jueves, 27 de noviembre de 2014

Ed Wood (1994). Tim Burton


Ed Wood es un joven director de cine, un visionario sin ninguna formación académica, aficionado a vestirse de mujer y con muy pocas oportunidades de hacer películas en un gran estudio. Sin embargo no ceja en su empeño de convertirse en un director famoso. Tras reunir a un curioso grupo de personajes, realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y no muy cuidadas técnicamente.

El film narra la vida del famoso director de cine bizarro y de culto Ed Wood (1924-1978). Fue escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski y está basada en la biografía escrita por Rudolph Grey. La historia nos muestra a un joven Ed Wood con enormes problemas para encontrar financiación para sus películas. Ayudado por un grupo de excéntricos pero leales personajes, en especial del actor húngaro Béla Lugosi, Wood verá cumplido su sueño de dirigir películas de cine. Fue rodada en blanco y negro por decisión personal de Burton, ya que Béla Lugosi había hecho pocas películas en color, además de estar popularmente asociado a los films que rodó en blanco y negro, y Burton deseaba que siguiera siendo así.
La historia narra la vida del director Ed Wood en los años en los que empezó a rodar sus primeros largometrajes, recogiendo los rodajes de sus películas Glen o Glenda, La novia del monstruo y la obra cumbre del director, Plan 9 from Outer Space.
La personalidad de Ed Wood (papel por el que el actor Johnny Depp estuvo nominado al Globo de Oro), es retratada de forma muy minuciosa, mostrando al director como una persona alegre, simpática, soñadora, luchadora, con una enorme ambición de hacer cine contrastada al mismo tiempo con una cierta falta de talento para ello. La relación entre Lugosi (papel por el que Martin Landau ganó el Óscar al mejor actor de reparto) y Wood es uno de los puntos fuertes de la película, mostrando una intensa amistad e idolatría entre ambos, sentimiento con el que Burton se sentía identificado debido a su similar relación con Vincent Price.
Burton rinde con esta película un homenaje al cine de terror y ciencia ficción de clase B, además de desarrollar, entre otras cosas, una visión bastante realista del Hollywood de los años 1950, a través de la figura de Lugosi, ya en decadencia y con problemas de heroína debido a su ocaso cinematográfico. Tuvo una baja recepción en la taquilla estadounidense. Aunque para la crítica, ésta es, junto con Edward Scissorhands y Big Fish, posiblemente una de las mejores obras del realizador, debido a su creatividad, su estilización y los diferentes temas que se tratan en ella.

"Cuando Tim Burton estaba en pleno estado de gracia, se lanzó a realizar 'Ed Wood', inusual biopic alrededor de la figura del considerado peor director de cine de la historia, todo un canto de amor por parte de Burton a una forma de hacer el cine y, sobre todo, de vivirlo a la que él se sentía muy cercano.
Mediante un guion bien construido y unos actores todos espléndidos, Burton lleva a cabo este homenaje que resulta tan entretenido y como delirante, aplaudiendo a un hombre cuya condición de "perdedor" es magnificada no por ser un perdedor, sino por creer con fe ciega en lo que hacía.
Con una fotografía a cargo de Stefan Czapsky en blanco y negro maravillosa y con la música de Howard Shore acompañando las imágenes, Burton recrea una época y una forma de hacer cine única. El director no puede negar que se siente cercano a la pasión de un director que aunque tuvo todo en contra siguió hacia delante, haciendo de su travestismo algo tan natural como hacer sus películas con un grupo de personajes a cual más estrambótico. De esta manera, Burton consiguió el dar forma a una película con una personalidad propia arrolladora y magnífica. La conversación entre Wood y Orson Welles es antológica." (El Criticón)

A mediados de los noventa el singular y siempre interesante Tim Burton nos encandiló con esta divertida comedia sobre el apodado "peor" director de la historia del cine. Ed es un joven lleno de entusiasmo, de talento delirante, muy poco perfeccionista y que le gusta vestirse de mujer. Sin duda un personaje ideal para Burton.. ¿no creen? Un reparto magnífico -grandísimo Landau-, una dirección exquisita y un cuidado guión para una de las mejores películas de su época. Brillante. Diferente. Genial. (Pablo Kurt)

"Delirante, cálida, divertida y, finalmente, transgresora." (Luis Martínez: Diario El País)
 
"De 'Ed Wood' estaré enamorado siempre (...) del talento que despliega Tim Burton en la mejor película que ha hecho."(Carlos Boyero: Diario El País)
 
Reparto: Johnny Depp, Martin Landau, Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Jeffrey Jones, Bill Murray.
 




lunes, 24 de noviembre de 2014

Gun Crazy (1950). Joseph H. Lewis


Bart Tare es un hombre obsesionado desde niño con las armas. Cuando conoce a Annie, una mujer fatal, se deja arrastrar al mundo del crimen. Unidos por su afición a las armas, la relación de la pareja desemboca, entre atraco y atraco, en un torbellino de pasiones y situaciones peligrosas.

Obra maestra de Joseph H. Lewis, especialista en films de serie B. Escrita por Mackinlay Kantor y Dalton Trumbo, adapta el relato breve "Gun Crazy" (1940), de Kantor, inspirado libremente en la vida de Bonnie Parker y Clyde Barrow.(...) La narración se despliega a un ritmo intenso y prodigioso, que se mantiene a lo largo del film, salvo breves pausas dedicadas a la reflexión del Bart o al romance. El guión exhibe un notable empeño de estilización, que le lleva a prescindir de todo lo superfluo. Los caracteres se presentan bien desarrollados y construidos con precisión y coherencia. Es interesante el análisis de la interacción que preside la relación entre los protagonistas, dominada por tensiones de dependencia/sumisión, arrastre/engaño, seducción/resistencia, turbación/pasión. Se explora la afición al riesgo, la erótica del peligro, la seducción atávica de la violencia y el fatalismo que rodea la acción humana. (Miquel en Film Affinity)

Lewis no abandona ni un sólo momento a los dos protagonistas, ya estén en el mismo plano o no. Con un uso de la cámara increíble, de enorme modernidad para la época (o más bien habría que decir que cuando se hace hoy día, realmente ya es un truco viejo), le imprime un ritmo sin descanso hasta el final. Todo el film avanza de un tirón con un crescendo dramático conseguido hasta límites insospechados. Atención a las virguerías visuales que el director realiza y sin ningún tipo de gratuidad. Baste mencionar el atraco a un banco en el que la cámara no abandona el interior del coche, lugar desde el cual serán filmados varios momentos y a cada cual más sorprendente. Todos ellos sabiamente conjuntados y dando paso a un final histórico donde los haya y de una belleza perturbadora. (Alberto Abuin en Blog de cine)

El demonio de las armas es una muestra de cine negro, pero un tanto peculiar. La acción no se desarrolla en un entorno urbano sino rural, y prácticamente durante el día y no por la noche. Hablamos casi de una road movie con violencia, robos, asesinatos, sensualidad, persecuciones y mucha pasión. Un amor desbordado que roza casi la sumisión y la dominación. Estamos pues ante algo más que un film de cine negro. (TCM)

Título español: El demonio de las armas.

Reparto: Peggy Cummins, John Dall, Berry Kroeger, Morris Karnovsky.


lunes, 17 de noviembre de 2014

Caro diario (1993). Nanni Moretti


Film dividido en tres episodios, que refleja la vida y opiniones de Nanni Moretti. «En mi Vespa» es una aproximación a la vida cotidiana de Roma durante el mes de agosto; en "Islas" visita a Gerardo, un amigo que lleva once años viviendo en Lipari; juntos recorren otras íslas como Salina, Stromboli, Panarea y Alicudi. En "Médicos" el director rueda su propia quimioterapia y su recorrido por hospitales y especialistas incapaces de diagnosticarle la causa de unos insoportables picores.

Moretti filma su diario particular a través de tres relatos en la mejor tradición del cine italiano. "En mi vespa", "Islas" y "Médicos" componen un ingenioso e inclasificable retrato de algunas de las obsesiones del hombre actual a través de pequeños retazos llenos de humor e ironía. Por encima de todos, y dentro del maravilloso primer capítulo, destaca el hipnotizante paseo-homenaje a Pasolini, con música de Keith Jarrett; todo un prodigio de manejo del tempo y de cómo hacer, de una escena anodina, un momento de magia cinematográfica. (Pablo Kurt en Film Affinity)

Cuatro años después de rodar la excelente Palombella rossa, Nanni Moretti dio el definitivo salto internacional con Querido diario, película estructurada en tres relatos: "En mi vespa", "Islas"y "Médicos". Moretti sigue desarrollando su peculiar sentido del humor a través de una comedia magnífica, incisiva, bellamente dirigida y con un guion casi perfecto que tan solo adolece de un pequeño bajón de intensidad en el segundo episodio, ocasionado quizá de que el primero, en sí mismo, es una auténtica obra maestra, recuperando el pulso en la tragicómica tercera entrega. Querido diario nos adentra en algunos de los problemas del hombre del momento y que hoy en día sigue teniendo una enorme vigencia gracias al humor y la ironía que Moretti conjuga a la perfección. Moretti es capaz de transformar secuencias en apariencia anodinas y sin demasiado interés en deliciosas escenas gracias a la música, al ritmo que imprime Moretti y, sobre todo, a su capacidad para mostrarnos lo cotidiano desde una perspectiva personal y fresca envidiable. Una gran película. (Sensacine)

Con Caro Diario, Nanni Moretti protesta contra una realidad y un cine que considera mediocres. Contra eso, nos muestra una posibilidad de hacer cine tomando como consignas la libertad, el compromiso con la realidad y la obra como objeto abierto al azar. Un cine con el que derribar las fronteras que lo limitan. (Miradas de cine)

"Imprescindible" (Fernando Morales: Diario El País)

"Buen cine (...) El primer capítulo; magistral" (Vicente Molina Foix en Fotogramas )

Título español: Querido diario.

Reparto: Nanni Moretti, Jennifer Beals, Alexandre Rockwell, Renato Carpentieri, Antonio Neiwiller.

lunes, 10 de noviembre de 2014

The Rising of the Moon (1957). John Ford


Película compuesta por tres historias independientes presentadas por Tyrone Power y con Irlanda como telón de fondo. En la primera, basada en un relato de Frank O'Connor titulado "The Majesty of the Law", se aborda el tema del orgullo y las viejas costumbres: un campesino prefiere ir a la cárcel antes que pagar una multa por haber dado una paliza a un vendedor de whisky de mala calidad. En la segunda, adaptación de la obra teatral de Martin J. McHugh "A Minute's Wait", se retrata el lento ritmo de la vida irlandesa utilizando como metáfora el sistemático retraso de un tren. La tercera, según un relato de Lady Gregroy, "The Rising of the Moon", trata la historia de un patriota irlandés que va a ser ejecutado.

Obra extraordinaria de Ford, que a pesar de estar realizada en uno de los momentos mas brillantes de su carrera sigue siendo una gran desconocida para muchos. Pocas veces han quedado tan bien resumidas la personalidad y estilo del director que en este bello canto a Irlanda. Toda la poesía de Rio Grande, la nostalgia y el sentido del humor Quiet Man o el compromiso social de The Informer están presentes en estos tres breves relatos. También su capacidad de mostrarnos las entrañas emocionales de sus personajes en unos pocos planos y frases de diálogo. Y por supuesto, en un momento de madurez narrativa absoluta, la puesta en escena es magistral, sutil, poderosa y compleja pero aparentando sencillez y cercanía con la que siempre realizaba sus films. (Jairechu en Film Affinity)

''La salida de la luna'' es una obra menor (en términos de presupuesto) y fue un primer intento de crear una especie de industria de cine irlandés (por aquellos tiempos, inexistente) por parte del productor Michael Killanin. (...) Para un amante del cine de John Ford, ''La salida de la luna'' es una película imprescindible, impactante y disfrutable. La falta de pretensiones, humildad y la autonomía con la cual se rodó, la convierten en una pieza única y esencial para conocer el verdadero talante de John Ford. Una oda divertida y crepuscular a la melancolía y a las tradiciones irlandesas, que colmará las expectativas de los cinéfilos que anhelen deleitarse con una obra de cine puro no contaminado por las exigencias del guión ni de productores ansiosos de maximizar beneficios. Porque ''La salida de la luna'' es cine moderno, pionero y heterodoxo, de ese que de vez en cuando consigue llenar de alegría a los amantes del cine en estado puro. (Rubén Redondo en Clásicos eternos)

Una nueva visita de John Ford a su Irlanda natal, en la que adaptó tres narraciones de distintos autores con un fuerte sabor local. No es una de las obras mayores de su autor, que se limitaba a afirmar: "La hice sólo para divertirme y me lo pasé muy bien"". Grandes momentos en un conjunto algo desangelado, en el que se añora el espíritu vitalista de "El hombre tranquilo".  (Fotogramas)

Título español: La salidad de la luna.

Reparto: Cyril Cusack, Dennis O'Dea, Eileen Crowe, Jack MacGowran, Noel Purcell, Tyrone Power.


lunes, 3 de noviembre de 2014

Opening Night (1977). John Cassavetes


Myrtle Gordon es una actriz de Broadway que se mete demasiado a fondo en la piel de sus personajes, con lo que eso supone de desgaste personal. Está ensayando una obra en la que encarna a una mujer que se niega a admitir que está envejeciendo. Tras ser testigo de la trágica muerte de una de sus fieles seguidoras, tendrá que enfrentarse al laberinto en que se ha convertido su vida personal y profesional.

Al igual que en anteriores films, Cassavetes tuvo que luchar para que la película se distribuyese en los Estados Unidos. Se estrenó el 25 de diciembre de 1977 en el Fox Wilshire Theater de Los Angeles, donde se pasó con la sala casi vacía. La película salió de la cartelera en febrero y no fue exhibida comercialmente en ninguna otra sala. En Nueva York se exhibió en marzo y fue igualmente ignorada. La película fue sólo distribuida comercialmente en 1991, dos años después de la muerte de Cassavetes.
La película participó en el Festival de Berlín de 1978, donde Gena Rowlands ganó el Oso de Plata a la mejor actriz. También se exhibió fuera de competición en el Festival de Cannes de 1992.

La película recibió duras críticas cuando se estrenó en Estados Unidos. La crítica de Variety, que apareció tras un pase para la prensa, concluía que "uno debe preguntarse si nada más que un puñado de cinéfilos están interesados en la obra, si el público ya no ha visto bastante de los personajes de Cassavetes. Ya hizo estas películas antes y no muchos parecieron interesados en ellas." Cuando se estrenó en Nueva York, la película ni recibió críticas en la mayor parte de periódicos y revistas.
El film fue mejor recibido en Europa y su reputación ha mejorado desde su estreno. "Opening Night es tan densa y difícil como se podría esperar de John Cassavetes, pero incluso los detractores del director no podrán negar la fuerza de la interpretación de Gena Rowlands." (Rotten Tomatoes)

El crítico de cine Dan Schneider escribió acerca de la estructura narrativa del film: "Muchos críticos han tomado esta película como el retrato de una alcohólica. Pero es un error, porque el alcohol no es su problema, ni tampoco la adicción al tabaco. Son meras distracciones de lo que realmente la está empujando a su propia destrucción. Para mayor gloria de Cassavetes como narrador, nunca deja que sepamos exactamente lo que pasa con Myrtle y a pesar de superarlo al final, no hay razón para esperar que realmente haya resuelto algo con consecuencias. Esta clase de final sin solución relaciona a Cassavetes directamente con los más audaces directores europeos del pasado reciente, que se quedaban cómodos al no revelar todo al público y le forzaban a pensar, incluso aunque doliese."

Noche de estreno nace por un lado del deseo de Cassavetes de hacer una pieza teatral cuya acción se desarrollase entre los bastidores y el propio escenario. y por otro de la influencia de películas como Eva al desnudo y Ha nacido una estrella, favoritas del director. Tanto es así que Ha nacido una estrella tiene notables parecidos con Opening night y algunos biógrafos infieren que la película es una visión de lo que hubiera pasado si Rowlands, cuyo verdadero nombre era Virginia—como la protagonista del film—, que siempre había querido dedicarse al teatro no hubiera contraído matrimonio con Cassavetes. Todo esto a colación de que la desordenada vida personal del director y su filmografía, forman una vez más una nueva síntesis, y ésta película es en realidad otra prueba de ello. (Chus en Film Affinity)

Título español: Noche de estreno.

Reparto: Gena Rowlands, Ben Gazzara, Joan Blondell, Paul Stewart, Zohra Lampert, John Cassavetes.