente se burla de ella.

El argumento de la película de la Paramount parece especialmente urdido para que una actriz de las condiciones físicas de Marlene Dietrich asuma el papel literario y especioso de la dama irresistible y vampiresca –d’annunziana- que tanto se ha prodigado en la pantalla. (…) Si es sorprendente, como toda novedad, el arte de la Dietrich, no lo es menos, aunque su labor se haya consagrado anteriormente, el de Sternberg, como director de la película. Está realizada con admirable sencillez y una concepción justa y moderna del cinematógrafo hablado, dando a la palabra un valor esquemático y subordinándola a la sucesión y yuxtaposición de imágenes. La sonoridad es perfecta. El público –cosa rara en el cine- aplaudió al final de la magnífica producción de la Paramount, que es, con Las calles de la ciudad y Un reportaje sensacional, la mejor película que este año hemos visto en Madrid. (C. en ABC del 18 de noviembre de 1931)

En todo, y por todo en esta Fatalidad –apoteosis del arte de Marlene Dietrich- aquella nota sutil de vaguedad inteligente y de buen gusto, que ya advertimos en Marruecos y que es el sello inconfundible de la producción de Sternberg. (Felipe Centeno en La Vanguardia del 21 de enero de 1932)

'Fatalidad', o 'Deshonrada', la traducción de su título original, deshonrada por una rigidez que no sabe de sentimientos, ni de música, es una de las obras cumbres de esa oda al artificio que es el cine de Josef Von Sternberg (esas exquisitas sobreimpresiones...; Von Sternberg también se pinta los labios cuando hace cine), quien también firma el guión junto a Daniel N Rubin. Fue su segunda colaboración con Marlene Dietrich en la Paramount. El papel de Kranau había sido ofrecido a Gary Cooper, para repetir el éxito de 'Marruecos' (1930), pero Cooper no quería trabajar de nuevo con Von Sternberg.(El cine de Solaris)

Érase una vez un hombre que inventó la luz del cine (en estudio) para pintar sobre la pantalla el rostro de la mujer que amaba. O también: érase una vez un hombre que inventó a una mujer para pintar la luz del cine que amaba. Ese hombre era Josef von Sternberg. Esa mujer era Marlene Dietrich. Y la luz del cine era el tercer vértice del triángulo amoroso. (La escuela de los domingos)

Me quedaré con esa imagen irrepetible de las piernas de Marlene, bajo el aguacero, enfundadas en unas semi caídas y sensuales medias negras, con el pintalabios final (sin desvelar nada) y con ese saludo marcial del Jefe del Servicio Secreto Austriaco. Todo un epílogo. (Con el cine en los talones)

Dishonored es una obra maestra subestimada. Con frecuencia omitida en las listas de colaboraciones entre Dietrich y Von Sternberg, la película es absolutamente esencial para comprender la técnica artística del director y la evolución de la actriz en su estatus de icono para cada futura mujer fatal. Von Sternberg aplica una rica secuencia de capas de estilo y carácter que embellecen el atractivo deslumbrante de Dietrich como una mujer inteligente comprometida en una búsqueda mortal de más poder temporal en la forma de espionaje militar de alto secreto y empoderamiento sobre los hombres que ella manipula. La interpretación penetrante de Sternberg de las convenciones sociales muestra un claroscuro de fantasía surrealista en contraste con la realidad descarnada del destino que envuelve a su heroína, que finalmente se transforma en una mártir de su propia -y universal- feminidad. (IMDB)

Una historia de espionaje por Josef von Sternberg. El comienzo de la película, cuando Gustav von Seyffertitz como jefe de inteligencia austriaco recoge a Dietrich en la calle para convertirla en una espía de élite, es un trabajo extremadamente bueno. Pero Dietrich se eleva por encima de su director en esta película, tanto como Sternberg la sofocó mientras hacía Marruecos. Dietrich es dominante en Dishonored. Es ella quien fuerza el interés. (Variety)

Es quizás la expresión más pura de la creencia de Sternberg en el triunfo de la estética sobre la mortalidad. (Dave Kehr en Chicago Reader)

Von Sternberg convierte lo que podría haber sido poco más que un típico folletín de espionaje en otro de sus exuberantes ensayos visuales sobre la presencia humeante de Dietrich en la pantalla y su propio amor por la textura cinemática, la profundidad y la tactilidad. (James Kendrick)

Salimos del cine mudo, se nota y debemos acostumbrarnos, lo que no plantea ningún problema. Esta película inteligente es un festival de escenas, gracias al inmenso encanto y la belleza diabólica de Marlene. No se puede olvidar su actuación en el carnaval, la de una camarera de hotel en Rusia, su cara a cara con sus compañeros masculinos y la guinda del pastel en la preparación de su ejecución, probablemente la puesta en escena de la muerte más loca y magnífica de la historia del cine. Sublime. (Estonius en Allocine)

Las desventuras de una espía, inspirada en Mata-Hari, dieron pie a uno de los memorables melodramas del tándem Sternberg-Dietrich. El desmesurado romanticismo y el "glamour", presentes en todo momento, culminan en la secuencia del fusilamiento de la protagonista, uno de los incontestables momentos estelares en la historia del cine. (Fotogramas)

Película estrenada en España el 17 de noviembre de 1931 en el cine Callao de Madrid y el 18 de enero de 1932 en el cine Coliseum de Barcelona.

Reparto: Marlene Dietrich, Victor McLaglen, Gustav von Seyffertitz, Warner Oland, Lew Cody, Barry Norton.




miércoles, 30 de enero de 2019

Una herencia de miedo (Scared Stiff, 1953). George Marshall


Una joven hereda un castillo, situado en una isla, que según la leyenda está habitado por fantasmas cuyos gritos se oyen todas las noches. Pese a todo, la joven decide visitar la propiedad en compañía de un cantante y un camarero, pero éstos quedan atrapados en el interior del castillo y tendrán que vérselas con unos muertos vivientes.

La actuación de estos actores, cuyo auténtico lugar parece ser el “sketch” de revista o de sala de fiestas, permite que se les aplauda por el derroche de facultades, el ansia de agradar, el celo por no dejar un instante de provocar la hilaridad del público, cuando menos. (P. Voltes en La Vanguardia de 14 de agosto de 1954)

Debe de ser, sin duda, una labor decepcionante para quienes se emplean en ella, intentar una película cómica, acumular, para conseguir los efectos hilarantes, lances y tipos, y a lo largo de la duración del empeño que ha de servir de base de un programa cinematográfico, no dar con la apetecida comicidad un solo instante. Esto es lo que sucede con “Una herencia de miedo”, invención encaminada a regocijar, pero que no regocija. (…) Hemos visto muchos caricatos desfilar por las pantallas, pero pocos nos han parecido tan insípidos, tan faltos de intención como Jerry Lewis. (Donald en ABC del 17 de agosto de 1954)

Dean Martin y Jerry Lewis brindan una ronda libre de comicidad slapstick, del tipo que hacen tan bien, en Scared Stiff, la nueva versión de la vieja obra de Paul Dickey-Charles W. Goddard [The Ghost Breakers]. El argumento tiene su ubicación principal en una isla solitaria asolada por zombies, cerca de la costa de Cuba. (Variety)

Scared Stiff es el remake de 1953 del film con Bob Hope y Paulette Goddard de 1940, The Ghost Breakers, remozado por los talentos de Dean Martin y Jerry Lewis. Mientras Martin maneja las escenas de la trama seria, tal como lo hizo Hope en la película anterior, las bromas de Hope se dividen de manera bastante equitativa entre Martin y Lewis. Lewis está casi todo el tiempo relegado al papel secundario, interpretado por Willie Best en Ghost Breakers, con algunas oportunidades para lucir una de sus especialidades: una imitación de Carmen Miranda (quien también aparece en el film). Bob Hope y Bing Crosby hacen apariciones especiales hacia el final de Scared Stiff; devolviendo el favor, Martin y Lewis aparecerían sin figurar en el reparto en Road to Bali (1953). (Rotten Tomatoes)

La mejor parte de la película transcurre en una isla cubana donde se escondió una herencia millonaria por lo que algunos desaprensivos crean una leyenda negra para asustar a visitantes molestos. Todo funciona con corrección, ritmo ágil y simpatía. Una película menor agradecida y agradable de ver.(Salvador Sáinz en Diario de cine)

Película estrenada en España el 13 de agosto de 1954.

Reparto: Dean Martin, Jerry Lewis, Lizabeth Scott, Carmen Miranda, George Dolenz, Dorothy Malone, William Ching.


viernes, 25 de enero de 2019

El perro de los Baskerville (The Hound of the Baskervilles, 1939). Sidney Lanfield



Durante más de doscientos años una maldición parece haber caído sobre la aristocrática familia de los Baskerville. Cuando Sir Charles es hallado muerto en extrañas circunstancias, el legendario Sherlock Holmes y su compañero Watson comienzan a investigar y llegan a la conclusión de que la próxima víctima será Sir Henry, el único miembro vivo de la familia y, por tanto, el heredero universal de la fortuna de los Baskerville.

En 1939 se estrenó con un gran éxito The Hound of the Baskervilles bajo la dirección de Sidney Landfield. No sucedió así en España, donde no fue autorizada, acaso por la alusión a la adicción a las drogas que tiene Holmes –alusión eliminada con posterioridad en las copias de reestreno y no reincorporada hasta una restauración en 1975-. La película no se vería en España, pues, hasta un ciclo televisivo del personaje donde fue exhibida como Sherlock Holmes y el Perro de los Baskerville. El film se muestra aceptablemente fiel a la novela, siendo el cambio más llamativo el del nombre del mayordomo cambiándose por Barryman el original literario Barrymore debido a ser demasiado popular en Estados Unidos por la mítica familia de actores de igual patronímico. (Zona DVD)

The Hound of the Baskervilles puede ser una de las mejores adaptaciones en pantalla grande de una historia de Holmes. La trama difiere del libro en varios puntos (y agrega una sesión de espiritismo, que subraya los temas sobrenaturales), pero la mayoría de los cambios hacen que sea una mejor película. Al durar 80 minutos, su ritmo es rápido sin renunciar a la caracterización (está poblada por maravillosos actores) o estado de ánimo. Y, lo mejor de todo, nos brinda la mayor cantidad posible del Holmes de Rathbone, recortando la larga sección central donde Holmes está ausente. No es la mejor película de Holmes, pero es quizás la primera que legítimamente se puede llamar grande en sí misma. (Nathan Booth en The Other Journal)

Primer film de la serie Rathbone-Bruce-Sherlock Holmes, desgraciadamente haciendo poco caso al perro funesto (Roy William Neill luego proporcionó una dirección mucho más imaginativa). Sin embargo, es muy divertida como thriller de época, con el apreciable apoyo de Carradine y Atwill como un par de personajes falsamente siniestros, y una escena encantadora interpretada por Bruce en la que, incapaz de resistirse a afirmar que él es Holmes al preguntarle un vagabundo, Watson tiene que fingir que sabía todo el tiempo que el vagabundo era Holmes disfrazado. Esta es la única película de la serie que alude a la adicción de Holmes a través de su cansada exclamación: "¡La aguja, Watson!" (Time Out)

Un poco más de Hollywood de lo que Arthur Conan Doyle podría haber imaginado, pero no obstante, entretenida. (Luke Y. Thompson)

Misterio como el público esperaba en ese momento, con niebla, un enigma para resolver y un perro monstruoso. Si quieres vivir, huye del páramo como sea porque, como dice el preámbulo de la película, ningún condado inglés es tan siniestro como la extensión primitiva y desierta de Dartmoor en Devonshire. En una palabra, puro blanco y negro clásico de 20th Century Fox. (Chris Chambers en Allociné)

Primero de los films en que Basil Rathbone encarnó al personaje de Arthur Conan Doyle, en una serie que se interrumpiría al poco tiempo para ser recuperada por la Universal tres años más tarde. Sus virtudes residen en una convincente atmósfera y unas espléndidas interpretaciones, aunque el conjunto sea algo convencional. Film inédito en España. (Fotogramas)

Película estrenada en España por TVE el 6 de julio de 1992.

Reparto: Richard Greeene, Basil Rathbone, Wendy Barrie, Nigel Bruce, Lionel Atwill, John Carradine, Barlowe Borland, Beryl Mercer, Morton Lowry, Ralph Forbes, Eily Malyon.